莫迪洛（Guillermo Mordillo）1932年8月4日生于阿根廷首都布宜诺斯艾得斯。他从小就十分热爱画画，正如他自己所说：“……从三、四岁起就那么整天地画童年时代我把时间分为上学、踢足球、绘画三部分……我画画的欲望从不衰竭，这种欲望与日俱增，简直是一种病态……”。12岁时，莫迪洛开始画漫画，15岁时他就能靠画来挣钱，18岁时他已为4本儿童读物画过插图，同时并为特技电影绘制图片。20 岁那年，他已有一个画室，在那儿许多志同道合的朋友常常聚在一起为电影院和电视连续剧画广告。23岁时，莫迪洛迁居秘鲁，成为利玛一家名为MCCANNERICKSON 广告公司的一员，在这以后的5年中他创作了许多儿童读物及幽默画片。1960 年莫迪洛前往美国纽约，为派拉蒙电影公司的特技电影设计造型，并与别人一道绘制动画片《大力水手》（即美国漫画家沙根道尔夫创作的卡通漫画《独眼水手波佩》），一年之间，他就像在一台输送机上一样拼命地干活，后来他离开了那儿，开始在幽默明信片画室工作，当时，这在英国和美国是个十分兴旺的行业，他在那儿又干了2年。

    法国是世界艺术的中心，1963年9月19 日勇于开拓的莫迪洛终于冒着瓢泼大雨抵达向往已久的巴黎，当时他一句法语也不懂，一个人也不认识，但他还是带着他准备去英格兰展出的幽默明信片找到专门出版这类画片的米克麦克斯出版社，编辑们看了他的作品后十分欣赏，立即就聘用了他。从他抵达巴黎算起总共不到24小时，他就以自己的艺术在巴黎找到了立足之地。

    1964年莫迪洛在意大利托伦蒂诺获漫画银奖。至1970年，莫迪洛的漫画创作进入了全盛期，此时他的作品已在世界许多国家的报纸及杂志上发表，他的第一部漫画册《海盗船》也在这年完成，并且这年在意大利波伦亚获得漫画评论奖。1972年年他创作的第一本漫画月历在慕尼黑问世，这年他又在南斯拉夫举行的国际幽默漫画家大会上获银质奖，他的漫画册《疯狂的牛仔》也在日本获奖。1973年他的幽默画片陆续问世，并于南斯拉夫萨拉热窝获漫画银牌奖。1974年法国电视播出了他制作的五部短片，并于这年第一次在法国举办了个人艺术展，接着又获得了阿根廷艺术家奖和凤凰奖。1975年，他在西班牙巴塞罗纳又举行个展。1976年，他在慕尼黑的MANFRE DSCHMIDT公司为西德的电视制作一部大型特技电影影集。1977他在加拿大蒙特利尔荣获了“1977年度漫画家”称号……由于莫迪洛世界性的辉煌成就，他获得了国际幽默画家银质奖。

莫迪洛的漫画具有鲜明的艺术个性

    从造型方面来看，他的漫画几乎都是以大鼻子矮东瓜的形象为主角，即使配角乃至各种动物也是如此，显然，这是从卡通中脱胎换骨出来的造型，是他长年绘制动画片的结果。这种矮东瓜的形象是莫迪洛漫画形成独特风格的重要因素之一，成了莫迪洛漫画的鲜明标志。

    绚丽的色彩是莫迪洛漫画的又一显著特色。莫迪洛敏感地运用原色作画，开了彩色漫画风气之先。正如其漫画造型脱胎于卡通一样，其漫画色彩明显地带着浓厚的卡通味道。在不少作品中，莫迪洛着意追求纯朴、粗犷、热烈的原始风味，他常把人置身于幽冥的森林或孤寂的海岛，既看不出着衣与裸体的区别，又看不出过去与现在的界限，让人性中的美丑、善恶得到最充分的袒露。浓艳饱满的色彩对于莫迪洛追求的这种原始意境的气氛起了烘托与渲染的作用，酣畅淋漓地向人们展示了一个神奇、梦幻般的世界。

    超时空、超现实的想象使莫迪洛作品的幽默意境洋溢着浓郁的浪漫气息。从大海孤岛到崎岖山道，从太空宇宙到原始丛林，从微观世界到宏观世界，他神思遨游，无拘无束，把合理的与荒诞的、理智的与感情的、现实的与虚幻的巧妙地揉合在一起，创造出充满诗意、充满幻想的幽默意境。

莫迪洛漫画具有深刻的思想内涵

    他认为，人类不应该采任何隔阂而和平幸福地生活在一起。他采用无字漫画的形式越过了语言的障碍，明确有力地反映了他的这种思想主张。在他的作品中，没有国家的界限，没有种族的歧视，甚至人与动物也是浑然一片。

    对于人生，莫迪洛有其独到的见解，他总以乐观的目光审视着人生，尽管看他到人生道路上命运多舛，但他并不回避其中的痛苦与烦恼，总是把目光放在人生未来的光明前景上。正如他自己所说：“20岁以后我就认识到，不断地处于悲伤状态实在太令人悲伤，那是浪费时间，生命太短暂了，我们意识到这点时就不该用悲观失望的思想来折磨自己。”“……人总是信赖未来，不论其最终是否尽合人意。我认为这是人的力量所在，也是人所以顽强地施展才能的原因，它赋予人以创造力和生命力。”他把人生的欢乐，寄托在对环境的致胜力量的充分信任上，把欢乐理解为对挫折的克服，把幸福理解为与命运的抗争，从而真正地进入了乐观人生的境界。有人曾问莫迪洛，幽默到底是什么？他说：“正如鲍里斯?维昂所云， 幽默是对失望的嘲弄……”“……幽默是绝望时的一线生机。”他确信“幽默”是解除人类精神世界中痛苦与烦恼的一剂灵丹妙药。

    爱德华?蒙克(Edward Manch 1863-1944)伟大的挪威画家，现代表现主义绘画的先驱。

    爱德华?蒙克是具有世界声誉的挪威艺术家，西方表现主义绘画艺术的先驱。他的绘画带有强烈的主观性和悲伤压抑的情调。毕加索、马蒂斯就曾吸收他的艺术养料，德国和法国的一些艺术家也从他的作品中得到启发。

蒙克代表作《呐喊》

　令人震颤的，色彩混淆的天与河，漫延到天际的无止境的道路，一个骷髅一般的人，双手放在耳朵上，声嘶力竭地大声尖叫，好像一个人的梦魇。这就是爱德华?蒙克（Edward Manch）的不朽名作《尖叫》（The Scream）。

    1893年，蒙克创作了著名的《尖叫》（也译作《嚎叫》或《呐喊》）的草图，《尖叫》通常被认为是第一幅表现主义画作，也是蒙克‘灵魂作画’这一概念最极端的体现。表现情绪的途径更多依赖了绘画时的力度，颜色与线条大胆的运用令人震撼。画中强烈失真变形的人物形象，血红的背景、动荡的线条是不可能取自于现实世界的――它来自于蒙克自己的‘心里的地狱’，表达的是人类心灵深处那种无可救赎的绝望和不安，主题的深刻永恒强烈刺激着观众的视觉神经。更不可思议的是，这幅作品似乎是对当今现代社会中人类的精神信仰状况的一种预言性的描述。

     人们发现，在绘画艺术中，精神分裂症能唤起没有艺术素养的人的艺术活力，有时还能增加已成名的艺术家的创造力。也许像心理学家们所表明的那样，艺术家确实存在潜在的精神病的倾向，而艺术创作则有助于防止潜在的精神错乱表面化。有位作家曾说过：“有时我奇怪，所有那些不写作、谱曲或画画的人是怎样做到得以逃避发疯、忧郁、惊恐这些人类境遇中总是存在的东西。”这种绘画的治疗作用在表现主义绘画之父爱德华?蒙克身上表现得犹为明显。

    蒙克于1863年出生在挪威的一个知识分子家庭。父亲是位知识渊博、阅历丰富的军医，母亲也受过良好的艺术教育。在他5岁那年，母亲因患肺结核而去世，姐弟五人由姨母代养，母亲去世后，父亲难过得好几天没有走出家门，他抑郁的神经强烈地感染了失去母亲的蒙克，这是他一生中首次感受到死亡的恐怖。蒙克13岁那年，年长两岁的姐姐也因肺病去世。

    《病孩子》1885―1886年，为了抓住‘第一印象’，把痛苦的、个人化的经验以绘画的艺术形式表现出来，蒙克在这幅画的构思上经历了巨大的思想震荡。《病孩子》自此成为了他一生的创作主题，蒙克差不多每隔十年就重复画一幅《病孩子》。用蒙克自己的话说：‘这可能是我最重要的一幅画’，‘这是我艺术创作的一项突破，我在其后的作品，都应该归功于这幅画的诞生。’在这幅画中，蒙克使用了一种近乎疯狂的‘创作――毁坏――再创作――再毁坏’的作画方式。蒙克自己是这样描述的：我的画布上呈现了一幅佳作，但却不是我所想要表达的。这幅画在一年之中我重复画了好几次，我把它刮掉，又重新再涂上颜色，不断寻找我的第一个印象，那透明而苍白的皮肤，那嚅动的嘴，那颤抖的双手。

    蒙克与姐姐关系十分相好，感情极深，她的死再次刺激了蒙克的神经。接下来他的妹妹也患了精神分裂症。这一系列的打击所引发的伤痛，深深地印在了蒙克的内心里，决定了蒙克的性格和他前半生创作的基调。从他的《病孩》、《母亲之死》和《在灵床旁》等作品中我们能很清楚地看到这一点。特别在1889年父亲去世后，他的精神更是无法寄托，性格变得忧郁而孤僻。孤独、绝望、死亡等感觉深深地困扰着年轻的蒙克，到了非表达不可的程度。他要呐喊，他要画出活生生的人们，以及他们的呼吸、感觉和受苦受难。在这一时期，他画出了他最重要的作品《呐喊》。画面表现的是一个形似成形婴儿的小人张着口从桥上跑来，远景是海湾和落日景象。天空像滚动着的血红色波浪，令人感到震颤和恐怖，仿佛整个自然都在流血。蒙克后来在谈及此画时说：“我和两个朋友一起走着，夕阳西沉，天空变得像血一样红，我忽然无精打采，极度疲倦地止住脚步，黝黑色的海峡和道路显示着血与火一样的光舌。朋友走着，我却一个人停在那里因不安而颤抖着，我感到了自然强烈的呐喊。”

    蒙克的《呐喊》和他所有的作品一样，都是通过自身体验才画出的，他不是为了艺术而艺术，他所表达的只是有关他自己的忧郁和不安。这就是他的创作的原动力所在。蒙克正是通过创作才打开了自己幽闭着的情感通道，在不自觉中泄露了自己无意识的情感，使内心产生的巨大精神能量得以渲泄。正如弗洛依德相信梦能使紧张在某种程度上缓解一样，通过艺术来表达情感可以使他自己达到一种较为平和的状态。倘若不是通过大量的创作来表达自己，那他也许早就像其妹妹一样过早地精神崩溃了。

    不幸的是，蒙克还是在1908年精神分裂了。在精神分裂中，他的精神得到了最彻底的解脱。从丹麦的哥本哈根接受治疗回到挪威后，他仍能以很高的热情坚持创作，他为奥斯陆大学讲演厅创作热力四射的巨大壁画《太阳》，也画了一些诸如《扫雪回家》和《工人回家》等纯朴自然的画作，但他作品所表达的东西与发病前彻底不同了，作品变得明亮、宁静而富哲理。这就是美术史学家们所称的“第二时期”。从这一时期的作品中我们只能得出一个结论，那就是蒙克内心的痛苦和冲突已经被释放得无影无踪了。