史料记载：中国的面塑艺术早在汉代就已有文字记载，经过几千年的传承和经营，可谓是历史渊源流长，早已是中国文化和民间艺术的一部分。也是研究历史、考古、民俗、雕塑、美学不可忽视的实物资科。就捏制风格来说，黄河流域古朴、粗扩、豪放、深厚；长江流域却是细致、优美、精巧。
    面塑艺术的特点是“一印、二捏、三镶、四滚”（泥塑的步骤），还有“文的胸、武的肚、老人的背脊、美女的腰。
    面塑实际上是馍，用糯米粉和面加彩后，捏成的各种小型人物。主要出现在嫁娶礼品、殡葬供品中，也用于寿辰生日、馈赠亲友、祈祷祭奠等等方面。农家把已蒸好的各种面塑花摆在诸神前，其中猪头形面塑俗称“大供”，另外还有花模、花果模、礼模、馍玩具等。制面馍的工具十分简单：白面、剪刀、菜刀、梳子、红枣、花椒等物，只要掌握好发面技术，按照式样进行捏制，那么一个鲜活的面模形象就会脱颖而出。”
    我国传统的饮食文化源远流长，据文献资科，汉代早已有面塑的记载，宋代《梦粱录》中曾记载着把面塑用在春节、中秋、端午以及结婚祝寿的喜庆日子。在陕西、河北也有把面塑称作“面花”和“年模”的，并将这古老习俗一宜贯穿于节庆日子的始终。从年三十到正月十五，乡村中到处可见互送礼馍的欢快场面。在陕西关中东部妇女几乎人人都是制作礼模的高手，其申尤以年长的妇女技艺更是高超。 
    面塑本是一种街头民间工艺，被引进餐饮殿堂之后，它也和食雕一样，担当起点缀和美化菜肴、烘托宴席气氛的作用。
    面塑按其使用功能可分为两类，一类是专用于收藏的面塑，另一类是可以食用的面塑。用于收藏的面塑通常用精面粉、糯米粉、盐、防腐剂及香油等制成，而用于食用的面塑则用澄粉、生粉等制成。本文要讲的是用于收藏的面塑。
制作面塑，和面是关键之一。制作面塑的和面与制作面点不同，前者需要考虑面团在可塑性、防腐性等方面的要求。
    许多人在制作面塑时都会遇到诸如面团不易塑造成形、作品易干裂绽口等问题。究其主要原因，恐怕还是制作者没有完全掌握面塑和面的诀窍。
由于面塑的流派众多，故和面的配方和手法各有所不同。即使是同一流派，和面的配方和手法也会因季节的变化及作品的不同而有所差异。
    根据笔者所属流派的经验，冬季和面的配方为：精面粉１５００克、糯米粉１０００克、精盐２００克、防腐剂１００克、香油２５０克。
    其制作手法为，将面粉、糯米粉、精盐、防腐剂放在盆中和匀，再徐徐倒入开水并用筷子搅拌，然后将面团反复揉搓，直至达到“三光”效果?面光、手光、盆光?。用手将面团压成薄片，上笼蒸约４５分钟取出来，迅速将面片与香油揉和均匀，再放入塑料袋中，用毛巾裹好，放置２４小时至面团上劲后，即可用广告色进行调色了。
    如果是在夏季，考虑到气温和湿度等因素，一般可适当增加面粉的比例?可将面粉增加到１７００克左右，同时，防腐剂和香油的比例也应适当加大。
    和好的面团在冬季可保存１～２个月，夏季放在冰柜中也可保存１个月左右。取用时若感到面团发硬，可用手将其揉软，这并不影响其使用效果。
    初学面塑者在和面时，由于对原料的用量比例及制作手法掌握不好等原因，容易出现下列问题：
    １?面团过干，这会造成面塑各部件之间不易粘接。出现这种情况的主要原因是，和面时水加得过少或面粉加得过多。但如果发现问题已出时切不可再加水揉和，只能用５０２胶或白乳胶对部件进行粘接。
    ２?面团太软，就是说面团失去了骨力。主要是因和面时水或糯米粉加得过多所致。其解决的办法是：将面团置于阴凉通风处，吹至面团不粘时即可。
    ３?面团弹力过大，这可能造成无法刻画面塑的细微部分。如用塑刀刚压好的眼窝，马上又会弹起恢复原状等。解决办法很简单，面团和好后立即入笼蒸熟即可。
    ４?制好的面塑作品存放时出现干裂或生虫长毛。加入精盐和香油?或甘油?后，有增加面团筋力、使面团不开裂绽口的作用。因此，只要和面时将上述两种原料放够了，并与其它原料充分揉匀，即可防止作品干裂。致于作品生虫长毛，则是防腐剂用量不足所致。 

　皮影戏是中国的一门古老传统艺术，老北京人都叫它“驴皮影”。千百年来，这门古老的艺术，伴随着祖祖辈辈的先人们，度过了许多欢乐的时光。皮影不仅属于傀儡艺术，还是一种地道的工艺品。它是用驴、马、骡皮，经过选料、雕刻、上色、缝缀、涂漆等几道工序做成的。皮影制作考究，工艺精湛，表演起来生趣盎然，活灵活现。

　皮影戏从有文字记载到现在，已经有1000多年的历史了，相传明代即有,明武宗正德戊辰三年(1508年)北京曾举办百戏大会，皮影戏参加了演出。另传皮影自明中叶从兰州和华亭先传入河北涿州、后再传到京西、北郊农村，然后入城并形成东、西城两派。清代北京皮影已很普及。除深受农民、市民欢迎外，还进入到宫廷。康熙时，礼亲王府设有八位食五品俸禄的官员专管影戏。嘉庆时逢年过节等喜庆日子还传皮影班进宅表演。当时的北京影戏班白天演木偶，夜晚则于堂会唱影戏，有不少京剧演员也参加影戏班演出。

　北京皮影以线刻见长，自清中叶后，在造型上借鉴京剧，出现了生、旦、净、丑、末的脸谱。正是艺术家们一代代人的努力，才使得皮影艺术不断的繁衍、发展。

　当皮影演员可不容易，除了唱、念，还得会操作影人，影人的动作、神态最能看出演员的功夫。这一招一式，看上去得像那么回事。虽说皮影戏这功夫在手上，可心里和眼里的功夫可不是三两天能够练出来的。

　皮影艺术给北京的文艺舞台增添了古色古香的品味，它深受北京人，特别是老人和小朋友的喜爱。北京皮影继承了西派皮影艺术的特色，善演神话、武打和寓言剧，久演不衰的保留剧目有几十出，都以唱腔委婉、表演细腻而著称。皮影不仅受到中国人的喜爱，外国朋友也挺着迷。很多精美的皮影人被国外博物馆收藏。目前，古老的皮影艺术正焕发着青春的活力，丰富着人们的文化生活，把人们带入一个完美的艺术世界。

　饮茶习惯在我国有着悠久的历史，古代文人雅士平时经常聚集一起，且鼎且缶，?以啜以饮，视为可获得无穷的清趣。据汉代《华阳国志》，司马相如《凡将篇》和?杨雄的《方言》等书中记录了，武王伐纣时就出现将茶作为贡品，和反映西汉时代?买茶、烹茶、饮茶的事，宋代大诗人王安石曾有“人固不可一日无茶饮”之语。可?见饮茶在古代人们生活中占有很重要的地位。

　唐代以前，茶器与食器不分。随着饮茶风气更为普及，茶器并日趋工巧，唐代?末年出现了饮茶最理想的茶壶──紫砂壶，以紫砂泥为原料，经艺人精心制作，其?壶颜色紫红、质地细柔，造型古朴，泽地典雅，贵如鼎彝。宋代的紫砂壶已在文人?中广为使用，大诗人欧阳修曾诗云：“喜共紫瓯吟且酌，羡君潇洒有余情。”诗中?的“紫瓯”即紫砂壶。宋代后期到明代的宜兴紫砂生产的崛起，很快成为全国的紫?砂器生产中心，在以后的数百年中，宜兴始终是一领中国紫砂壶制作风骚，直至今日。

　宜兴位于苏、浙、皖三省交界处，地处太湖之滨。古代称阳羡，唐代已是著名?的产茶基地，许多名茶年年进贡，供皇府上下享用。唐代“茶仙”卢寺云：“天子?须赏阳羡茶，百草不敢先开花。”因此，在宜兴很早就出现用丁山和蜀山的泥土，?制作饮茶的紫砂壶。明人周高起的《阳羡茗壶录》一书中记载，明代嘉靖制紫砂器?艺人龚春的出现，把中国紫砂器推进到一个新的境界。龚春本名“供春”，少时为?吴颐山的伴僮，当吴颐山的金沙寺读书时，他就偷闲出来，私访金沙和尚，精淘细?土，勤于折捏制，终成大家。龚春成宜兴紫砂制作的一代宗师后，他的作品被称为?“供春壶”，当时有“供春之壶，胜于金玉”之美称。从此，宜兴紫砂器生产发展?迅速，百品竟新，名家辈出。明清两代出名的制壶艺为如下：

　明代──供春、董翰、赵梁、袁锡、时朋、李茂林、时大彬、李仲芳、徐友泉、?邵文银、邵文金、欧正春、蒋时英、陈用卿、陈仲美、惠孟臣。

　清代──陈鸣远、邵茂林、邵旭茂、陈荫干、邵之华、陈鸿寿、杨彭年、杨宝?年、杨凤年、朱石梅、瞿子治、邵大亨、陈松亭、黄玉麟、邵友廷、王东石、王南?林。

　民国──陈鼎和、戴国宝、蒋燕亭、范大生、陈光明、李宝珍、程寿珍、汪宝?根、吴云根、王寅春、俞国良、裴石民、王寅春、顾景舟。

　清代中期，“西泠八家”之一的陈鸿寿加入紫砂壶设计制作过程，使集书法、?绘画、工艺为一体的紫砂壶刚问世，就赢得社会肯定，称赞“曼生壶”是中国紫砂?壶制作历史中的又一个里程碑。此后，许多书画家参与紫砂壶的绘画和书法，诸如?海上画派盟主任伯年和吴昌硕，为热恋紫砂壶，曾几乎荒废本业。这一习俗至今沿?袭。

　中国砂器进入国际艺术品市场较迟，买主较少。70年代中期宜兴曾向海外出口?一大批名家创作的紫砂壶，也是作为一般的工艺品，价格低谦。不料从80年代中期?起，台湾、香港、新加坡等地，出现一股收藏紫砂壶的狂热。紫砂器市场极为火红，?价格狂热。紫砂器市场极为火红，价格狂飚，原来仅值数千港元的名家壶，一下子?上升到几万、几十万元。

紫砂壶的特点:

名壶莫妙于砂，壶之精者又莫过于阳羡，这是明代文学家李渔对紫砂壶的总评价。

　为什么宜兴的紫砂壶好？这可从两方面来说明。一方面，它是艺术品，形制优美，颜色古雅，可以直侪商彝周鼎而毫无愧色（见张岱《梦忆》）。另一方面，它又是实用品，用以沏茶，茶味特别清香；用以盛茶，不失元味。明人文震亨说：茶壶以砂者为上，盖既不夺香，又无熟汤气。许次纾也说：以粗砂制之，正取砂无土气耳！《阳羡茗壶系》说：壶经久用，涤拭口加，自发暗然之光，入可见鉴。在林古度《陶宝肖像歌》里也有九且色泽生光明的诗句。这种既有艺术价值又有实用价值的特点，使紫砂壶的身价贵重如珩璜，甚至于超过珠玉之上。

　清人汪文柏赠给当时紫砂壶名家陈鸣远的一首《陶器行》诗里，有人间珠玉安足取，岂如阳羡溪头一丸土的赞句，可见宜兴紫砂的身价是非常高的。究竟值多少钱呢？名人周澍《台阳百咏注》里说：供春小壶一具，用之数年，则值金一笏。到了清代康熙年间，也是一具尚值三千缗。（陈其年《赠高澹人诗》，见《阳羡名陶录》）可见名家出品价格尤高。再往后，则凡是明代名家所制的紫砂壶，不仅价埒金玉，而且已为四方好事者收藏殆尽。（吴梅鼎《阳羡名壶录》）不仅如此，甚至一些残破的紫砂壶，也有人愿意出价收购。周伯高就是这样的人。他说：供春、大彬诸名壶，价高不易辨。予但别其真，而旁搜残缺于好事家，用自怡悦。（吴骞《阳羡名陶录》）

　紫砂壶质地古朴纯厚，不媚不俗，与文人气质十分相近。文人玩壶，视为雅趣，参与其事，成为风雅之举。他们对紫砂壶的评价是：温润如君子，豪迈如丈夫，风流如词客，丽娴如佳人，葆光如隐士，潇洒如少年，短小如侏儒，朴讷如仁人，飘逸如仙子，廉洁如高士，脱俗如衲子。（奥玄宝《名壶图录》）

　(一)独特的材质?
　宜兴紫砂是以紫泥、红泥、绿泥等天然泥料雕塑成型后，经过1200℃高温烧成的一种陶器。紫砂土是一种颗粒较粗的陶土，含铁、硅较高。它的原料呈沙性，其沙性特征主要表现在两个方面：第一，虽然硬度高，但不会瓷化。第二，从胎子的微观方面观察它有两层孔隙，即内部呈团形颗粒，外层是麟片状颗粒，两层颗粒可以形成不同的气孔。从其颜色上分主要有三种：一种是紫红色和浅紫色，称作紫砂泥，用肉眼可以看到闪亮的云母微粒，烧成后成为紫黑色或紫棕色；一种为灰白色或灰绿色称为绿泥，烧成后呈浅灰色或浅黄色；还有一种是棕红色，烧成后呈灰黑色称为红泥。三者之中紫砂泥最多，而绿泥、红泥较少。由于其特殊的材质，使宜兴紫砂壶具备了以下几个特点：

　1?泡茶不失原味，色香味皆蕴，能使茶叶越发的醇郁芳沁。
　2?紫砂器使用的时间越长，器身就越光亮，这是因为茶水本身在冲泡过程中也可以养壶。
　3?紫砂器的冷热急变性好，即可以放到火上烧，也可以在微波炉中使用而不会爆裂。
　4?传热慢，而且保温，若使用提携无烫手之感。
　5?坯体能吸收茶的香气，用常沏过茶的紫砂壶偶尔不放茶叶，其水也有茶香味。
　6?紫砂壶的泥色与经常冲泡的茶叶有关，泡红茶时茶壶会由红棕色变成红褐色，经常泡绿茶时，砂壶会由红棕色变成棕褐色。壶色富于变化颇耐人寻味。
　7?宜兴紫砂有很好的可塑性，入窑烧造不易变形，所以成型时可以随心所欲地做成各种器形，使紫砂器的花货、筋纹的造型能自成体系。
　8?独特的透气性能。其透气性能好，使用其泡茶不易变味，而且隔夜茶也不会馊。
　宜兴紫砂泥所具备的这些天然的良好性能在制陶业中也是罕见的，惟宜兴所独有。

　(二)独特的成型工艺
　宜兴紫砂壶的造型千变万化，其造型采用全手工的拍打镶接技法制作的，这种成型工艺与世界各地陶器成型方法都不相同。这是宜兴历代艺人根据紫砂泥料特殊分子结构和各式产品造型要求所创造的。清末时期有用模制或轳辘成型的工艺。不论圆、腰圆、四方、六面、侧角、高矮曲直都可以随意制作。同时还为造型的平面变化提供条件，这就形成紫砂结构严谨、口盖紧密、线条清晰等工艺特点。壶盖的制作最能显示出其工艺技术水平。圆形壶盖能通转而不滞，准合无间隙摇晃，倒茶也没有落帽忧；六方壶盖，无论从任何角度盖上，均能吻合得天衣无缝。所有这些独特的高难度的成型技法，是其他陶瓷产品无法比拟的。

　(三)独特的宜兴紫砂文化?
　宜兴紫砂文化概括起来说，就是中国悠久的陶文化与成熟于唐代的茶文化相互融合。其主要表现在造型、泥色、铭款、书法、绘画、雕塑和篆刻等诸多方面。紫砂高手善于以壶为主体，融合诸艺术于一体，在形式内容方面谐合、神形兼备。宜兴紫砂艺术方面最大的特点是素质、素形、素色、素饰，不上彩、不施釉、质朴无华。其素面素心的特有品格，常使人对它情有独钟，古今有多少诗人、画家对它的喜爱达到痴迷的地步。可见其影响力之大。

　现在紫砂学界有一些学者提出一个新颖的观点，即把紫砂茗壶进行划分归属。第一类是具有传统的文人审美风格的作品，讲究内在文化底蕴，追求文心，提倡素面素心的清雅风貌，在壶体上镌刻题铭，切壶、切茶、切景诗出为三绝称之为文人壶。第二类是有富丽鲜亮、明艳精巧的市民趣味作品。在砂壶上用红、黄、蓝、黑等泥料绘制山水人物，草木虫鱼做纹饰，或镶铜包银，此类称民间壶。第三类作品是将砂壶进行抛光处理，镶以金口金边，造型风格迎取西亚及欧洲人的审美趣味，有明显的外销风格，称外销壶。第四类是不惜工本精雕细琢，讲究豪华典雅的宫廷御用紫砂茗壶称宫廷壶。而此类器物则代表了当时紫砂制陶的最高成就。

　另外，宜兴紫砂还有一个独特的现象。自明迄今，有诸多文人参与设计、书法、题诗、绘画、刻章，与陶艺师共同完成每件作品。题诗镌刻的内容已经完全提升到文学性的高度，以壶寄情，曾一度发展到字依壶传壶随字贵的境地。其中较著名的有陈继儒、董其昌、郑板桥、陈曼生、任伯年，吴昌硕、黄宾虹、唐云、冯其庸、亚明等等，这对宜兴紫砂文化内涵的扩展和深化起到了极其重要的推动作用。而这一现象是其他工艺领域中所罕见的。而其中影响较深远的则首推陈曼生。?陈曼生，字子恭，号曼生，名鸿寿，浙江钱塘人（1777-1822）西泠八家之一。陈鸿寿善画山水，讲究简淡意远，疏朗明秀效果，诗词文赋造诣精深，他一生酷爱壶艺，是一位杰出的陶艺设计家，曾设计壶样十八式，多与杨彭年兄弟、邵二泉等人合作，他所设计的壶多受文人雅士的喜欢，称曼生壶。他的壶型多为几何体，质朴简练、大方，为前代所没有，开创了紫砂壶样一代新风。曼生壶铭极富文字意趣，格调清新、生动，耐人寻味。陈曼生开创了书刻装饰于壶上，自此中国传统文化诗书画三位一体的风格内涵至陈曼生时期才完美地与紫砂融为一体，使宜兴紫砂文化达到了一个新的高度。

　绢人，是美术人形的一种.民间布制玩具“针扎”、““彩扎”等手工艺品，都和它有着密切关系。

　在古代，我国民间流行用竹、纸为原料，制作各种工艺品。早在唐代（公元618－907年）福建南部农村就盛行彩扎，开始时是用纸扎成各式飞禽走兽、花鸟鱼虫，后来又表现一些广为流传的戏文和神话故事，制成花灯，到处陈列，供人观赏。以后，这种扎制花灯的工艺逐步发展.形成了彩扎工艺品，据《东京梦华录》记述，北宋时民间艺人能剪绫为人，裁锦为衣，彩结人形了。至明代，民间还有制作绢人的。

　清代时，以绢绫绸纱剪扎成老寿星和麻姑，同寿桃寿面一起，做为祝贺寿诞的礼品，可惜的是，制作绢人的技艺一度失传了。

　如今的北京绢人的诞生，是在新中国成立后的50年代中期，我国应邀参加在印度举行的同际玩偶展览会，文化部通过全国妇联把制作展品的任务交给了葛敬安、李佩芬、杜崇朴等同志。于是他们从各方面收集资料，反复推敲，终于在两个月的时间里，试制成功了五件表现少数民族妇女形象的作品，及时送展，获得好评。后来，成立了北京美术人形研究组，陆续试制出许多新作品，这种绢人具有新中国气派和民族风格。从质料上看，国外的人形头部，采用石膏粉，胶泥和木头做成，而北京绢人，从头到脚都采用了中国丝绸、绢纱，人物的脸型、服饰和动作表情，充分体现出中国风貌。也因为做成人形的主要原料是彩绢，所以被人们称做“北京绢人”。

　绢人的制作.要经过雕划、彩绘、缝纫、道具服装、头饰整理等十几道工序，不论哪一道工序，都需要精妙而高超的技巧。每一件作品.都要求赋绢纱以生命.施丝绸以精灵。经艺人的精巧安排和制作，件件制品都意趣盎然，特别由于抓住了人物””亮相”时一瞬间的神态.所以，不仅表现出人物的气质、性格.还给人以静中有动的感觉制作绢人的原料是丝、绸、绢、纱，以及铁丝、棉花等，即使是绢人的头部，也是罩蝉奖纱后，再描画点睛而成的。

　最近几年，北京绢人艺人创作出结合实用的装饰品，以及作为历史人物资料收藏的陈列品，随着艺术的发展和人民文化水平的提高，制作绢人的技艺越来越精巧，题材范围也越来越广泛。

　　刺绣是中国优秀的民族传统工艺之一，刺绣与养蚕，缫丝分不开，所以刺绣，又称丝绣。中国是世界上发现与使用蚕丝最早的国家，人们在四五千年前就已经开始了养蚕、缫丝了。随着蚕丝的使用，丝织品的产生与发展，刺绣工艺也逐渐兴起，据《尚书》记载在四千前的章服制度，就规定“衣画而裳绣”。宋代时期崇尚刺绣服装的风气，已逐渐在民间广泛流行，这也促使了中国丝绣工艺的发展。

　　上海的露香园顾绣，就是当时最出名的刺绣。顾氏家族世袭相传，善于刺绣的声誉名扬大江南北，并得到朝廷的赏识。到了清代顾绣不仅震海内，而且蜚声海外，吸引了不少国外商人来上海，大量订购顾派刺绣品，一时顾绣成为刺绣的通称了。

　　如今，中国的刺绣工艺几乎遍于全国，苏州的苏绣、湖南的湘绣、四川的蜀绣、广东的粤绣各具特色，被誉为中国的四大名绣。发展到今天的刺绣艺术品，工艺精细复杂。例如双面绣《猫》,是苏绣的代表作品之一。艺人们将一根头发粗细的绣花线分成二分之一、四分之一，以至十二分之一、四十八分之一的细线绣，并将千万个线头、线结藏得无影无踪。无论从正面或反面都可以看到小猫调皮活泼的神态绣猫最难的是一对猫眼睛，艺人们需用20多种颜色的丝线才能把猫睛绣得炯炯有神，栩栩如生。至今，在双面绣的基础上，又发展成双面异色样绣，为刺绣工艺开辟了新的途径。一般的刺绣日用品如被面、枕套、靠垫、鞋面之类，中国民间很多妇女都能绣出，比较普及。

　　1958年，在中国长沙楚墓中出土了龙凤图案的刺绣品，这是二千多年前中国古代战国时期的刺绣品，是现在已经发现的中国最早的刺绣实物之一。

　中国古代的刺绣，很长一段时间内在国际艺术品市场上不走销，价格平平。直至1993年起在香港、新加坡等地，才开始有人专门收集。据市场分析家推论，要使刺绣品成为国际市场上的新宠儿，还需收藏家们10年时间的努力。近两年国内的一些艺术品拍卖会上，刺绣拍品，价格竞现高攀，非常吸引买家竞争。 
 
    刺绣作为一个地域广泛的手工艺品，各个国家、各个民族通过长期的积累和发展，都有其自身的特长和优势。在我国除了苏绣、湘绣、粤绣和蜀绣这”四大名绣”外，还有京绣、鲁绣、汴绣、瓯绣、杭绣、汉绣、闽绣等地方名绣，我国的少数民族如维吾尔、彝、傣、布依、哈萨克、瑶、苗、土家、景颇、侗、白、壮、蒙古、藏等也都有自己特色的民族刺绣。

    四大名绣形成于十九世纪中叶，它的产生除了本身的艺术特点外，另一个重要原因就是绣品商业化的结果。由于市场需求和刺绣产地的不同，刺绣工艺品作为一种商品开始形成了各自的地方特色，其中苏、蜀、粤、湘四个地方的产品销路尤广，故有”四大名绣”之称。

    苏绣，以苏州为中心包括江苏地区刺绣品的总称，它是在顾绣的基础上发展而来的。说到这里，不得不先要说说顾绣，因为它对中国东部近、现代的剌绣影响太大太深了。顾绣原指明代上海顾家的刺绣，顾氏家族的顾名世以嘉靖三十八年（公元１５５９年）进士著称。他的孙子顾寿潜善画，从师于董其昌。顾寿潜之妻韩希孟工画花卉，擅长刺绣，在顾家众多的名手中堪称代表，连董其昌看后惊叹地:”技至此乎!”明代的商品经济已较发达，由于顾家的刺绣名扬海内外，因此到了清代时，江南一带的绣庄许多干脆挂起”顾绣”的字号，广义的“顾绣”便由此而来。苏绣正是在广泛吸取顾绣的特点和长处后，逐渐从作坊里孕育出一朵更为奇艳的鲜花。从欣赏的角度来看，苏绣作品的主要艺术特点为；山水能分远近之趣；楼阁具现深邃之体；人物能有瞻眺生动之情；花鸟能报绰约亲昵之态。苏绣的仿画绣、写真绣其逼真的艺术效果是名满天下的。在刺绣的技艺上，苏绣大多以套针为主，绣线套接不露针迹。常用三、四种不同的同类色线或邻近色相配，套绣出晕染自如的色彩效果。同时，在表现物象时善留“水路”， 即在物象的深浅变化中，空留一线，使之层次分明，花样轮廓齐整。因此人们在评价苏绣时往往以“平、齐、细、密、匀、顺、和、光”八个字概括之。

    粤绣，广东地区刺绣品的总称。相传最初创始于少数民族??黎族，先前绣工大多是广州、潮州男子，为世所罕见。主要有衣饰、挂屏、褡裢、屏心、团扇、扇套等绣品。在艺术上，粤绣构图繁密热闹，色彩富丽夺目，施针简约，绣线较粗且松，针脚长短参差，针纹重叠微凸。常以凤凰、牡丹、松鹤、猿、鹿以及鸡、鹅为题材。粤绣的另一类名品是用织金缎或钉金衬地，也就是著名的钉金绣，尤其是加衬高浮垫的金绒绣，更是金碧辉煌，气魄浑厚，多用作戏衣、舞台陈设品和寺院庙宇的陈设绣品，宜于渲染热烈欢庆的气氛。

    蜀绣，亦称“川绣”，指以成都为代表的四川刺绣。蜀绣的历史也很悠久，据晋代常璩《华阳国志》中记载，当时蜀中的刺绣已十分闻名，并把蜀绣与蜀锦并列，视为蜀地名产。蜀绣的纯观赏品相对较少，以日用品居多，取材多 数是花鸟虫鱼、 民间吉语和传统纹饰等，颇具喜庆色彩，绣制在被面、枕套、衣、鞋及画屏。清中后期，蜀绣在当地传统刺绣技法的基础上吸取了顾绣和苏绣的长处，一跃成为全国重要的商品绣之一。蜀绣用针工整、平齐光亮、丝路清晰、不加代笔，花纹边缘如同刀切一般过于齐整，色彩鲜丽。

    湘绣，以湖南长沙为中心的刺绣产品的总称。长沙城里的商人们为了满足一批因镇压太平军而发迹的新贵，开设了“顾绣庄”，不久又以湘绣之名压倒了顾绣。湘绣的特点是用丝绒线（无拈绒线）绣花，其实是将绒丝在溶液中进行处理，防止起毛，这种绣品当地称作“羊毛细绣”。湘绣也多以国画为题材，形态生动逼真，风格豪放，曾有“绣花花生香，绣鸟能听声，绣虎能奔跑，绣人能传神”的美誉。湘绣人文画的配色特点以深浅灰和黑白为主，素雅如水墨画；湘绣日用品的色彩艳丽，图案纹饰的装饰性较强。

    晚清至民国年间，是中华民族灾难深重、民不聊生的可悲可泣时代，从列强侵略到军阀割据，内忧外患，战事不断。在这种情况下，刺绣与其它民族工商业一样，遭受了前所未有的冲击，几近奄奄一息。直到一九四九年新中国成立后，刺绣与其它工商业一样，得到了迅速的恢复和发展。许多地方为了保持发扬当地的刺绣技艺特色，纷纷成立了相应的研究机构，拨出专门的经费扶持推动刺绣技艺的整理和研究。特别是对流失于民间的许多刺绣绝技加以系统开发和利用，使剌绣的针法内容大为丰富，绣品更为美丽，品类也更为繁多。特别是在“双面绣”的基础上，又发展创研出“双面全异绣”，即在同一面料上正反两面能绣出画面、针法、色彩完全不同的绣品，使世人连声惊叹：“堪称世界绝技”。

中国刺绣历史

    中国的刺绣究竟源于那个朝代？由于刺绣作品不易保存，因此极难说清这个问题。我们现在所能见到的最早的刺绣恐怕要算殷商和西周的了，从那个时期的出土文物来看，粘附在泥土上的丝织物的纹路和刺绣的花纹依稀可见。特别是在１９８２年从湖北江陵马山一号楚墓中，出土了绣衾（被）和禅（单）衣，上面绣着龙、凤、虎和花卉等，形神兼备，绮丽多变。证明刺绣在中国经过较长时间的发展，已经形成了较高的工艺水平和独特的工艺门类。
    人们一定会想，为什么会出现刺绣呢？其实，最主要的因素是由两个方面决定的：
    第一、说到刺绣不能不说丝织，可以这么说，是丝织的产生和完美造就了剌绣的诞生。春秋战国时期，农业比之以前更发达，男耕女织成了这一时期的重要经济特征，几乎家家种植桑麻，从事纺织。由于当时的养蚕方法已经十分讲究，因此所缫出的蚕丝质量很高。其纤维之细之均，可与近代相媲美。发展到西汉时，从１９７２年湖南长沙马王堆西汉墓出土的织锦来看，每根纱由４－５根丝线组成，而每根丝线又有１４－１５根丝纤维组成，也就是说每根纱竟由５４根丝纤维捻成。如此高的丝纺水平，同时也推动着染、绣的发展，使它的成品更加美观和更富表现力。
    第二、社会等级制度的强化和人类审美感的提高、商品制的形成也是一个重要因素。早在原始社会向奴隶社会过渡期间，华夏民族的部族联盟首领在举行重大庆典、祭祀等礼仪活动时，必须穿着绘绣有日、月、星辰、山、龙、华虫（雉鸡）图纹的上衣和有宗彝、水藻、火、米粉、黼、黻图形的下裳（裙）礼服，后世称为“十二章服”并形成定制。进入春秋战国时期，刺绣工艺渐趋成熟，这可从近百年来的大量出土文物中得到印证。这一时期的刺绣有经过夸张变形的龙、凤、虎等动物图案，有的则间以花草或几何图形，虎跃龙蟠，龙飞凤舞，刻画精妙，神情兼备；布局结构错落有致，穿插得体，用色丰富，对比和谐，画面极富韵律感。
    进入秦汉时期后，刺绣工艺已相当发达。特别值得一提的是东汉王充在《论衡?程材篇》中所描述的：“齐郡世刺绣，恒女无不能；襄邑俗织锦，钝妇无不巧。日见之，日为之，手狎也”。齐郡临淄（今山东临淄）为汉王室设官服三所，织工数千人，每年耗资万万。在前汉武昭之世，不但帝王之家是“木土衣绮绣，狗马被缋（毛织品）”，就连一般的富人也服用“五色绣衣，缛绣罗纨、素绨冰锦”，而且坐卧的席子也要“绣茵”，床上帐幔也是“黼绣帷幄”、“锦绨高张”，甚至死后殉葬的口袋也是“缯囊缇橐”。民间如此，朝庭贵族更不待言，他们的宫室以丝织藻绣装饰，以至“屋不呈材、墙不露形”，甚至“柱槛衣以绨锦”，其奢侈程度可见一般。汉代剌绣的空前繁荣，使刺绣的艺术处理又前进了一大步，在马王堆一号汉墓里的竹简“遗册”中记载着三种刺绣名称：“信期绣、乘云绣、长寿绣”。
    到了汉末、六朝时期，中国便开始进入“像教弥增”（佛教因造像众多，故也称之为“像教”）的时代，因而兴盛了绣制佛像之风。１９６５年在敦煌莫高窟发现了北魏的一佛两菩萨说法图刺绣残片一件，用几种彩色丝线绣出佛像、菩萨、供养人和相应的文字，供养人的长衫上绣有忍冬纹和卷草纹，示意着以佛教为代表的外来文化与本土文化的相互交融贯通，并在刺绣中得到反映。说到这一时期的刺绣，不得不说说三国时期吴王赵夫人的“三绝”??机绝、针绝、丝绝。据张彦远的《历代名画记》中记载：“吴王赵夫人，丞相赵达之妹。善书画，巧妙无双，能于指间以彩丝织为龙凤之锦，宫中号为“机绝”。孙权尝叹，蜀魏未平，思得善画者图山川地形，夫人乃进所写江湖九州山岳之势。夫人又于方帛之上，绣作五岳列国地形，时人号为“针绝”。又以胶续丝发作轻幔，号为“丝绝”（见壬子年《拾遗记》）。汉末、六朝剌绣的另一个显著特点是开始出现了人物形象，为今后的人物绣品开了先河，具有十分重要的艺术意义。
    唐宋时期的刺绣已向着精致化的方向发展。这主要由它的社会环境所决定的，在男耕女织的封建社会里，女孩子都要学习”女红”，都要掌握刺绣，正因如此，那些深宅大院的小姐们，刺绣便成了她们消遣、养性和从事精神创造活动的唯一活动。”闺绣”的产生并不是偶然的，明代屠隆在《考磐余事》中写道:”宋之闺绣画，山水人物楼台花鸟，针线细密，不露边缝，其用绒止一、二丝，用针如发细者为之，故眉目毕具，绒彩夺目，而丰神宛然，设色开染，较画更佳。女红之巧，十指春风，迥不可及”。由于参加刺绣对象的进一步扩大、作者的文化修养和物质条件不同，加上文人们开始参与，剌绣到了唐、宋期间获得了长足的发展，某种程度上可以这么说，它由日用与观赏两者兼容并蓄，发展到日用与观赏分而治之，特别在观赏方面成就最大，由于文人们的积极参与，使书法和绘画艺术结合得更为紧密，形成了画师供稿、艺人绣制，画绣结合精品倍增的新趋势。
    明、清时期，全国城乡出现了众多的商品性生产的专业作坊。尤其是明代，官府手工业的衰落，却促进了民间手工业的发展，从缺乏竞争力的官府院落手工艺品，到商业性作坊的专业化生产，加上唐宋期间文人艺人结合刺绣工艺品的巨大影响，刺绣技术和生产获得了全所未有的活力，达到了空前的繁荣，进入了中国传统刺绣的颠峰时期。出现了对后世影响非常之大的几个艺术流派，如上海的顾绣、北京的京绣、开封的汴绣、山东的鲁绣等，以及后人誉为的”四大名绣”即苏绣、粤绣、湘绣和蜀绣。
    从唐宋到明清，刺绣工艺的发展很具代表性，无论是色彩的搭配运用上，还是针法的多样性和组合运用上，都达到了空前的水平。文人画师的加入，对仿画的刺绣技艺提出了更高的要求，由于竭力追求与书画原作惟妙惟肖的效果，从而极大地推进了针法的发展与创新。如对色线的处理上出现了把丝线劈成更细的丝缕，使线条的表现更为柔弱和逼真;如在针法上出现了乱针、钉线、圈金、掺针、滚针、接针绣等大量新型的针法，把被绣对象的纹理和结构提练为一种专门的普适性技艺和针法;甚至采用补笔加绘等技法，使画面的主次结构和轻重表现更加符合人们的审美习惯。

 

    泥塑俗称“彩塑”。中国民间传统的一种雕塑工艺品。制作方法是在粘土里掺入少许棉花纤维，捣匀后，捏制成各种人物的泥坯，经阴干，秃上底粉，再施彩绘。
    泥塑的产生可追溯到距今2000多年前的春秋战国时代，《战国策》中苏泰阻益尝君入秦故事有传泥作上偶的记载。做源人殉葬，做佛像膜拜，做“耍货”玩赏的民间风俗，是中国泥塑艺术得以发展的主要原因。至唐宋时代，泥塑艺术发展到盛期，著名泥塑有甘肃敦煌莫高窟的菩萨，山西太原晋调的宫女等。至清代，泥塑形成南北两著名流派：北方有天津“泥人张”，南方有无锡惠山泥人。“泥人张”指天津泥人张长林，是捏塑世家，作品以写实为特色，人物造型，音容笑貌，色彩装饰，无不强调一个“像”字。其子张兆荣、孙张景桔继承祖业，为中国彩塑艺术作出贡献。惠山泥人又可分两类：一类“泥要货”供儿童玩耍、“大阿福”是最典型的作品。其造型丰满活泼、浑厚简练，色彩明朗热烈，富有浓厚的乡土气息。另一类为“手捏戏文”，主要塑造戏曲人物。这类泥人很注意种态刻画，造型适当夸张，表现技法精练，色彩纯朴、深厚，实有江南地方特色。现代著名艺人有胡新明、王忠富、于庆成等人。此外，陕西凤翔、河北白沟河、苏州虎丘等地亦为著名的民间泥塑重要产区。 

泥塑的制作工艺         

　　泥塑的基本用料――泥土需精心准备，一般选用带些粘性又细腻的土，经过捶打、摔、揉，有时还要在泥土里加些棉絮、纸或蜂蜜。
　　泥塑的模制一般分为四步：制子儿、翻模、脱胎、着色。制子儿就是制出原型，找一块和好的泥，运用雕、塑、捏等手法，塑造好一个形象，经过修改、磨光、晾干后即可，有些地方还要用火烧一下，加强强度。翻模就是把泥土压在原形上印成模子，常见有单片模和双片模，也有多片模。脱胎就是用模子印压泥人坯胎，通常是先把和好的泥擀成片状，然后压进模子，再把两片压好泥的模子合拢压紧，再安一个“底”，即在泥人下部粘上一片泥，使泥人中空外严，在胎体上留一个孔，使胎体内外空气流通，以免胎内空气压力变化破坏泥胎。最后一道工序是着色，素有“三分塑，七分彩”之说。一般着色之前先上一层底色，以保持表面光洁，便于吸收彩绘颜色，彩绘的颜料多用品色，调以水胶，以加强颜色附着力。

泥塑发源地－－风翔

     凤翔彩塑历史悠久，传说明代朱元璋的军队驻扎此地，士兵大部分是江西老表，后落户为农。他们都会制陶手艺，在农闲时做些玩具和礼品，久而久之不断加工完善，发展成为今天的彩绘泥塑。

凤翔彩绘泥塑，造型优美，生动逼真。具有浓厚的乡土生活气息。泥塑内容有人物、动物，也有植物，大都是空心的圆塑作，也有浮雕式的挂片。其制作方法简便易行，将粘土和纸浆搅拌成塑泥，先制好模子，翻成胎坯凉干，上白色底粉，随后涂彩、绘画和上光。

　　凤翔泥塑的色彩别具一格，非常鲜艳，对比强烈。它用色不多，以大红、大绿和黄色为主。以黑墨勾线和简练的笔法涂染，给人以明快醒目的感觉。在孩子过生日、年轻人结婚时，是最好的礼物。

　　凤翔彩塑历史悠久，传说明代朱元璋的军队驻扎此地，士兵大部分是江西老表，后落户为农。他们都会制陶手艺，在农闲时做些玩具和礼品，久而久之不断加工完善，发展成为今天的彩绘泥塑。

　　凤翔彩塑的主要产地至今仍在以军队单位名命的六营村，庄户人家农闲时作塑，采上睡泥，捏型制模，翻坯罩粉，开纹点彩，花样繁多的彩色泥塑便制成了。彩塑分挂件、摆件、手玩三类。取材立意极为广泛，戏剧脸谱、吉祥图案、民间传说、历史故事、乡俗生活等无所不有。黑牛、卧虎、坐狮、虎头为拳头产品，造型洗炼夸张，神情生动，别具一格。

　　近年来，随着改革开放、旅游事业的发展，这朵古老的民间艺术之花大放光采。成为陕西重要的旅游纪念品之一。1998年6月访华的原美国总统克林顿夫妇也来观看了这“绝活儿”；世界儿童组织负责人得到彩绘泥塑，如获至宝，称赞泥塑是为孩子们制作的最好礼物。来陕的旅游客人总要带几件回家作以纪念。

　　陕西凤祥彩绘泥塑，始于先秦西周时期，流传民间三千年之久，是至今我国保留最古老、最具民族特色的泥塑类手工制品。经考证专家们认为，其彩绘纹饰与西周时期的青铜器纹饰有所不同。以花鸟鱼虫、祥鸟瑞兽为主的意象造型是中国古代图腾崇拜、生殖崇拜、神灵崇拜的遗存，反映出图腾时代的文化特点。它以创作毛稿制模、翻胚，粘合成型，经精抛、彩绘、出线、装色、上光等数十道工序精制而成。并以其形态逼真、粗犷夸张。简练概括、威武可爱的造型，大红大绿的色彩、酣畅淋漓的线条、浪漫神奇的纹饰而称道，深受国内外人士的高度评价和喜爱，是馈赠亲友的艺术珍品及陕西特色的旅游纪念品，是镇宅避邪、保家太平、增福送喜的吉祥物。

凤翔彩绘泥塑

    凤翔，古称雍。周王兴起之地，关中西府文化名城。凤翔彩绘泥塑已有600 多年历史。相传明太祖朱元璋部属第六营曾屯兵于雍水河畔，在北扫元廷残部后，刀枪入库，马放南山，军队散居下来，其中江西士兵会做陶瓷，但又无制陶设备，便用当地一种粘性很强的观音土和泥制膜彩绘。后人根据地域特色和民风习俗，从造型设色，线描继承下来，代代相传，作品洗练概括、生动夸张，色彩对比鲜明，形态妩媚可观，洋溢着浓郁的民族特色和生活气息，具有古汉陶、石雕之简、艳、神、美的艺术特点，祈福、纳祥、招财、避邪各具特色，从而获得中国民间艺术一绝之美誉，被联合国世界儿童组织称其为给孩子们礼物中最好的一种。代表作泥塑马已作为二○○二年中国生肖邮票图案而被世人所瞩目。　　

     凤翔彩绘泥塑，造型优美，生动逼真，具有浓厚的乡土生活气息。泥塑内容有人物、动物，也有植物，大都是空心的圆塑体，也有浮雕式的挂片。其制作方法简便易行，将黏土和纸浆搅拌成塑泥，先制好模子，翻成胚胎晾干，随后涂彩、绘画和上光。各种色块和纹样有着特定的寓意。绿色，意万年长寿；红色，意四季红火；石榴，意多福多子；艾草，意去毒辟邪；海棠， 意富贵；蝴蝶，意多福；牡丹，意吉祥高照；贯钱，意万贯利钱。这些有 “讲究”的符号，在求生、趋利和避害观念的统摄下，串联组合成一件完整的艺术作品。此外，素白色的作品则主要受中国书法绘画的影响，有大俗大雅的意味，别具一格。

玉田泥塑

  　唐山市玉田县生产泥玩具自古有之，和天津泥人张的泥人不同，玉田泥人体现了更浓郁的乡土气息。这些半塑半画以画为主的小体泥彩塑，造型单纯简练，以白色作底，敷以红、黄、绿、黑各色，色彩强烈而协调，在我国民间泥塑领域以风格独特而占有一席之地。

　唐山玉田县的西高桥、戴家屯一带，是远近驰名的泥人之乡。这里的男女老少质朴、勤奋，多是聪慧的民间泥塑能手。一堆平常的泥土，一到他们手里就会变成造型生动、形象逼真、色彩鲜艳、栩栩如生的人、禽、虫、兽。玉田泥塑以泥玩具为主，以苇哨作响，以皮筋牵动使动物能跑能跳，以兔皮作鼓，摇起来有声，情趣盎然。其传统品种有《孙悟空》、《花老虎》、《秦琼》、《麒麟送子》等等，造型单纯奇妙，稚拙有趣，色彩鲜艳醒目，对比强烈协调。除此之外，另一类玉田泥塑是案几陈设品，多为神话故事、历史演义、戏曲故事中的人物造型，如《麻姑献寿》、《八仙》、《贵妃醉酒》等。还有一类是不倒翁，俗称“搬不倒”，下用半圆泥团，上用纸浆石膏胎造型，上轻下重，摇而不倒，憨态可鞠，惹人喜爱。

　泥塑由于不能耐久，尚未发现很久以前的出土泥塑，但它的历史相当久远。建国后玉田泥人迎来了最为繁荣兴旺的时期，各种泥制品种类齐全、花样繁多、五彩缤纷。1996年，文化部命名玉田为“中国民间艺术之乡”。

高密泥塑

 　高密泥塑已有400多年的历史.在明朝隆庆,万历年间,这里的农民就自己设计用泥做成一种叫“锅子花”(也称泥墩子)的焰火出售.后来又把装火药的泥坯塑成娃娃型,焰火放过以后,再当玩具或装饰品摆设.最后这各泥塑的品种逐渐增多,有“老虎”“狮子”“猴子”“小狗”“小猫”“鸡”“鸭”等动物,也有“白蛇传”“孙悟空”“牛郎织女”等传奇故事,并且涂以各种颜色,使其生动活泼.从此,泥塑不再是焰火的附属品,而民展成为一种独立的手工艺术品了.到清朝乾隆年间,聂家 庄泥塑又借鉴了杨家埠年画的艺术特点,在表现手法上和着色上有所创新,且逐步增加了音效和局部动作,吏声音,色泽.动作融为一体.每逢山集,庙会都有卖泥玩具的.民间流传着“孩子哭.找他妈,他妈买个泥娃娃,逗得孩子乐哈哈”的民谣.可见当时泥玩具深受孩子们的欢迎,现在它已经作为一种民间艺术保留下来,并多次在国内外展出。

一、灯笼的由来

    灯笼与中国人生活息息相连，庙宇中、客厅里，处处都有灯笼。
    仔细推算，中国有灯是秦汉以后的事，有纸灯笼又可能是在东汉纸发明之后。

    中国的灯笼，不仅是用以照明，它往往也是一种象征，吴敦厚说，他以前做新娘灯（即宫灯）就代表婚礼喜庆；竹篾灯则告示这是丧葬场合；伞灯（字姓灯），因「灯」与「丁」语音相同，意味着人丁兴旺。所以，过去每家都有字姓灯，悬挂在屋檐下和客厅中。今天迎神赛会上，神明的阵头前仍有两盏大灯笼，就是这种习俗的延续。

    不过，灯笼最让人遐思、期盼恐怕还是元宵节的花灯了。

    元宵观灯的习俗起源于汉朝初年，唐开元年间，为了庆祝国泰民安，乃扎结花灯，借着闪烁不定的灯光，象征「彩龙兆祥，民阜国强」，花灯风气至此广为流行。明朱元璋建都南京时，更于秦淮河上燃放水灯万支；永乐朝在午门大立?山灯柱，又在华门外设「灯市」，使得北平尚有「灯市口」街道。

    民国后，花灯之举虽仍在，但平淡了许多，幸亏如今因着中国热，灯笼又逐渐在居家装饰上扮演着重要的角色，但是灯笼的材料，有的由纸、竹子，变成布、塑料、铁线，而且灯笼的形状和颜色与传统也大不相同。“传统中寺庙是以黄色为主，个人则以白底为主，如今全乱了，灯笼的大小、颜色全以个人喜好变化，无所谓一定的象征意义啦”。

二、灯笼的意义

   除了照明以外，灯笼还有其它意义。每年正月私塾（古代的学校）开学时，家长会为子女准备一盏灯笼，由老师点亮，象征学生的前途一片光明，称为「开灯」。后来就由此演变成元宵节提灯笼的习俗。由于字音和「添丁」相近，所以灯笼也用来祈求生子。到了日据时代，爱国志士们在灯笼上绘制民间故事，教导子孙认识自己的文化，所以又具有薪火相传的意义。

三、灯笼的做法

    灯笼依其形状，目前分为泉州式和福州式两种。其中以泉州式为中国灯笼的代表。 
    １．泉州式灯笼
　　　　　　　
    一般编织反州式灯庞都以质地坚韧，有弹性的桂竹及麻篱二种为主要材料。

    制作过程为：

    (一) 将竹子放在蒸气室内加热的半小时，然后取出，置阴凉处晾干，但不得过份干燥，也不能放在强光下曝晒。
    (二) 用竹刨刨去牛面粗糙的表皮。
    (三) 裁取竹条所需的长度；这种得依灯笼大小而定。　　　　　　　　
    (四) 编织方法以交叉方式完成灯架。
    (五) 灯架中间，扎数圈竹圈于灯壁上亦可。　　　　　　　　
    (六) 糊（裱）灯笼，先裱糊棉纱布，再黏贴二层做灯笼用的单光纸。（如没有单光纸，细棉纸亦可。）裱糊棉纱布得先将稀释的浆糊，均匀的平刷在骨架表面，再将剪好的纱布轻附在灯架上，再用刷子沾浆糊刷平，这里需要注意，刷平浆糊的刷子必须是干净的刷子方可，否则，灯面将是一片脏乱。同时，裱糊的纸也必须糊的没有接缝才算真正的裱糊完成。
    (七) 将灯笼放在阴凉通风处晾干。
    (八) 彩绘。彩绘以个人所需图案彩绘，如人物、八仙、花鸟、仕女等。
    (九) 彩绘后，依情况来决定是否书写文字。等文字、图案完全干后，再上一层桐油，然后待桐油阴干，灯笼就大功告成。

    ２．福州式灯笼－又称为伞灯

    桂竹：是台湾种植最普遍的一种竹子。质感坚硬有弹性，适合作钓竿、扫帚等器具。

    竹篾：将桂竹劈成竹条，称为「竹篾」。在竹篾上下两端打洞，并用铁丝穿起来。

    竹头：在桂竹的竹节上，刻出凹槽，用粗铁丝固定，成为竹灯笼的头部和底部。

　　作法：

    1.将穿好铁丝的竹篾，安装在竹头台座上。
    2.一根竹篾安装在一格凹槽上，最后再用铁丝绑竹头，成为竹架。
    3.顶住地面，将竹架慢慢往下撑开，直到变成筒型为止。
    4.用手压折竹篾，调整灯笼的形状、弯度和竹篾间的距离。
    5.在灯笼上端绑上棉线，以固定竹篾。
    6.在竹篾上铺白色纱布，用浆糊固定。
    7.等纱布干了，再涂上洋菜胶。
    8.阴干后，筒型伞灯就成型了。
    9.接着描图、上彩。一般而言，字是朱红色，图则是八仙过海、福禄寿三星等吉祥画。
    10.最后在竹头上安装底座，修饰一下，就完成了。

    筒形灯

    字姓灯：灯的一面是姓氏，另一面是祖先曾经担任过的官名。如姓「谢」是太子少保，姓「郑」是延平邵王等。
    吉祥灯：灯的一面是姓氏或神的名字，另一面是八仙(吕洞宾、何仙姑等)、福禄寿三星等吉祥图案。
    一般型：和字型灯、吉祥灯一样，一面是姓氏、神的名字或吉祥话，另一面是吉祥图案。
    官灯：灯上所绘的字和图，与一般灯相同，不过底是黑色，字是金色。到皇帝御赐，才能悬挂这种灯笼。

一、剪纸简介

    剪纸是中国最普及的民间传统装饰艺术之一。大约因其材料易得、成本低廉、效果立见、适应面广而普遍受欢迎；更因它最适合农村妇女闲暇制作，既可作实用物，又可美化生活。全国各地都能见到剪纸，甚至形成了不同地方风格流派。剪纸不仅表现了群众的审美爱好，并含蕴着民族的社会深层心理，也是中国最具特色的民艺之一，其造型特点尤其值得研究。

    现在已发现的最早剪纸实物是南北朝墓葬中的动物花卉团花，学者们则认为可推溯到汉唐妇女使用金银箔剪成方胜贴在鬓角为饰的风俗，而虽已找到蔡伦以前的东汉纸张实物，严格意义上的剪纸恐不会早于汉朝。早期的剪纸大约跟道家祀神招魂祭灵有关，例如杜甫诗中就有“暖汤濯我足，剪纸招我魂”的明确记载。今日苗族仍有年节剪鬼神之形贴于牛栏或门上的巫术习俗。

    在过去，人们经常用纸做成形态各异的物像和人像，与死者一起下葬或葬礼上燃烧，这一习俗在中国境外有时仍可见到。剪纸艺术一般都有象征意义，此外剪纸还被用作祭祀祖先和神仙所用供品的装饰物。现在，剪纸更多地是用于装饰。剪纸可用于点缀墙壁、门窗、房柱、镜子、灯和灯笼等，也可为礼品作点缀之用，甚至剪纸本身也可作为礼物赠送他人。人们以前还常把剪纸作绣花和喷漆艺术的模型。
熟练的民间艺人只打腹稿就直接用剪刀把纸剪成图形，专业艺人则有用刻刀在蜡板上制作者，称“刻纸”。经起稿、剪刻、粘贴、揭离、修整而成，可以一次刻透多层纸，而提高产量。

    剪纸因材料单薄，多用满幅铺排匀称而物像互相串连的平面构图法，形象多富装饰性，避免大块黑白，用精致花纹点缀装饰主体人物。聪明的艺人在表现“猫捕鼠”时竟创造出“鼠在透明猫腹”的奇特效果，天真烂漫的风格十分耐人寻味。平面重叠铺陈的手法不仅造成浓烈的民族风味，并且扩大了画面的容量、提高了剪纸的表现力。绝大多数剪纸都并不追求严格写实，而是群众心目中的意象的表现，例如陕西剪纸的牛，把牛身上的漩毛做极度夸张而成为牛身上的装饰花纹，既增添了视觉的动感变化，又加强了形式美感。

二、剪纸基本特性

　民间剪纸之所以能够历经中国漫长的历史演进，而不失其纯净和清新的特质，与中国农村稳固的社会结构和文化结构有着密切的关系。它自身存在过程中所具有的互为矛盾，又互为统一的不同特性，决定了其对于不断变革侧自然选择方式，从而与宫廷艺术、文人艺术拉开了间距。

1． 依附性与独立性的统一

　民间剪纸是附合民间习俗的必不可少一种艺术活动。它的存在，就必定依附于民间特定的文化背景与生活环境。家中有白事，窗户上不能贴得红红火火；娃娃不生病，老奶奶也不肯剪一串吊魂的小人人；用于摆衬礼品的，要看是办喜事、丧事还是做寿；一对老夫老妻的屋里如果贴上一对坐帐喜花，那肯定是年轻人的戏耍；久旱无雨，如果剪的不是求雨的“独女捣棒槌”，而是求晴的“扫天婆”，那不知要遭多少人的咒骂。这种受存在目的作用制约的依附性特征，表现在具体作品的构图处理上，也就是作品的装饰性特征。如悬空吊挂的门笺、碗架云子之类，必须线线相连；贴在窗户上的则要求与窗格适合，并多镂空，否则迎光看去只是一个大纸片片；贴作炕围的，就最好少剪零碎花纹，否则时间长了很容易损坏。

　诸多的限制，也形成了艺术上的独特语言。民间剪纸在完成一定的民俗作用之外，又极力显示着自身存在过程中的独立性—-即美的特性。一张剪纸，不论它用于何种场合，作者在创作的过程中必然贯注自己的审美感情。只要人们以美的标准肯定了它，它也就有了存在中的审美价值。当然民间剪纸这种艺术形式的独立性，对于民俗的限定不是抛离，而是充分驾驭民俗形式的随心所欲。因而。其存在价值也超越了陪衬民俗的行为目的。

    这种艺术上的独立性，正随着社会变革和旧民俗的逐渐消失而渐趋明显。

2．集体性与个性的统一

　从绝对意义上讲，任何艺术创造都不能简单地认为是纯属个人的产物。人的社会属性，使之必然地反映着一定阶层的艺术趣味。而个性，只是在集体，或传统基础上的发挥。

　民间剪纸的集体性特征，明显表现在其作品的最后归属上。作品不再是作者个人的私有，而属于整个社会和集体。因而它的最终面貌，必定是直接集中了群众的智慧，融汇千百人艺术才能和审美喜好的产物。特别是一些已流传千古状态凝固的作品，是经过许多代人的反复雕琢和修改才基本定型，而被普遍承认、流传和保存。如《车马图》、《织布图》，其作品原型如何，已无法细究。在各地均有流传的类似作品，其面貌大相径庭，就很难说哪一件作品完全是某一位作者自己的创造。那么，形成集体性的一个重要成因，则应该是民间剪纸的匿名现象。民间艺术与专业艺术家的创作不同，作品既不标明作者的名字，也没有个人的著作权。好的作品流传于世间，一经传播便成大批临摹、变体作品的滥觞，作者就被融入“劳动者”这一群体概念之中了。

　诚然，这种劳动者无个人功利的艺术的确建立在民间文化牢固的集体意识上，但是凭这一点并不足以作为对民间剪纸艺术家艺术个性的否定。正如专业艺术家争取艺术的自我表现，却终将不会失去自我在社会和历史上的位置一样，民间剪纸在表现民族集体心理意识的同时，也当然不会没有艺术中的自我。如果说文人艺术家个性的体现是“小我刻意追求“大我”中的位置，那么，民间剪纸艺术家个性的体现，则是置身“大我”之中小我”的自然流露。且不谈东西南北地域的艺术风格和特性，即使同一地区不同作者的作品，也分明有着自己明显的个性。若怀着鄙视心理地走马观花，自然难以看透。

　以陕北的巧手张林召和王兰畔为例，二人相距不过百里，年龄相近，风俗习惯基本一致。张林召幼年家中富庶，喜看戏听书，受过封建中产阶层礼教的训育。但一生多磨难，三次丧夫，四次嫁人，生过13个孩子全部夭折。因之，外部性格忧郁、孤僻、不善言谈，对人生多唯心思想。其创作是为了“能忘掉乱七八糟的事”，而很少受别人的干扰。可见内心的焦辣苦疼与其含而不露性格的矛盾。创作过程中急於通过情感的泄流，取得心理平衡。王兰畔，她觉得“人活着就要忙忙活活，这样才快活。”对人生和世界没有过高的奢望，而重视自身对社会的贡献，属于“知足者长乐”的类型。她的老伴李新安是把苹果引进陕北高原的有功之臣，但她从没想到应该得到什么报答。因之，其性格开朗活泼，直爽豁达，自信要强，任性好动，又往往不拘小节，丢三拉四。她剪花是因为“人家都让我剪，就是说我剪得好，是抬举我。干别的没大本事，就能铰个花花，铰起花来心里就美美的。”可见其内心世界有着强调自我价值的倾向。她们的作品中，都有着个人形象和心灵明晰的影子，可谓“画如其人”。这种个性的存在，既符合本地区文化传统的集体性特征，又毫不掩饰作者的精神世界，与文人艺术、宫廷艺术个性表达中的吞吞吐吐、无病呻吟形成了鲜明的对照。

　长期以来，民间剪纸一直被认为是重复性的劳动或传统纹样的复制，忽视了劳动者艺术家的个性创造，这是历史的不公。

3． 变异性与稳定性的统一

　毕竟不是每个用纸剪刻的劳动妇女都能获得艺术上的成熟。一个村，一条山沟，出那么一个或几个被社会公认的巧人，她们的作品就自然会四处流传。其传播方式一种是烟熏替样的方法，一种是靠记忆模拟的方法。流传中，常常是张家的媳妇用李家老婆的样子，王家的女儿又把花样传到姓刘的婆家，人们都有权力按照自己的理想和审美爱好对原稿随意改动。作品的最初形态必然会发生不可避免的变化。这种传承中的变异现象，也不断地调节着民间剪纸与其流传的时代、民族、地区、习俗之间的差异。

　同时，由于民间剪纸所担负的民俗形式的滋延传承，及基本纹样程式化手法的相对固定，传承方式的世代相袭，又使其具有外在形式相对稳定的特性。有些作品相当于戏曲中的保留剧目，哪个地方漏了一句台词，少了一个动作都会引起观众的哗然，是不能随便改动的。民间剪纸也往往有这种情况：一件好的作品，经过一个笨人之手变成一张难看的纸片片，再经过一个有经验的老婆婆之手，又使它重新恢复了光彩。

　民间剪纸传承的变异性与稳定性，与其赖以生存的中国农村传统文化结构有着密切的关联。所以，一次大的社会变革的发生，必将会导致不同地域、民族文化心理的波动和调整。从而形成新的态势，所以，挖掘和整理包括民间剪纸在内的民间美术，应是今天有民族责任感的艺术家重要的课题。

三、剪纸种类

　由于各人的观点合乎依据不同，剪纸的分类也不同。例如有人认为用刀刻出来的不叫剪纸，而应该称为刻纸；但是有人却认为追本溯源，古代的剪纸也是剪镂刀刻的，何况剪也有“绞刀”之别称，为何刀刻就不能称为剪纸呢？事实上，剪镂刀刻的痕迹确有差异，其应用的技法也有难易之分，因此，世人认为刀剪并用的作品可通称为剪纸，而纯刀刻的作品仍可称为剪纸，于是剪纸分类上就有剪纸、刻纸之分了。

　剪纸的纹样大致可以分为：人物、鸟兽、文字、器用、鳞介、花木、果菜、昆虫、山水等，还有人提出加上世界珍奇、现代器物两类，共计11类。

　又中国剪纸的特点，表现为题材的寓意，所以寓意可作为分来的依据，由此可分为：纳吉祝福、怯邪、除恶、劝勉、警戒、趣味等七类。

　有人认为剪纸的分类应以用途为据，由此可分为：

    （1）装饰类：贴于它物之上以供欣赏或增加它物之美的剪纸，如窗花

    （2）俗信类：用于祭祀、祈福、怯灾、怯邪、驱毒的剪纸，如门神

    （3）稿模类：用于版模、印染的剪纸，如绣稿

    （4）设计类：能增加它物之美，或能宣扬它物的剪纸，如电影或电视的片头

　另外也有人认为剪纸应分为三类：

    （1）凡是用单色纸剪做的窗花、彩稿（花样子），称为剪纸。

    （2）凡是用彩色纸剪做、经粘贴而成的作品，应称为剪贴。

    （3）凡是剪后再填色的作品应称为剪画。此种说法未免含混笼统、似是而非，不仅类同窗花的繁多作品未列入，而且剪画一词释义尚多，不宜据于列类，何况剪而染色的作品将如何归类，实待商榷。

　还有以用纸及制作分类的，多用于教学之用。它将剪纸分为二类七种：

    第一类：单色剪纸。就是用一种色纸来剪做的。又细分为

    （1）折剪类，即将纸折叠后剪，放开后可得一种图案或字型。

    （2）迭剪类，即将数张纸重叠在一起，钉牢后再依稿剪之，一次可得数张作品。

    第二类：复色剪纸，又称为彩色剪纸。是以数张彩纸分剪后剪拼贴成图；或以白纸依稿剪成，再染填上各种颜色；或先剪成主版，衬以白纸后再染填上各种颜色。细分可为：

    （1）衬色类，先用单色剪纸的方法剪做成图，再以彩纸为衬

    （2）套色类，以单色剪纸的方法剪成主版和次版的形象，再另剪色纸贴裱在主版需要的部位上；或将画稿所需的各色色纸，重叠在一起钉牢，再沿稿线以次剪成，择取一张为主版，贴裱在衬底上，再将其余的部分添贴在主版之上。

   （3）拼色类，即分别用色纸剪成各部分形象，再依图样贴裱在衬纸上；或见各色纸重叠在一起钉牢，再依稿剪成，吻拼于衬纸上。

    （4）染色类，即用易于浸渍的白纸或浅色纸剪成各种形象，再逐次染成所需的颜色；或先将纸染色，再剪成形象。

    （5）填色类，即先用黑色纸或深色纸剪出主版，裱贴在白纸上，再依稿填涂各种颜色；或用白纸剪成主题形象，裱贴后再填染所需颜色；也有先填色而后剪做的。

　至于兼用两类方法制作的剪纸，应择其主要的方法归其类别。

四、剪纸的保存

　由于剪纸作品是通过剪刻镂空后，由线条或块面组成的图案，牵一发将动全身，所以如何保存好剪纸是一项非常细致的工作。这里介绍几种保存方法：

　1、黑白剪纸的保存 如果作品篇幅不大，比较简单的方法是将剪纸放在书本杂志中平放保存即可。假如是需要经常翻看的剪纸作品，最好从文具商店里买一本相册来保存，以免因经常翻动而损坏剪纸作品。如果你买的是带粘胶的相册，但你又不愿意将剪纸粘死，可以用透明的玻璃纸将剪纸同粘胶分离。

　2、彩色剪纸的保存 彩色剪纸的保存主要是考虑防止褪色的问题。所以用来保存彩色剪纸的材料不宜选用吸水性强的纸张。最好是用绘图用的拷贝纸或硫酸纸，这种纸吸水性极差，因此彩色剪纸的颜色一般不会被吸取。由于它又具有较好的透明度，用来保存剪纸也比较美观。

　3、大幅剪纸的保存 对于一些篇幅比较大的剪纸作品不宜采用卷筒式，否则剪纸的一些边角容易折叠损坏，也影响美观，理想的办法是用瓦楞纸版夹住平放，这样重新打开后剪纸作品平整无缺。比较长时间的保存还需注意防虫咬。所以在存放剪纸的地方要放一些卫生球，以防虫害。另外注意经常翻动，以利通风。在潮湿地区，梅雨季节还须加强防潮措施。

一、风筝的起源

　说起风筝的起源，那是古远的年代以前的事情。由于受社会发展条件的限制，能流传到现在的历史痕迹并不多见。学术界有以下几种说法：
　第一种说法认为，风筝起源于先秦时代。此据有《韩非子?外储说左》记载“墨子为木鸢，三年而成，飞一日而败”。另据为《鸿书》记载：鲁班也曾制作过木鸢，曰：“公输班制木鸢以窥宋城”。因墨子与鲁班同是鲁国人，据此说推断风筝鼻祖“木鸢”发源于齐鲁一带。近代持此说的还有曹雪琴，在他的《南鹞北鸢考工志》中这样写道:观夫史籍所载，风鸢之由来久矣，可征者实寡，非所详也；惟墨子作木鸢，三年而飞之说，或无疑焉。盖将用之负人载物，超险阻而飞达，越川泽而空递；所以辅舆马之不能，补舟楫之不逮者也。揆其初衷，殆欲利人，非以助暴；夫子非攻，故其法卒无所传。
　第二种说法是，韩信是风筝的发明者。依据是宋人高承在《事物纪原?卷八纸鸢》中说:俗谓之风筝，古今相传，云是韩信所作。高祖之征陈郗也，信谋从中起，故作纸鸢放之，以量未央宫远近，欲以穿地隧入宫中也。盖昔传如此，理或然矣。
　第三种说法认为风筝的发明年代在南北朝时期，即羊车儿之说。支持此说的文章引用的不少，在《资治通鉴》是这样描述的:高州剌史李迁仁、天门太守樊文皎，将援兵万余人至城一。台城与援军信命已绝。有羊车儿献策，作纸鸱系以长绳，写敕于内，放以从风，冀达众军，题云：“得鸱送援军，赏银百两。”太子自出太极殿前乘西北风纵之。贼怪之，以为厌胜，射而下之。
    第四种说法是：风筝由五代时期的李邺发明的。所见文著有明代陈沂在《询刍录?风筝》中这样写道：五代李邺于宫中作纸鸢，引线乘风戏。后于鸢首，以竹为笛，使风入竹，如鸣筝，故名风筝。
　第五种说法是由柴茂智先生和刘忠先生在其合著的《风筝的制作与和放飞》一书中提出来的一种新的见解。他们认为，风筝的直系祖先不是木鸢，而是测风的鸢旗。鸢旗缘于以鸟羽测风。

二、风筝的流派

　　中国风筝已有两千多年的历史。作为一种文化，一种民间艺术，自然也有它的流派。我国地域辽阔，风筝的种类、样式繁多，千姿百态，风筝的特色与地域文化息息相关。

　1、潍坊风筝
　潍坊地处齐鲁之邦，古称潍县，是一文化名城，又是历史上著名的手工业之乡，这里所出产的泥塑、首饰、剌绣、杨家埠木版年画和风筝都是非常有名的，只要你到潍坊去一趟，就能感受到做为国际风筝都的称号是当之无愧的。悠久的文化历史，形成了潍坊风筝特有的地方色彩。潍坊风筝自宋代开始流行民间，明代更加普及。到清乾嘉年间盛行乡里。曾在潍县任七年县令的杨州八怪之一郑板桥，在他《怀潍县》一诗中就形象地描绘了清明时节潍坊一带放飞风筝的情景：“纸花如雪满天飞，娇女秋千打四围，飞彩罗裙风摆动，好将蝴蝶斗春归”。同时期的潍县人郭麟也曾写过此类诗句：“纸鸢儿子秋千女，乱草新米春燕多”。记述了当地人民在风和日丽、草木竞发的清明佳节，争相到白浪河两岸游春放风筝的热闹场面。 潍坊风筝艺人经过几代人苦心研究探索，他们把国画、杨家埠木版年画的技巧与风筝制作工艺巧妙地结合在一起，又形成了杨家埠风筝、国画风筝和象形风筝三个分支流派。在潍坊风筝中最具代表性的风筝分别为龙头蜈蚣风筝，硬翅人物类风筝等。

　2、北京风筝
　北京风筝已有三百多年的历史记载。清明时节出游放飞风筝是北京一带的民间习俗，《见闻杂志》说：“二三月高梁桥踏青，万柳堂明莺，弄箜篌。”清人潘荣陛所著《帝京岁时纪胜》也把放风筝写得活灵活现：“清明扫墓，倾城男女，纷出四郊，提酌挈盆，轮毂相望。各携纸鸢线轴，祭扫毕，即于坟前施放较胜”，“京师纸鸢，极尽工巧，有价值数金者。”
清《帝京岁时记胜》记载了当时倾城男女“各携纸鸢”，清明扫墓后施放较胜的盛况。近人沈太侔《春明采风志》载：“常行沙燕，一尺以至丈二，折竹结架，作燕飞式，纸糊，绘青蓝色，中按提线三根，大者背着风琴或太平锣鼓，以索绕●，顺风放起，昼系线条，夜系红灯，儿童仰首追逐，以泄内之积热，盖有所取意也。三尺以上，花样各别，哪咤、刘海、哈哈三圣、两人闹戏、蜈蚣、鲇鱼、蝴蝶、蜻蜓、三阳开泰、七鹊登枝之类。其最奇者，雕与鹰式，一根提线翔空中，遥睹之，逼真也。”北京风筝基本形式有硬翅、软翅、排子、长串和桶形五种。

　3、天津风筝
　天津风筝也是很有特色的风筝流派之一。天津风筝的制作技术，历史悠久，工艺精湛，清代的杨柳青年画《十美图放风筝》即可证实有串灯、盘鹰、唐僧取经、蝴蝶等十种风筝。对天津风筝制作技术做出重大贡献的，是已故风筝艺人魏元泰。他从事风筝制作70余年，先后研制了平拍类、圆形立体类和软翅风筝，还创造了折翅风筝，他的作品在1914年巴拿马世界博览会获得了金牌，为天津风筝赢得了荣誉。以“风筝魏”为代表的天津风筝，造型逼真，色彩典雅，做工精细。筝面大多用丝绸，轻而结实，骨架选用质地细密、节长、弹性大的毛竹，用料十分考究。天津风筝在继承传统制作技术的基础上，不断创新和发展，造型更加美观，彩绘更加精美，放飞晴空令人赏心悦目，又可放于室内以供观赏，是民间工艺的珍品。

　4、四川风筝
　主要流传于成都、绵竹等地，半印半画，先在纸上印好人物或动物形象的墨线轮廊，糊在骨架上，再用红、黄、蓝、绿等水画粗粗刷几笔，显得潇洒流畅。风筝以大为贵。有一种“羊尾巴”风筝，形制小且无装饰，三五个串在一起，放飞时摇摇摆摆，如羊群摆尾；还有一种T形风筝，也为别处没有。成都柏树林是过去有名的风筝市。

三、风筝与吉祥寓意

　中国的风筝已有二千多年的历史。传统的中国风筝上到处可见吉祥寓意和吉祥图案的影子。在漫长的岁月里，我们的祖先不仅创造出优美的凝聚着中华民族智慧的文字和绘画，还创造了许多反映人们对美好生活向往和追求、寓意吉祥的图案。它通过图案形象，给人以喜庆、吉祥如意和祝福之意；它融合了群众的欣赏习惯，反映人们善良健康的思想感情，渗透着我国民族传统和民间习俗，因而在民间广泛流传，为人们喜闻乐见。
　有着二千多年历史的风筝，一直融入在中国传统文化之中，受其熏陶，在传统的中国风筝中，随处可见这种吉祥寓意之处：“福寿双全”、“龙凤呈祥”、“百蝶闹春”、“鲤鱼跳龙门”、“麻姑献寿”、“百鸟朝凤”、“连年有鱼”、“四季平安”等这些风筝无一不表现着人们对美好生活的向往和憧憬。　　吉祥图案运用人物、走兽、花鸟、器物等形象和一些吉祥文字，以民间谚语、吉语及神话故事为题材，通过借喻、比拟、双关、象征及谐音等表现手法，构成“一句吉语一图案”的美术形式，赋予求吉呈祥、消灾免难之意，寄托人们对幸福、长寿、喜庆等愿望。它因物喻义、物吉图案，将情景物融为一体，因而主题鲜明突出，构思巧妙，趣味盎然，富有独特的格调和浓烈的民族色彩。例如一对凤鸟迎着太阳比翼飞翔的图案，称为“双凤朝阳”，它以丰富的寓意、变化多姿的图案，体现了人们健康向上的进取精神和对美好幸福的追求。

    中国吉祥图案内容丰富，大体有“求福”、“长寿”、“喜庆”、“吉祥”等类型，其中以求福类图案为多。

　求福:　
　人们对幸福有共同的追求心理。蝙蝠因与“遍福”、“遍富”谐音，尽管它形象欠美，但经过充分美化，把它作为象征“福”的吉祥图案。以蝙蝠为图案的风筝比比皆是，如在传统的北京沙燕风筝中，以“福燕”为代表，在整个硬膀上，可以画满经过美化的蝙蝠。其它的取其寓意的风筝有：“福中有福”、“福在眼前”、“五福献寿”、“五福捧寿”、“福寿双全”、“五福齐天”、“五福献寿”等，周代《洪范》篇载“五福”：一曰寿，二曰富，三曰康宁，四曰攸好德，五曰考终命。“攸好德”谓所好者德，“考终命”谓善终，不横夭。按五福寓意，福已包含富和寿。其他的求福吉祥图案还有“鱼”和“如意”（如意原是竹木制的搔杖，专搔手够不到的地方，因能尽如人意而得名）。与此有关的吉祥图案与风筝有：“连年有鱼”，“喜庆有余”，“鲤鱼跳龙门”，“百事如意”，“必定如意”，“平安如意”等。　　

　长寿:　
　古往今来人们都希望健康长寿。寄寓和祝颂长寿的图案很多：有万古长青的松柏，有据说能享几千年寿命的仙鹤及色彩缤纷的绶带鸟，有据传食之可以长命百岁的“仙草”灵芝和能够使人长生不老的西王母仙桃等。追求和表达长寿的“寿”字有三百多种字形，变化极为丰富。源于佛教的“万”字纹样，寓“多至上万”之意。在沙燕风筝中，腰部的图案就多为回转“万”字纹样。与此有关的吉祥图案与风筝有：“祥云鹤寿”，“八仙贺寿”等。

　喜庆:
　表达人们美好、愉快、幸福的心情。喜字有不少字形，“喜喜”是人们常见的喜庆图案。喜鹊是喜事的“征兆”，风筝中有“喜”字风筝，“喜喜”风筝碰等，与此有关的风筝和吉祥图案有：“喜上眉梢”，“双喜登眉”，“喜庆有余”，“福禄寿喜”，“双喜福祥”。喜庆图案颇具情趣的还有百蝶、百鸟、百花、百吉、百寿、百福、百喜等图案，如“百鸟朝凤”。寓间美满婚姻、夫妇和谐有鸳鸯图案风筝等。

　吉祥:
　龙、凤、麒麟是人们想象中的瑞禽仁兽。龟在古代是长寿的象征，后来以龟背纹代替。特别需要强调的是关于龙的话题，中国是个尚龙的国家，在我们国家里龙是有着特别的意味，龙有着鹿的角，牛的头，蟒的身，鱼的鳞，鹰的爪的神奇生物，被视为中华古老文明的象征。以瑞禽仁兽及其它物象构成的传统吉祥图案有：“龙凤呈祥”，“二龙戏珠”，“彩凤双飞”，“百鸟朝凤”等。中国传统风筝－龙头蜈蚣长串风筝，尤其是大型龙类风筝，以其放飞场面壮观，气势磅礴而受人喜爱。

四、风筝的一些诗话

《有鸟》
有鸟有鸟群纸鸢,
因风假势童子牵。
去地见高人眼乱，
世人为尔羽毛全。
风吹绳断童子走，
余势尚存犹在天。
――唐.元缜

《纸鸢》
谁作轻鸢壮远观，
似嫌鸟飞未多端。
才乘一线凭飞去，
便有愚儿仰面看。
未必碧霄因可到，
偶能终日逐为安。
扶摇不起沧溟远，
笑杀搏鹏似尔难。
――宋.王龄

《纸鸢图》

柳条搓线絮搓棉，
搓够千寻放纸鸢。
消得春风多少力，
带将儿辈上青天。
――明.徐渭

《竹枝词》
结伴儿童裤褶丸，
手提线索骂天公。
人人夸你春风早，
笑我风筝五丈风。
――清.孔尚任

《无题》
鸢飞蝶舞喜翩翩,
远近随心一线牵。
如此时光如此地，
春风送你上青天。
――近代.邓拓