西方美术

在整个绘画世界中，无论是素描还是油画的描述都是获得视觉艺术最基本的一种手段。人们最早的绘画作品出现在法国和西班牙洞窟中勾勒的动物线条，这些线条与视觉的直观无关，而与某种精神世界相联系。到后来出现明确形象的，并结合着结构图案创造的画面也是如此。甚至某些非常复杂精致的二度空间艺术形式中的形象都属于这范围，画面一般被具体化了，不再是含糊不清的背景了，但是在西方人观念中这并不是背景。在古埃及画面经常覆盖着象形文字，在中国是刻写铭文。加上色彩来点缀图像，勾勒线条和区分它们的各部分。

在欧洲是16世纪，色彩被作为绘画的表现形式，而不用线条勾勒轮廓。在西方，绘画技巧采用的是特殊的欧洲绘画观念的反应。它结合着透视的发展，从单一视点表现空间中的各个物体；或采用阴影的明暗技法来塑造形象的空间感；用微妙的色调层次表现距离和物体的固有色与物体上反光色之间的细微变化。它们导致独特的西方艺术形式的出现–架上绘画–画在画布上，并挂在墙上，欣赏其技巧，也就是被捕获和传达的视觉世界，还包括色彩的和谐和对比，笔触的柔美和雄壮，构图的单纯和复杂。这种绘画中的写实主义形式的发展成为16世纪到19世纪艺术史中的中心议题，它与文艺复兴崇拜的“美”是一致的，同时它们也控制着西方艺术的实践和原理。这就导致了一种逐渐获得成功的感觉的产生–画家朝着视觉真实感的目的靠近–只是到了19世纪才被艺术家们看作是严重的问题。同时，作为主要艺术形式的架上绘画在西方的出现，在艺术家、艺术作品和公众之间的关系上产生了明显的影响。原来架上绘画不是为放在一个特定场所而画的，而现在却成为室内陈设，或者艺术画廊中的展览品。毕加索说:“画钩是绘画的祸根，”绘制一幅绘画作品，为的就是尽快被买来挂在墙上，它变成一种装饰形式。
　　艺术史的某些方面是可以与文学史相比拟的。两者都有延续性和变化，而发展却不同。在文学和艺术上不断出现杰作，这些杰作超越了各种限止，脱离了作者的创作意图，有时甚至与其目的是相矛盾的。不管怎样，艺术史完全依靠现存的物质对象，甚至依靠当代机械制作的作品。诚然，艺术史比文学史的时间长得多。很多年来，我们只有通过视觉艺术作品了解到人类的各种欲望和追求。伟大的艺术品不仅仅是美学欣赏，也是人类技艺和聪明才智的结晶。它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，艺术史是人类发展的最基本的一部分。辉煌的文艺复兴时期
文艺复兴时期简介：文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。“文艺复兴”的原意是“在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴”。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然做出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。

意大利早期文艺复兴时期：在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱了中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。

佛罗伦萨早期文艺复兴美术通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：

乔托：（Ciotto，约1266～1337）意大利文艺复兴时代画家，佛罗伦萨画派的创始人，也是意大利文艺复兴艺术的伟大的先驱者之一。生于佛罗伦萨的韦斯皮尼亚诺，卒于佛罗伦萨。早年随奇马布埃学画，并在罗马、帕多瓦、那不勒斯等地作画。最能反映其艺术成就的是1305～1309年间创作的阿雷纳礼拜堂壁画。壁画内容是圣母和基督生平。南北墙面上安排上下3列，每列6幅，加上祭台两边各一幅，共38幅，采取连环组画形式，依次表现故事情节。整个壁画充满生活气息。画面采取平视角度，人物排列有序，加强了空间深远关系和人物主体形象的表现  ，是现实生活的真实写照。最杰出的画幅是《最后审判》、《金门相会》、《犹大之吻》、《哀悼基督》等。这些作品摆脱了中世纪圣像画的程式，传述了人文主义的新精神。对14世纪意大利文艺复兴美术影响极大。但丁在《神曲》中曾对他热情称颂。受到著名画家马萨乔、达?芬奇和米开朗琪罗等人的推崇。

基布尔提：基布尔提(Lorenzo Ghiberti，1378–1455)是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。代表作品有《天堂之门》(1424–1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。
布鲁内莱斯基：布鲁内莱斯基：(Fillippo Brune lleschi,1377–1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。
多纳太罗：多纳太罗(Donatello,1386–1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳太罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。代表作品： 《大卫》(约1430–1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳太罗运用古希腊人创立的“对应”构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。《圣乔治像》(1415–1417)、《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)。
马萨乔：马萨乔(Masaccio,1401–1428?)是在文艺复兴绘画发展历程中是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。代表作品：《出乐园》、《纳税钱》(1425–1428)。《纳税钱》是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。
阿尔伯蒂：著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404–1472)学识渊博，是个典型的“全才”，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。 对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。

波提切利：波提切利(Sandro Botticelli 1445-1510 )是15世纪佛罗伦萨画派最后一位画家，出生在佛罗伦萨一个皮革工匠之家。少年时的他非常顽皮，不思学业，父亲只得把他送到一间金银作坊里学艺。不久，他喜欢上了绘画，菲利普?利比收他为徒。他的绘画天赋很快引起佛罗伦萨银行家梅迪奇的注意，不久便成为梅迪奇家族最宠爱的画师。在梅迪奇家族，他广交文学艺术界名流，接触到各方面的知识，从而开阔了眼界，并为他的艺术打下精雕细琢、富丽堂皇、华美多采的贵族印记。1477年，波提切利以诗人波利蒂安歌颂爱神维纳斯的长诗为主题，为罗伦左新购置的别墅绘制了著名的《春》。1485年，他又创作了一幅精美绝伦的巨作，《维纳斯的诞生》。波提切利同时还接受教会的定单，为教堂作壁画；也曾为《神曲》作了一套出色的钢笔画插画。1492年罗伦左去世，梅迪奇家族被放逐，社会政治形势多变。贵族复辟，人民处于水深火热之中。波提切利的心被震动了，他的人生观和艺术观发生了一次重大变化。在《诽谤》这幅画中，表达了他的愤怒和抗议。波提切利以他那富有诗意的、充满优美曲线的、别具一格的和不可思议的天才作品，成为那个时期佛罗伦萨最伟大的艺术家。

意大利其它地区早期文艺复兴美术：佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。
弗朗切斯卡：弗朗切斯卡(Piero della Francesca，1416?–1492)是在意大利中部城市从事创作活动的最著名人物，翁布里亚画派著名代表。这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452–1464)和《鞭打基督》(约1456–57)。
乔凡尼?贝利尼：乔凡尼?贝利尼(Giovanni Bellini，约1429–1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼?贝利尼是位擅长运用色彩的画家。代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。借助自然景色来渲染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。其它作品有《神的欢宴》、《湖的圣母》等。
梅西纳：梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430–1479)。在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。梅西纳的作品，笔法柔和，色彩明快，情调宁静。代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475–1477)。

意大利盛期文艺复兴美术：16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。文艺复兴三杰–著名的艺术家达?芬奇(1452–1519年)，米开朗琪罗(1475–1564年)和拉斐尔(1483–1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。在文艺复兴盛期，以达?芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。

达?芬奇：达?芬奇(Leonardo da Vinci,1452–1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达?芬奇这样全面发展的人。他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达?芬奇继承了这种传统并大大完善了它。代表作品：著名的《最后的晚餐》(约1495–1498) 完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻画、深刻的人性，昭示着古典美。《蒙娜?丽莎》(约1503–1506) 达?芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。蒙娜?丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。
米开朗琪罗：西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475–1564)在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达?芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。代表作品：雕像《大卫》(1501–1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。还有西斯庭的天顶画《创世纪》也是他伟大的作品。
拉斐尔：拉斐尔(Raphael Sanzio,1483–1520)的作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推崇的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的，他本人成为所有后代画家的样板。代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的“神的世界”。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。还有为梵蒂冈宫绘制的三幅壁画《雅典学院》、《巴尔纳斯山》、《圣典辩论》和最著名的圣母形象《西斯庭圣母》。

提香和威尼斯画派的杰出代表：在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。
提香：提香(Titian,1488/90–1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。成为与达?芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。代表作品《戴荆棘冠的基督》(约1570)，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素就是色彩。这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。创作时他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。其它作品有《天上与人间的爱》、《保罗三世》、《哀悼基督》、《丹娜伊》等。
其它地区的美术家：
萨托：萨托(Andrea del Sarto,1486–1530)真实姓名安德烈亚?达格诺罗?狄?弗兰切斯柯。文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最著名的画家。萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了“完美画家”的称号。代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。

样式主义美术：达?芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格；另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。
庞多尔莫：庞多尔莫(Pontormo,1494–1557)本名雅各布?卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。代表作品 《基督下十字架》(约1526–1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。
罗素：罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495–1540)是位颇有才气、风格独特的画家。罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。代表作品《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。
布隆基诺：佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503–1572)，是样式主义全盛期的代表人物。他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目著称。代表作品：《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼?德?美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样具有冷冰冰的高雅气派。

意大利以外地区的文艺复兴美术：欧洲的文艺复兴运动发源于意大利，在其影响之下，西欧各国也都先后萌发了文艺复兴。由于地理、历史、民俗传统等诸因素的差异，这些国家的美术受中世纪哥特式艺术传统的熏陶，宗教气息十分浓厚。文艺复兴精神在这里更多地体现为对世俗风情的描绘。与同一时期的意大利相比，它们的美术作品虽然缺少意大利文艺复兴美术所特有的那种磅礴的气势，但尼德兰、德国、法国、西班牙等部为欧洲文艺复兴美术的发展作出了各自的贡献。
尼德兰文艺复兴美术：尼德兰一词意为“低凹的土地”，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。 尼德兰的美术活动最初与法国有着密切的联系。14世纪时有许多尼德兰美术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的美术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。百年战争(1337–1453)之后，勃艮第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。14世纪末，尼德兰出现了著名的雕刻家斯留特尔 (Claus Sluter，约135/1360–1405)。有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。《摩西井》作于1395–1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡?埃克兄弟。他们绘制的《根特祭坛画》(1415–1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。一般认为,l5世纪初期的尼德兰画家凡?埃克兄弟是油画技法的奠基人。他们在前人尝试用油溶解颜料的基础上,用亚麻油和核桃油。尼德兰的绘画大师扬?凡?埃克可称为世界上第一位油画家。他创作的木板油画《阿尔诺芬尼夫妇像》是文艺复兴时期的名画。

尼德兰风俗画和风景画：新的绘画体裁风俗画和风景画的出现是16世纪初尼德兰绘画发展中值得注意的方面。在15世纪，生活场景和风景的描绘已经在宗教画上占有相当大的地位了，但只是在这时候，它们才脱离对宗教画的依附，成了独立的绘画类型。博斯和Q?马西斯是独立的尼德兰风俗画的两个主要创始人。博斯的《魔术师》最早以风俗画的体裁描写了乡间生活并加以讽刺。马西斯则最早用整幅画面描写了新兴的商业都市安特卫普市民的日常生活。《银行家和他的妻子》（1514）是他这方面的著名作品。在风景画方面，帕蒂尼尔是把画面上的风景抬高到主要地位的一个画家。独立的风景画的出现是人们的视野扩大和艺术摆脱教会的监护的证明。当时画家仍然要画的宗教场面，在帕蒂尼尔的画中只占不大的地位，而且往往是由别人画的(马西斯等人)。他笔下的风景好像是从极高处的角度来画的，具有半幻想的全景画的性质。这一特点是和地理大发现时代的新的世界眼光相适应的。人们不仅要求在风景画中看到已知地区的局部景象，而且希望看到辽阔的空间，反映人们对地球的新认识和观念。在他的作品中，风景像地图似的布满在画面上，各种不同的景色，如山、岩石、河、海、森林被组织在一起，画面空间的推移由绿、黄、蓝3个色调来区分。这是欧洲早期风景画色彩方法的特点。这种色彩处理方法，在17世纪稍加发展以后,形成欧洲风景画着色的公式,一直沿用到18世纪。在16世纪尼德兰肖像画的发展中，还出现了一种新的体裁，团体肖像画。这种新型的团体肖像画，最早出现于尼德兰北部荷兰诸省。它的产生和发展，乃是荷兰市民的民主意识的一种表现。荷兰的市民的各种联合组织，在社会生活中起着有力的作用。这种联合组织正是团体肖像画发展的社会基础。团体肖像画是为装饰这些团体举行会议的房屋而绘制的。出生于荷兰的J.van 斯科雷尔是团体肖像画早期重要作家之一。《十二个耶路撒冷朝拜者》是他的代表作品。在这幅画上，他一方面从人物的排列和服装上强调他们是属于一个团体的，同时又注意到各个人物特征的刻画。人物整齐地排列在一起，这是早期团体肖像画的特点。在这个时期许多画家前往意大利，并把意大利文艺复兴的艺术风格带回尼德兰。随着对古代和意大利文艺复兴时期艺术的研究，尼德兰艺术发生了新的变化。意大利美术对尼德兰艺术的影响，表现在对古代神话题材的采用，对人体比例和复杂运动兴趣的增长，对透视关系的注意，对创造理想人物形象的追求，同时也表现艺术家们对意大利艺术样式的模仿和套用。和赫萨尔特走着同样道路的一批艺术家被称为罗马派。他们在吸取外来因素上有其肯定的一面，因为学习意大利文艺复兴的艺术，是吸取意大利的先进的人文主义文化的一个方面，它增加了尼德兰艺术的营养并有助于促进它的推陈出新的过程。但是，他们中间的大多数人丢开了自己的民族传统，脱离生活，一味模仿意大利的艺术，终于走上样式主义的道路。罗马派的样式主义艺术，受到西班牙贵族和尼德兰上层资产阶级的鼓励，在16世纪中叶成为官方艺术的样式而占了压倒的优势。F.弗洛里斯是当时罗马派的主要代表。和罗马派形成鲜明对比的,是继承博斯传统的伟大画家勃鲁盖尔。勃鲁盖尔和博斯一样，不拒绝从意大利艺术中吸取营养，但是他不盲目搬用意大利的绘画样式。他在创作实践上，一方面继承着尼德兰艺术的风格和趣味，同时又努力创造性地掌握意大利艺术的成就，使二者在自已的艺术中结合起来，进一步发展了尼德兰绘画的民族的、民主的传统。勃鲁盖尔主要作品：《博士来拜》、《雪中猎人》。

德国文艺复兴美术：德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。画家维茨(KonradWitz，约1414–1446)即是这方面的代表。他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。这时期有名的美术家还有施恩告尔(Martin Schongauer,1445/1450–1491)等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因(HansHolbein the Younger,约1497–1543)。他早年随父学艺，与人文主义学者有着广泛的交往。荷尔拜因的艺术风格以冷静、客观著称，他大量的肖像画，准确地记录了16世纪各种人物的外貌及心理特征。《伊拉斯漠像》(约1523)是他的肖像画精品。作者精心处理画面的明暗关系，着力描绘画中人物的面部、双手与文稿，一位睿智的人文主义学者的风采显露无遗。荷尔拜因的素描作品也极为出色，线条简约完美，虽然几乎不涂明暗，但却能充分表现体积和质感。1532年以后画家定居伦敦，成为英国国王亨利八世的宫廷画家，为英国绘画的发展做出了贡献。
法国文艺复兴美术：百年战争以后，法国收复了被英国占据的领土，形成了统一的局面，为民族文化的发展创造了条件。卢瓦尔河谷地是法国宫廷建筑的诞生地。法王查理八世、路易十二和法朗索瓦一世等都曾在那里兴建了大量的贵族府邸、猎场。其中著名的有舍农索府、尚博尔宫等。这些豪华建筑是新的风格和古老的传统相结合的产物。自从16世纪30年代开始，意大利艺术家来到法国参加枫丹白露的建筑工程，使得法国文艺复兴建筑进入了新的发展阶段。1530年，意大利样式主义画家罗素来到枫丹白露从事装饰工作。罗素为了适应法国宫廷趣味，画风有所变化，人体除了仍被拉长外，画面显得格外精致优美。当地的雕刻家和画家在他及其它意大利样式主义画家的领导下进行枫丹白露宫的装饰，逐渐形成了“枫丹白露派”。这个流派创造了灰泥高浮雕与绘画相结合的新的装饰效果，追求优雅、抚媚。以著名的法朗索瓦一世长廊为例，绘画周围的高浮雕人物仿佛要从墙壁上跳出来。另外，缠绕在画框边上的如皮革般卷曲折叠的装饰母题也是由他们始创的，后来在整个欧洲都十分流行。法国文艺复兴绘画及雕刻则起步较晚。15世纪驰名法国的大画家是富盖(Jean Fouquet，约1420–1477)，他是法国早期绘画的骄傲，后来的法国艺术的发展颇具影响。富盖在艺术上是一位多面手，他留下的作品有油画、细密面、珐琅制品和一些素描。墨伦双联面中的《圣母子》(约1450)是他的重要作品。16世纪的法国肖像画占有突出的地位，有名的画家是克卢埃父子。让?克洛埃(Jean Clouet，约1485/90–约1540/41)是法朗索瓦一世的宫廷画师和侍臣，他描绘了不少当时的显贵名流。《法朗索瓦一世像》(约1525–30)是他的成功之作。他的儿子弗朗索瓦?克洛埃(Frangois CloueL约1510–1572)也是一位颇受宫廷欢迎的肖像画家，《奥地利的伊莉沙白像》(1571)是他最优秀的一件作品。从克洛埃父子的作品中可以看出他们娴熟的绘画技法和善于捕捉人物神态、善于表现个性的能力，这也是法国肖像画家的长处。雕刻方面的主要代表是古戎和皮隆(GermainPilon，约1525–1590)。古戎的杰作足他为巴黎贞洁泉所作的六块浮雕《山林水泽女神》(1549)。作品取材干古希腊神话故事，古戎以精湛的技巧刻画了女神们的轻盈的姿态。人物造型充满活力，虽然构图的空间狭小，但无任何局促之感。雕刻家对衣纹的处理十分自然流畅，将女性的韵味展现得无比完美，整个浮雕洋溢着清新的古典气息。

17世纪意大利美术：17世纪，意大利美术虽然逐渐失掉了它在盛期文艺复兴时期那种至高无上的地位，但它的光辉历史仍然吸引着众多异邦的美术家。在新的历史条件下，意大利美术家仍然对欧洲美术的发展做出了重大贡献。
卡拉齐兄弟及其流派：1585年左右，卡拉齐兄弟在波伦亚创建了欧洲最初的美术学院，从此美术教育开始摆脱传统上那种师傅带徒弟的作法，走上了有组织有系统地教授理论和技能的道路。这样的方式，深深影响着美术的发展，以后那些更有势力的美术学院的作用，就是明证。阿尼巴尔?卡拉齐(Annibale Carracci，1560–1609)在卡拉齐兄弟中最为著名，成就也最为突出，具有多方面的才能。在美术上，他推崇古典雕塑和拉斐尔、米开朗琪罗等盛期文艺复兴大师。他最优秀的作品，是为罗马宏大的法尔耐塞宫大厅绘制的大型装饰壁画。卡拉齐融合拉斐尔和米开朗琪罗的长处，创造出颇具个人特色的风格，把充满生动古典神话形象的世界，带到一种优美、华丽、轻快、丰富，但又不乏和谐的境地。阿尼巴尔?卡拉齐在风景画发展史上，也是一位不容忽略的人物。《逃亡埃及》(约1604)这幅以圣经故事为题材的风景画，构图严谨、形象清晰，具有庄重之感，开创了深受欢迎的“理想风景画”的道路。后来，不同追求的众多画家都从他的创作中获得启示。倾心古典理想的普桑发展了他优美严谨的一面；巴洛克绘画的代表柯尔托纳则把他错觉性的手法当成楷模。
卡拉瓦乔：卡拉瓦乔(Michelangelo Merisi Caravaggio，1571–16l0)是那个时代最大胆的画家。在狂放不羁的一生中，他以新颖的态度和手法创作的作品，深深影响了17世纪的画家。同其它意大利画家一样，卡拉瓦乔在绘画题材上没有什么变化，主要是为教会创作宗教画，但在处理传统题材时，他抛弃了盛期文艺复兴大师确立的理想化模式，把那些神圣的人物和场面，描绘得如同现实生活中的真人实景。《召唤圣马太》(约1597–1599)就是一幅鲜明体现卡拉瓦乔处理宗教题材的态度和手法的著名作品。其它作品还有《使徒马太和天使》、《基督下葬》等。

巴洛克：欧洲17世纪的美术样式。发源于意大利，以其热情奔放、运动强烈、装饰华丽而自成一体，与16世纪盛期文艺复兴美术的庄重典雅相区别。巴洛克美术在文艺复兴美术之后，一定程度上发扬了现实主义的传统，从而克服了16世纪后期流行的样式主义消极倾向。另一方面，巴洛克美术符合当时天主教会利用宣传工具争取信众的需要，也适应各国宫廷贵族的爱好，因此在17世纪风靡全欧，影响到其他艺术流派，使欧洲的17世纪有巴洛克时代之称。巴洛克建筑最早可追溯于米开朗琪罗的雄强风格和大胆设计，如圣彼得大教堂(梵蒂冈)的圆顶他的两位助手维尼奥拉和波尔塔在1568–1584年间完成的罗马耶稣教堂则被公认为是从样式主义转向巴洛克的代表作。这座教堂内部突出了主厅和中央圆顶，加强了中央大门的作用，以其结构的严密和中心效果的强烈而显示了新的特色，因此，耶稣教堂的内部和门面后来都成为巴洛克教堂的模式。巴洛克绘画也可溯源于米开朗琪罗等文艺复兴大师，但主要是通过克服16世纪后期的样式主义而发展的。而在这一过程之初，两位影响最大的艺术家卡拉瓦乔和卡拉齐又分别以现实主义和古典主义为主要特色因此巴洛克风格的形成比较复杂，它吸收了这些大师的健康的写实倾向和一些手法特点（如光暗、色彩、透视等），并配合巴洛克建筑而发展。但最伟大的巴洛克画家不是意大利人，而是佛兰德斯的鲁本斯，他的热情奔放、绚丽多彩的艺术对西方画坛具有更持久的影响。另一方面，从17世纪是巴洛克时代的角度看，另几位现实主义大师如荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯贵支等，也在一定程度上具有若干巴洛克的风格特色。
巴洛克美术家和贝尼尼：在意大利，力图通过反宗教改革运动再造天主教会、重振昔日雄风的罗马教廷和天主教头面人物，都把美术看成宣扬教会伟大、激发信徒热情的有力手段。在他们的倡导下，富丽雄伟、激情洋溢、气势辉煌的巴洛克美术得到蓬勃的发展，成为当时美术的主流。圭尔奇诺(Guercino,1591–1666)是巴洛克绘画的代表人物之一。基本上是自学成才的画家本名乔凡尼?佛朗切斯柯?巴尔比埃利，他的代表作《黎明女神》(1621–1623)，描绘了与雷尼同名作品一样的情景，但效果上却有很大不同，浩大的空间，强烈的动势，与建筑混合造成的错觉，给人们展示着一个与古典的宁静明晰世界有别的天地。继续发挥圭尔奇诺这种风格特点，把巴洛克绘画推向极致的画家，有巴洛克美术全盛期最重要人物之一的柯尔托纳(Pietro da Cortona,l596–1669)。巴洛克美术那种混合绘画、建筑、雕塑等不同门类，形成综合的视觉效果的要求，最适合大型的建筑装饰壁画，柯尔托纳的特点和成就正是反映在壁画创作中。推举意大利巴洛克美本的首席，就是雕塑家、建筑家贝尼尼(GianlorenzoBernini,1598–1680)。这位深受教会领袖赏识的美术家，是继米开朗琪罗之后意人利最伟大的雕塑家和那个时代最杰出的建筑家，同时也是一位能文擅画的人物，颇具文艺复兴时代的遗风。他那件用纯熟技巧雕成的名作《大卫》(1623)。其它作品还有《阿波罗达芙娜》等。

17世纪法国美术：17世纪的法国，历来在法国人心目中占据着十分显赫的地位，在这个时期，法国在社会生活的各个领域取得了重大成就，跃居为欧洲首屈一指的大国。当时倡导的文艺是那种崇尚理性、强调规范、追求完美与庄严的古典文艺，一大批具有古典风范的巨匠和杰作涌现出来，成为法国人的骄傲。这个时代法国美术的主导倾向就是古典倾向，此外还有其它倾向。
17世纪上半叶法国美术：17世纪上半叶，法国美术界的代表人物是勒南三兄弟和乔治?德?拉图尔。他们更多受到了文艺复兴时期北方传统、尤其是布吕盖尔传统的影响。在当时的美术家中，卡拉瓦乔的艺术也产生很大的影响。勒南兄弟中，以老二路易?勒南(Louis Le Nain，约1593–1648)的成就最为突出。路易?勒南擅长表现低层农民的生活，艺术上具有法国人特有的清醒和节制的优点。在《农民一家》(约1640)和《农民用餐》(1642)等作品中，写实性的表现、朴实的画法与庄重的气息融汇在一起，于自然亲切之中，展示了普通人的尊严；源于卡拉瓦乔的明暗对比，有力地突出了稳定构图中的人物形象。
古典风范的代表普珊和洛兰：17世纪法国美术主导倾向和卓越成就，在普珊和洛兰身上获得了最鲜明的体现。首次使法国古典主义美术赢得世界性声誉的普珊(Nicolas Poussin，1593/1594–1665)，是17世纪法国最伟大的画家。普珊敬仰古人的成就，服赝拉斐尔等盛期文艺复兴大师，一生以此为楷模，不倦地追求那种完美境界。为了获得古典式严谨、明确、和谐的构图和造型，学者型的普珊格外重视理性思考，强调素描的重要作用。凡是推重古典风范的画家，都把创作“重大题材”的历史画视为最神圣的使命，普珊创作于成熟时期的《台阶上的圣家族》(1648)和《阿尔卡迪牧人》(约1655)等作品，均体现了他庄严优美的风格和对古典传统的深刻理解。在画艺臻于完善之际，普珊也把精力放在创作理想风景画上。普珊对纪念性的追求，对坚实结构的探索，对理性的重视，为现代绘画先驱者塞尚树立起一个光辉样板。克洛德?洛兰(Claude Lorraine，1600–1682)则把全部心血投入理想风景画的创作。理想风景画可以说来源于文艺复兴时期威尼斯画家作品中描绘的景色，并在后来的意大利画家卡拉齐等人笔下得到确立，但要说到使它真正发扬光大，成为具有深刻内含和诗意的独立品种，不得不归功于普珊和洛兰。他把体验运用在创作上，绘制出一批抒情色彩浓重的优美风景画。《乌利西斯把克莉赛丝交还其父》(1644)就是他的典型之作。洛兰的理想风景画深刻地影响着后人的趣味。
路易十四治下的美术：路易十四宠信的勒布朗(Charles Lebrun,l619–90)并非一流画家，但他在提倡古典主义、左右社会趣味、确立学院派教育等方面，均起到重要作用，无疑对法国美术的走向有相当影响。在美术学院普桑派与鲁本斯派之争中，他支持前者，推崇古典美术和拉斐尔，从而使学院的种种规范成为金科玉律，被一代代人延袭下去。勒布朗的作品，往往流露出追求表面效果的特点。路易十四喜欢能显示其权威和气派的高贵华丽的事物，这种趣味也影响着另一些美术家。里戈(Hyacinthe Rigaud,1659–1743)就是其中一位。在17世纪下半叶的法国，也活跃着一批雕塑家。席拉尔东(Frncois Girardon,1628–1715)热衷于追求优美的古典风格，其代表作是《受宁英照料的阿波罗》(1666)。与席拉尔东形成对照的另一位雕塑家皮热(Pierre Puget,1620–1694)，他的作品充满着强烈的动感和热情，可以说是法国巴洛克的典型之作。《克罗托纳的米罗》(1683，以扭曲的动态传达出强烈的悲剧气氛，艺术上颇为成功。路易十四为了显示自身的伟大，张扬法国的光荣，最为突出的、影响也最为巨大的一项艺术事业，就是于17世纪60年代初，在巴黎郊外的凡尔赛开始建造的西方最庞大、最辉煌的宫殿建筑群–凡尔赛宫。众多的建筑师、园艺设计家、画家、雕塑家被召集来从事这项工作。勒沃(Louis Le Vau,l612–1670)及其继任者阿杜安–芒撒尔(Jules Hardouin-Mansart,1648–1708)，还有勒诺特(Andre Le Notre,l613–1670)是凡尔赛宫主要的设计者。凡尔赛宫由宫殿、花园、放射状大道等组成，整体布局严谨，讲究均衡，种种几何形组成错落有致而又秩序井然的景观，显得气势辉煌，壮丽华贵，成为后人模仿的宫殿建筑范例。

17世纪西班牙美术：16世纪末叶，西班牙开始衰落，到了17世纪，它的政治、经济形势呈现出一种日幕西山之态，但在文艺领域则是一派辉煌灿烂的动人景象。塞万提斯笔下那位削瘦的骑士和他的仆人的不朽形象从这时走向世界，罗朴?德?维加和卡尔德隆的戏剧在各地上演，画坛上则挺立起在西班牙美术史上闪耀着光彩的人物。西班牙17世纪第一位杰出画家里贝拉(Jusepe de Ribera，1591–1652)的成长过程中，深深受到意大利画家卡拉瓦乔的启示，把卡拉瓦乔的明暗法运用在自己笔触放肆、色彩强烈有力的绘画中，形成了个人的特点。里贝拉最富盛名的作品是《圣巴托罗谬的殉难》(约1639)。里贝拉善于生动地塑造人物形象，使作品显得盎然有生气，同时又不乏庄重之感。在他的《跋脚少年》(1664)这件描绘现实生活中底层人物形象的作品中，我们可以进一步感到这种特点。他笔下这个生活在苦难中而又保持着乐天态度的少年形象是令人难忘的。喜欢描绘下层人生活，也是西班牙文艺的一个传统。与里贝拉充满活力和气势的风格形成对照的是苏巴朗(Francisco Zurbaran,l598–1664)宁静的风格。塞维利亚是诞生大画家的地方，西班牙最伟大的画家委拉斯贵之(Diego Rodriquez de Silvay Velasquez,1599–1660)就是在这儿降生并开始其艺术生涯的委拉斯贵之的最大长处，就在于冷静的观察力和形与色的完美结合，委拉斯贵之创作范围是广泛的，他在历史画、宗教画、风景画、女人体画等方面郡留下了动人的作品。作品有《教皇英诺森十世肖像》、《宫娥》《玛格丽特公主肖像》等。
17世纪佛兰德斯美术：在尼德兰反抗西班牙统治的斗争中，南方地区并没有像北方那样彻底摆脱西班牙控制，该地区与西班牙妥协后，称为佛兰德斯，也就是现在的比利时。仍然受到西班牙和天主教势力影响的佛兰德斯，其美术具有鲜明的巴洛克特征。在佛兰德斯没有形成其它欧洲地区美术界群星争辉、不同美术家各领风骚的局面，当地美术家全都被一位高高在上的王者遮住了身影，这位王者就是鲁本斯。如果说意大利人贝尼尼是巴洛克雕塑的最大代表，那么鲁本斯(Peter Paul Rubens，1577–1640)就是巴洛克绘画的最伟大代表。鲁本斯不同于意大利巴洛克画家，他基本上从事架上绘画，很少创作大型壁画，但在相对小型的画面上，他却获得了极为生动、极富戏剧性的效果，那慑人的力量并不亚于宏大的天顶壁画。色彩是鲁本斯最有力的造型语言，他深深懂得色彩的对比和组合具有何等魅力，鲁本斯的华美艺术给他赢来了巨大声誉。鲁本斯充满活力和热情，气势磅礴的画艺对后代的浪漫主义美术家极有吸引力。代表作品有《强劫留西帕斯的女儿》和历史画《阿马松之战》等。
17世纪荷兰美术：在这块17世纪欧洲最自由开明的土地上，新兴的资产阶级取代了封建贵族，成为社会生活中的主导力量。资产阶级的要求和趣味，决定着荷兰美术这一黄金时代的独特面貌。贴近当代现实生活的肖像画、风俗画、风景画、静物画流行起来，成为荷兰美术的主要体裁。阿姆斯特丹、哈莱姆、德尔夫特、马得勒支、莱顿等城市涌现出一大批画家，他们的创作构成了丰富多彩的17世纪荷兰美术全景。当时荷兰画家之多，大约只有15世纪的意大利能与之相比。
肖像画家哈尔斯：荷兰绘画三大师之一的哈尔斯(Frans Hals,约1581/1585–1666) 在为当时的荷兰人留下他们生动的形象方面，取得了重大成就。他专门从事深受荷兰人欢迎的肖像画创作。哈尔斯喜欢生动活泼的效果，力求在动态中自然地展示人物的特征，捕捉他们瞬间的神态，为此他运用了在当时极其大胆奔放的笔法，即迅速有力摆上画面的笔触塑造出一个个如生的形象。《吉卜赛女郎》(约1628)是他的画法和风格的鲜明例证。与文艺复兴盛行的庄重的肖像画不同，他选取富于表现力的刹那间嬉笑神情来描绘，速写式的轻快笔触，活灵活现地点染出一位性格爽朗、欢快俏皮的吉卜赛女人形象，观众仿佛能听到她的笑声。他自由的画法，可以与多年后的印象主义者相比美。
伦勃朗：伦勃朗(Van Rijn RembrandtHarmense,1609–1669)在各类绘画体裁上都有惊人的贡献，从创作的广度和深度来看，他是当之无愧的最伟大的荷兰画家。代表作为群像画《杜普教授的解剖学课》(1632)、《夜巡》（1642）等。
风俗画家和维米尔：在荷兰这种描绘日常生活场面的绘画非常受人喜爱，不少城市都有自己的风俗画家，其中以德尔夫特城的风俗画家成就最为突出。尽管风俗画再现了不同的生活场景，但它最偏爱的题材还是宁静的家庭生活。霍赫(Pieter de Hooch或Hoogh，1629–1684)最著名的作品是《庭院》(1658)这幅画，以精确细腻的刻画展示了荷兰妇女的家庭生活。特尔鲍赫(Gerard Terborch,1617–81)也是再现安逸室内生活的能手。特尔鲍赫的最佳作品，主要是在他定居代芬特尔后绘制的。他特别擅长描绘丝绸等织物，表现它们特殊的光泽和质感。他以精细的笔法，津津有味地描绘室内农饰华丽的妇女和陪伴着她们的男子，为后人留下富裕荷兰人生活一个侧面的写照。维米尔短暂的一生留下35幅油画作品，内中有不少精美之作。从他50年代的宗教题材作品中，可以看出画家尚未形成自己的艺术风格。之后，受哈尔斯的艺术影响，采用了深重背景的强烈明暗对比画法，喜欢用阔大笔触，造型刚劲有力，虽画宗教题材，但画中人物形象、服饰和环境均为荷兰现实生活中的人和事，这时已显露出作为一个风俗画家艺术特色。维米尔（Johannes Vermeer ,1632―1675）的绝大部分绘画内容是他的日常生活，他多以当地殷实的家庭妇女为主体形象，刻意描绘充满阳光的室内陈设、环境与人物活动，往往采用平面透视，使画面产生一定的深度，通常画两个套间，室内的悬挂和摆设，反映出代尔夫特地区富裕家庭生活的平静、安逸，以及自我满足的精神境界。代表作品《倒牛奶的女仆》、《穿蓝衣读信的少女》、《花边女工》、《戴珍珠耳环的少女》等。荷兰人对绘画的喜爱已成为一种嗜好，不论家境贫富，必置数幅油画悬挂室内，作为美化装饰。为适应市场和购画者审美需求，维米尔的画形成一种特殊的艺术效果，尤其对光的运用十分重视，他摆脱了伦勃朗式的聚光画法，他喜欢使画面的室内充满阳光，并使光线洒落得和谐匀称，使各种织物陈设更显得热情华美。他常把画中人置于窗前，即使人物带有强烈的明暗对比，又显得十分和谐自然，这种“窗边人物”的处理成了维米尔风俗画的一个特色。维米尔不仅是风俗画大师，也是优秀的风景画家，从不多的风景创作中，可见他热爱生活和崇敬大自然的情感。
风景画家：一大批风景画家不断努力，荷兰风景画得到蓬勃发展。像其它体裁的画家一样，这些画家各有其擅长的领域，每个人往往守住他那受欢迎的题材，在这个范围内反复挖掘。我们知道，在17世纪从事理想风景画创作的法国画家和意大利画家，都是在画室中凭记忆或速写稿绘制风景画的。荷兰的风景画家，尽管更忠实地表现自然的本来面目，但也是在画室中从事创作的，真正面对实景写生创作那是很久以后的事。戈延(Jan van Goyen,l596–1656)是第一代风景画家中的佼佼者，他擅长表现江河景色。他的名作《乡村景色》(约1645)，真实地再现了荷兰的自然风貌。云天占据着大部分画面，压得很低的视平线把观众与河边景象拉近了，这种构图方式，成为荷兰风景画中常见的手法。荷兰风景画全盛时期的代表人物，首推勒依斯达尔(Jacobvan Ruisdael,1628/1629–1682)和他的学生霍贝玛(Meyndert Hobbema,1638–1709)。

静物画家：作为独立的绘画品种，静物画是在17世纪才确立和流行起来的。早在古罗马出现过静物画，17世纪的许多画家仍然很少从事静物创作，只有荷兰情况不同。由于热爱家庭生活的荷兰人对与此相关的物品感兴趣，促使不少荷兰画家投人静物画创作，从而使这个绘画体裁在美术史上占有了一席之地。卡夫(Willem Kaif,l619–1693)或许是荷兰静物画家中最杰出的人物。卡夫的作品以善于用光布色著称，整体上更加概括单纯，从某种程度上，仿佛综合了伦勃朗和维米尔的一些特点。

罗可可：即由“岩状工艺”和“贝壳工艺”引申而来，指室内装饰，建筑到绘画、雕刻以至家具、陶瓷、染织、服装等各方面的一种流行艺术风格。罗可可的另一种解释初见於《法兰西大学院词典》，指为“路易十四至路易十五早期奇异的装饰、风格和设计”。罗可可在形成过程中还受到中国艺术的影响，特别是在庭园设计、室内设计、丝织品、瓷器、漆器等方面。罗可可建筑很重视内部的装饰，构图非对称法则，而是带有轻快、优雅的运动感，喜爱模仿贝壳、钻石、植物等自然流畅的弧形曲线来雕饰家俱、墙壁、天花板、门窗，运用C形、S形或漩涡形的曲线和轻淡柔和的色彩表现出华丽优雅的气派。罗可可风格的绘画以上流社会男女的享乐生活为对象，描写全裸或半裸的妇女和精美华丽的装饰，配以天堂般的自然景色或异乡风景(如威尼斯、罗马)，奇物(向日葵、玉米等)。它一方面不免浮华做作，缺乏对於神圣力量的感受；另一方面却以法国式的轻快优雅使画面完全摆脱了宗教的题材，愉悦亲切，舒适豪华的场景取代了圣徒痛苦的殉难。

法国罗可可美术：随着法国上层发生的这种变化，社会的风尚转变了，对生活环境和文艺的要求也转变了。这种变化首先体现在建筑及其装饰上，接着波及到绘画、雕塑和其它领域。鲍夫朗(Germain Boffrand,1667–1754)，是一位充分体现这种新变化的建筑家。在创造优美、轻巧、生动的路易十五时代风格方面做出了巨大贡献。他为巴黎苏必兹府作的内部装饰(1734–1740)把罗可可风格的特色发挥得淋漓尽致。晶莹的水晶枝形吊灯、纤巧的家具、轻淡娇艳的色彩、盘旋的曲线纹样装饰和落地大窗，各种因素综合在一起，创造出优雅迷人的总体效果。华多(Jean-Antoine Watteau,1684–1721)是18世纪法国最杰出的画家，也是罗可可美术最卓越的代表。华多以轻巧的笔触和柔和的色彩，尽力渲染一种如梦似幻的气氛，用来烘托那些动作优雅的情侣，十分生动地奏出了一曲“爱之梦”，但甜美中仍然有种淡淡的忧郁气息。正是华多作品经常透露出的这种欢乐短暂、“夕阳无限好”的韵味，使他超越了其它罗可可美术家，避免了浅薄的感觉。油画《热尔桑画店招牌》(1721)，这是他最杰出的作品，充分显示了他的卓越技巧。最典型的罗可可画家是布歇(Francois Boucher,l703–1770)。他的作品反映了罗可可美术的基本特征。 弗拉戈纳(Jean-Honore Fragonard,1732–1806)是法国罗可可美术最后一位代表人物。最能代表他柔媚画风的作品是《秋千》(1766)。

西方美术
19世纪欧洲和美国美术：在19世纪，不可抑制的工业化的强劲步伐，使西方社会发生迅速变化。资产阶级的要求和趣味，与贵族的要求和趣味交织在一起，通过学院教育和作品展览等方式，在美术领域内得到了强化。受到他们支持的保守倾向，借助古典美术的光辉成就，有意无意地阻挡着新生事物的成长。经过一代又一代美术家的努力，到了19世纪末叶，西方美术终于摆脱了自文艺复兴时期确立的、延续数百年之久的再现性传统和古典规范的束缚，开始踏上现代之路。
新古典主义美术：
大卫及其弟子：18世纪30–40年代，欧洲进行的大规模古迹挖掘，重又点燃起人们对古代希腊罗马文化的浓厚兴趣，新古典主义的种子开始萌发。随着法国大革命的日渐临近，渴求改变现状的法国民众，更加反感散发着浓重的、没落的贵族气息的罗可可美术，期待有更严肃更高尚的美术。在这种条件下，一股更雄劲的新古典主义之风，从欧洲的中心吹动起来。新古典主义宗师，法国画家大卫 (Jaques Louis David，1748–1825)就是这种风格的创立者。他的代表作有《荷加斯三兄弟的宣誓》(1784)、气派辉煌的巨幅油画《加冕式》(1805–1807)，写形传神的肖像画《莱卡米耶夫人像》(1800)。严谨写实手法表现的《马拉之死》。大卫门下涌现出一批著名的新古典主义画家。如画风甜美的席拉尔(Baron Francois-Pascal Gerard,1770–1837)，就是当时最受欢迎的肖像画家，还有最著名的学生安格尔。
新古典主义的中坚安格尔：19世纪20年代，浪漫主义席卷了法国，在整个文艺领域内驱赶着新古典主义势力。作为一种潮流，新古典主义成为保守的象征。在这种情况下，新古典主义绘画仍能在法国延续并焕发出光彩，主要靠的就是安格尔(Jean-AugusteDominique Ingres,1780–1867)。他一生中，以高傲的固执态度和卓越的艺术才华，坚持捍卫新古典主义的理想。安格尔是一位不懈地致力于纯化造型语言的画家，不愧是新古典主义最后的伟大代表。《泉》(1856)是其代表作。还有《瓦平松浴女》、《大宫女》等。

浪漫主义美术：18世纪中叶，与提倡理性的启蒙精神相对应，在欧洲出现了一股向往回归自然、迷恋中世纪的风气，从此浪漫主义的倾向露出了端倪。从18世纪下半叶起，它获得了进一步的发展。在19世纪头几十年，浪漫主义运动成为了席卷欧美的汹涌澎湃的文艺大潮。浪漫主义美术是一种强调个性表现、主张创作自由、重视想象和感情的美术。在许多方面，它同崇尚严谨的完美形式、追求理智与感情统一、再现普遍人性的古典美术形成了鲜明对照。这种情况，使浪漫主义美术家在从事创造之际，往往借鉴非古典的传统。作为一种美术运动，浪漫主义迈出了近代美术的最初脚步，给后人提供着精神上的支持和鼓励。
浪漫主义先驱戈雅：经历过17世纪的辉煌后，西班牙美术界沉寂下来，直到18世纪下半叶，随着达维特的同代人、奇才戈雅的出现，才打破了这种沉寂的局面。戈雅(Francisco de Goyay Lucientes,1746–1828)，他的肖像画《查理四世及其家人》(1800)，笔法流畅、色彩绚丽、生动的近似漫画式的意味。他创作出一系列所谓的“黑色绘画”。大胆的想象、无拘无束的造型、主观的色彩，更直接地传达了他个人的感受，它们与现代绘画的距离已不遥远。戈雅的艺术成就赢得了后代浪漫主义者的深深敬佩。还有重要作品是《1808年5月3日夜枪杀起义者》（1814）。
英国浪漫主义美术家：在英国，浪漫主义美术从18世纪下半叶就发展起来，并延续到19世纪。生于瑞士的英国美术家弗赛里(Henry Fuseli,1741–1825)的一些水彩和油画作品，已流露出鲜明的浪漫主义特色。但早期英国浪漫主义美术的代表，无疑要推布莱克(William Blake,1757–1827)。人类进人20世纪，他被公认为英国诗歌史上有数的伟大诗人之一，而且也被视为英国第一位重要的浪漫主义画家。他的绘画作品不拘成法，充分发挥自由的想象和激情。这些寓意深刻的作品，表达一种神秘的、宗教的情绪，体现出他对现实的不满和对理想世界的追求，如《善良天使与邪恶天使争夺孩子》(1795)。爱好大自然、歌颂大自然，是浪漫主义文艺的一大特征。这不单体现在英国大诗人华兹华斯等人身上，也体现在英国杰出的风景画家康斯太勃尔(John Constable,1776–1837)和特纳(Joseph MaUord William Tuner,1775–1851)身上。
德国浪漫主义风景画家：18世纪下半叶和19世纪上半叶，德国浪漫主义文学和音乐闪耀着极其夺目的光彩。相比之下，它的美术就逊色多了。弗里德里希(CasparDavid Friedrich,1774–1840)是最优秀的一位。弗里德里希的风景画是他心灵的写照，从他讲的“美术家不仅应当描绘眼前所见之物，而且应描绘心中所见之物”，不难看出浪漫主义者的典型态度。像一些德国浪漫主义文人一样，他迷恋于那些所谓“诗意盎然的景象”，如荒原、古寺、落日、月夜、森林等，这一切构成了他笔下具有象征意味和感情色彩的绘画世界。这种爱好再加上对文学性的强调，无疑影响了他的成就。
法国的浪漫主义者和德拉克洛瓦：在法国这块土地上，浪漫主义的胜利和勃兴，是以极为激烈的形式体现的，它受到推崇古典文艺的人士的顽强抵抗。史家们津津乐道的欧那尼之战和德拉克洛瓦与安格尔的决斗，是这种事实的生动体现。在法国画坛，席里柯(Theodore Gericault,1791–1824)的绘画更鲜明地展示了浪漫新风。浪漫主义者，往往对充满动态活力的情景和异常的事物感兴趣，席里柯就是如此。他绘制了不少描写赛马的作品，就连他表现军事题材时，也选用骑兵军官来表现，着力渲染动荡紧张的气氛。从《骑兵军官》(1812)上可以窥到席里柯这类作品的面貌。席里柯的杰作，是那幅被誉为法国浪漫主义美术宣言的巨画《梅杜萨之筏》(1819)。德拉克洛瓦(Eugene Delacroix,1798–1863)是最伟大的浪漫主义画家。他趣味广泛，对古典大师抱着尊敬的态度，但真正让他服的画家，是巴洛克大师鲁本斯。他艺术中华美的色彩、自由的构图、生动的气势，都与鲁本斯有相似之处。他创作了两件在艺坛引起轰动的杰作，这就是抗议土耳其暴行的《希阿岛上的屠杀》(1824)和取材于拜伦同名诗剧的《萨达纳巴尔之死》(1826)。浪漫主义的当代性，在德拉克洛瓦的《自由引导人民》(1830)上得到印证。这位美术家以充沛的激情，把想象与现实融为一体，象征的形象和具体的人物一起在炮火纷飞的巴黎街头冲向前方，体现出革命不可阻挡的气势。在新的条件下，演化成德拉克洛瓦与安格尔的对抗。德拉克洛瓦大胆的探索精神，给法国一代又一代追求创新的美术家树立了一个榜样，他们都从他身上汲取营养。浪漫主义的追求，似乎更适合用最自由的绘画来表现。不过，雕塑界也产生了富于浪漫主义色彩的名家。同《自由引导人民》构成双壁的巴黎凯旋门上著名浮雕《马赛曲》(1833一1836)的作者吕德(Francois Rude,1784–1855)，以及被誉为“动物园中的米开朗琪罗”、擅长塑造猛兽的巴里(Antoine-Louis Barye,l795–1875)，都是值得一提的浪漫主义雕塑家。
美国浪漫主义美术家：在大洋彼岸的新大陆，艺术的气氛远不如欧洲。不过到了19世纪，这种情况有了改变。与欧洲的浪漫主义文艺运动相呼应，美国也产生了一些颇有成就和影响的浪漫主义者。这时，用画笔捕捉美国的自然景观、传达心灵感受的一些美国风景画家出现了，他们被称为哈得逊河画派。在19世纪中叶，这批具有爱国精神的画家呕歌美国壮丽山河的绘画，深受美国人的喜爱，而它最初的代表科尔(Thomas Cole,l801–1848)就是他们之中最为优秀的一位。把这种宝贵的经验与自己的诗情和想象揉合起来，并运用从欧洲学来的技巧，创造出富于浪漫情调的壮观风景画。《哈德逊河清晨》(约1827)和《河套》(1836)等油画，典型地体现了他的风景画的特色。前景的广阔自然，在精微的光影对比和透视处理中，向远方渐渐隐退，令人有亲临之感。与科尔不同，另一位比他年轻的画家宾厄姆(George CalebBingham,l811–1879)生活在密苏里州，他把目光放在描绘边疆地区的风土人情上。宾厄姆最著名的作品，要数《沿密苏里河顺流而下的皮毛商人》(1845)，这幅描绘当地现实生活的风情画，具有一种神奇的魔幻意味，不拘成法，感受独特，往往是这类画家的特点。
现实主义美术：19世纪，在资本主义的欧洲，迅速发展的工业化进程给社会带来巨大变化，大都市里集聚了众多人口，广大劳动者创造的财富落到少数人手中，贫富的悬殊令敏感的文学家和艺术家难以忘怀，他们把目光转向身边发生的现象，把新的现实化成作品。他们如实地再现当代社会的种种情景，使以往难于闯入文艺殿堂的现象涌了进来，扩展了文艺的地域。这批文学家和艺术家的创作理论和实践，构成了写实主义的潮流。他们当中的杰出代表，不管是否具有民主的观念，大多用自己的作品，揭示社会的矛盾和不公，表现普通人和他们的生活，颂扬他们心灵中的美好东西。在19世纪中叶，写实主义美术普遍出现在欧洲等地，成为继浪漫主义之后的又一重要现象。
法国现实主义美术的代表库尔贝：到19世纪中叶，新古典主义和浪漫主义渐渐趋向没落。有识之士期待着真正“当代的”美术。画家库尔贝(Gustave Courbet,l819–1877)确信美术在本质上是当代的，美术家应当大胆直面人生，以清醒的态度反映当代的现实。他与浪漫主义者不同，否定想象的作用，那句名言“我从没见过天使，所以我不会画它”，鲜明地体现了这位写实主义者的强烈信念。代表作品《石工》(1849)近似照相的朴实作品，体现了库尔贝大胆的创造，无疑给绘画界吹送来一股强劲清新的空气。在这儿“真”胜过了“美”和“理想”。库尔贝创作范围广阔，在肖像画和风景画等领域内，他也有突出成就。把他笔下的波德莱尔、柏辽兹等大诗人、大音乐家的形象，与安格尔和德拉克洛瓦塑造的帕格尼尼形象相比，就会在体味不同流派特色之余，感到他的人物更实在、更自然。库尔贝的卓越技巧，在风景画中得到了充分的显示，他以强烈的自信，把厚重的色彩掷在画布上，生动地再现了自然的形态和气势，用画刀刮抹的色块，给他的风景画增加了一种格外有力的道劲感。面对着他的海景画，我们仿佛站在海边，能听到海浪的咆哮，感到冰冷的飞沫溅到脸上。
杜米埃、柯罗和米勒：杜米埃(Honore Daumier,l808–1879)是漫画大师，也是卓越的油画家和雕塑家。与库尔贝一样，他也坚信美术和美术家应当立足于当代现实。但与库尔贝不同，他的造型语言更具主观色彩、更为概括。在油画领域内，杜米埃创作出一系列非常富于特色的作品，这些作品在形象塑造和色彩处理上，十分简洁生动。我们知道，漫画要求突出主要的特点，用寥寥儿笔抓住最具表现力的东西，给人鲜明的感觉，这种特征也体现在杜米埃的油画风格上。《三等车厢》(约1862)是他的油画名作。柯罗(Jean-BapUste Camille Corot，1796–1875)是写实主义者画家。与库尔贝坚实有力的画风不同，柯罗的艺术手法轻快自然，具有恬淡的抒情气息。柯罗是作为风景画家和人物画家知名于性的，他笔下的世界也都来自现实。《莫特枫丹的回忆》(1864)就是他这类风景画的一个范例。《蓝衣妇人》(1874)等人物画，都是他成功的作品。米勒(Jean-Francois Millet,l814–1875)是一位擅长表现农民生活的画家。米勒的艺术，就像法国农民一样，具有质朴无华的特色。在他那单纯朴素的画面中，蕴含着真正的美和诗意。尽管他笔下的农民大多衣饰简朴、粗手笨脚，但却永远具有一种独特的魅力。他的名作有《晚钟》、《拾穗者》(1857)。

巴比松画派：与米勒，也与柯罗关系密切的一批风景画家，生活和工作在巴黎东南方枫丹白露附近的巴比松村，专心描绘平凡的法国乡村风景，这批风景画家被称为巴比松派。尽管他们的作品各有特色，但从总体上说，都力图忠实再现他们生活的这片土地，强调户外生动自然的效果。从某种意义来讲，后来的印象主义风景画家就继承和发扬了他们开拓的事业。巴比松画派的领袖是卢梭(Theodore Rousseau,l812–1867)，他认真研究分析自然的真正形态，用阔大的笔触和厚涂的色彩，描绘着自然的面貌，它的种种细节、空气、光线等。卢梭的作品具有一种静态的纪念性效果，显得庄严有力，他的名作《巴比松附近的橡树》(1852)。另一位颇有特色的巴比松画派代表是杜比尼(Charles-Francois Daubigny,1817–1878)。在巴比松画家中，他是最接近印象主义画家的一位。他的画法比卢梭轻快，也比卢梭更注重光色的效果，曾有人批评过他的作品仅仅是印象，从这一点也不难体会到他作品的风采。他运用直接写生的方式，这使他能捕捉到自然的生动面貌。水天关系和大气氛围是他喜爱再现的，《奥特沃地方的高拜尔磨坊》(1857)向人们提供了他风格的特点和动人范例。莫奈就深受他的启发，而他也尽力支持过印象主义者的探索。
法国以外的现实主义者：现实主义美术在东欧等地也得到发展，涌现出一些在当地颇有影响的人物。其中俄国的一些画家，在民主主义思潮影响下，创作了许多具有现实意义的写实主义作品。成立于19世纪下半叶的巡回展览画派，集聚起俄国写实主义美术的佼佼者，在俄国美术发展中产生了重大影响。克拉姆斯柯依(Ivan Nicolaevich Kramskoy,1837–1887)是巡回展览画派的创立者，也是激烈反对美术学院陈规的画家，肖像画最能体现他那细腻的写实风格，《列夫?托尔斯泰像》(1873)和《无名女郎像》(1883)就是他颇为成功的作品。俄国19世纪最伟大的画家列宾(Ilya Efimovich Repin,1840–1930)。是位深切关怀俄国人民命运的艺术家，这从他的成名作《伏尔加纤夫》(1870–1873)，代表作《库尔斯克省的礼拜行列》(1880–1883)。列宾刻画人物性格的惊人才能和他运用色彩造型的功力。在美国现实主义画家中以荷马(Winslow Homer,1836–1910)和埃金斯(Thomas Eakins,1844–1916)最为著名。荷马的作品充满着勃勃生气。笔触奔放、色彩明快、洋溢着激情的《湾流》(1899)仿佛是美国人力量的体现。埃金斯的画法，更为沉稳细腻，对光线的微妙变化也更关注，《单人划艇中的马克斯?施密特》(1871)为其代表作。

英国拉斐尔前派：成立于1848年的拉斐尔前派，目的是要反对英国的学院派传统，反对浅薄的绘画，使绘画具有拉斐尔以前那样的纯朴风格和道德内容，能发挥改良社会的功能。他们强调根据自然创作的重要性，但是他们并没有像同时代伟大的法国画家那样成功。亨特(William Holman Hunt,1827–1910)是拉斐尔前派的领袖，他的《觉醒的良心》(1852–1854)显示了拉斐尔前派的特点。罗塞蒂(Dante Gabrie Rossetti,1828–1882)或许是拉斐尔前派中最有特色的画家。他是一位杰出的诗人，抒情诗人的气质使他的作品具有了一种颇为动人的梦幻般情调。不拘成法、单纯而又奇特的《圣母领报》(1850)，于宗教情绪中揉入了对性爱的迷恋，体现出他艺术的基本特色。

印象主义美术：印象主义美术，始于19世纪60年代，到70、80年代达于鼎盛时期，它继承着库尔贝等前辈让美术面向当代现实生活的创作态度，使美术作品进一步摆脱了对历史、神话、宗教等题材的依赖，使绘画脱离了讲述故事的传统方式。为了生动再现亲眼目睹的日常生活景象和自然风光，印象主文画家大胆抛弃了长久受到公认的创作观念和程式。他们纷纷离开空气沉闷的画室，走上街头，奔向海滩，进人原野和乡村，凭自己的心，用自己的眼，感受摄取丰富多彩的新鲜事物，以直接写生的方式捕捉种种生动的印象，描绘大自然中千变万化的光线和色彩。文艺复兴以来确立的不少法则被他们推倒，内容和主题不再重要，关注点转到纯粹的视觉感受上，转到光色上。对他们来说，风景之美不在于名山大川，而在于阳光照射下普通场景的色彩变幻。他们的探索，使美术靠近了它的本体，从这种意义上看，尽管印象主义者并没有抛弃再现的传统，却使现代美术距我们更近了。印象主义美术运动遍及欧美各地，但在法国，它获得了最为辉煌的体现。谈到印象主义，人们首先就会想到一系列法国美术家的名字。在现代，他们的作品仍是最受欢迎的艺术品。