罗斯马利·蒂茜直到现在83岁，仍在为城市设计付出心力。

如果用瑞士风格来定义她的作品，未免不够全面，因为她的作品大多过于抽象，但她的作品也非常的瑞士化，不会被误认为是其他风格。

从海报到钞票，从教科书到字体，从标志到完整的视觉识别，她的作品跨越了无数领域，至今仍是世界各地设计师们的灵感来源。

年轻时的罗斯马利·蒂茜

罗斯马利·蒂茜 （Rosmarie Tissi）1937年出生于瑞士苏黎世，毕业于苏黎世应用艺术学院后，就职于瑞士著名设计公司Odermatt，工作四年后成立了工作室O&T。

作为一名女性设计师，直到83岁她仍致力在设计城市创新领域付出着。

“我的设计总是精雕细琢，只运用少数元素，玩弄比例和空隙。”

Tissi从小就对化学很着迷，但她的个人发明却在纸上进行。在苏黎世应用艺术学院毕业后，她加入了一家设计咨询公司，但这份工作并没有提供太多的创意挑战。

所以她开始另外寻找新的地方，于是就这样她遇上了Sigi Odermatt。

当时，她以大胆的风格和对设计规则提出质疑，在业界开始了声望。她开创了具有自己个人的新鲜的视觉效果、独特的比例和非教条式的思维。

她有次受访时聊到：“我自己的风格本身并不是目的，我的作品专注在客户的目标，也专注于观众的审美趋向。”

成为AGI与ADC的会员后，开始在世界各地举办展览和演讲。

联邦授予Tissi瑞士设计大奖，以表彰她的工作和事业的重要性，以及对女性平面设计师的开创性影响，为20世纪平面设计史投入卓越的贡献。

在美国与日本众多藏品博物馆中，都有她的代表作。

“用玩乐的方式、对强烈的色彩对比、字体和几何形状是她的热爱也是标志”

Tissi的风格在她的职业生涯中一直在演变：从基于现代主义网格规范的纯粹功能性，到生动的色彩、奇特的比例和实验性的布局，都能看到她非常个性化的设计。

她让字母互相翻转，并通过玩转字母之间的正负空间，来创造字母形象。

后来，她创造了自己的字体《Mindanao》，以折叠纸制作的字母为基础，强调字体的物理关系。

六十几年来，她的作品的新鲜感与原创性仍然不减，虽然头发已白，她仍然在她的设计领域为创新付出着。

当你没有灵感时，不妨看看Tissi用玩乐的方式、对强烈的色彩对比、字体和几何形状的设计作品，相信很快就能勾勒出自己的新想法！

Tissi说：“我从不拒绝任何工作，但我也致力于寻找更有意思的工作观点。”

原文：设计IN台湾

大黑大悟作为日本年轻设计师中的黑马，设计眼光可以用“老辣”来形容。单看他的名字就有一种大彻大悟的感觉，好像天生就具有一种洞悉本质的能力。

大黑大悟认为，“简约设计是一种找出本质的能力，而不单单是一种表现外观的视觉技术。也就是说，要做到简约的设计，必须要在设计过程中勇于摒弃多余的、次要的元素，依靠自身审美去选取真正重要的要素。”

大黑大悟还认为，设计不需要滔滔不绝地表述，而是要创造一个契机，通过一个点去引发别人的兴趣，是一种更具挑战性的方法。

大黑大悟还认为，重要的不是点子，而是最后的画面是否令人愉悦。即使列出100个正确的道理，却不能好好表达，反而会给事物蒙上一层阴影，变得更难看清。

所以做设计就是：既要懂逻辑，又要有方法，既要有方法，还要会表达。做设计太难了。

大黑大悟1979年出生于日本广岛县，很小的时候母亲陪着他阅读了大量的图画书，书中丰富多彩的世界对他的影响很深，大黑大悟觉得那就是他的平面设计启蒙。

除了母亲的功劳之外，大黑大悟还有一种与生俱来的好奇心。

学生时期的大黑大悟经历过一次印象最深刻的旅行，为了满足对这个世界的好奇心，他第一次自己坐着电车在日本漫无目的地游荡，逼迫自己主动跟身边的乘客尬聊，这种好奇与紧张交杂的感觉至今令他记忆犹新。

大黑大悟认为，对于大部分人来说，好奇心常有，但是紧张感是只有新手才会有的感觉，随着经验的增加紧张感会消失，而随之消失的还有对事物的敏锐。

△ 金泽美术工艺大学

大学时期大黑大悟就读于金泽美术工艺大学，他从同学那里得知了日本设计中心的存在，并立志要进入这家公司，2003年毕业后，大黑大悟顺利进入了日本设计中心原研哉设计研究所，8年后创立了自己的大黑设计研究室。

2009年至2012年，大黑大悟担任了无印良品全球圣诞活动的艺术总监。每到圣诞节的时候，都会走一波活动。

上面的海报都是由100个真人演员协助拍摄制作的。2009年，大黑邀请了这100人穿上统一的红色服装，跟着音乐的节奏不断变换位置，组成各种图片和字母的形状，传达出圣诞节的温暖与乐趣。

小图有点密集恐惧症，但如果在学生时期你有在运动会上表演过团体舞，那应该对这种形式有更深的理解。

2010年，大黑使用了与圣诞气质很相配的蜡烛来营造圣诞氛围，从图片中烛光摇曳形成的斑驳感，应该能看得出，这些蜡烛都是真实拍摄的。不仅如此，大黑大悟还运用大量的拍摄制作了一支定格动画，拍摄如此大规模的蜡烛难度是可想而知的，毕竟它们会灭。

我截取了视频中的一个片段做成了上面的动图，原视频中动画是紧扣音乐节奏的，场面极度欢乐。文章最后我会附上工作室的链接，有条件的强烈推荐看一下，妈妈会问你为什么跪着看视频。

看到上面这个海报，你的脑中会不自觉地响起粉笔在黑板上写字的声音么？当然，我指的是悦耳的那一种。2011年，大黑大悟使用了声音这个概念，他将无印良品的产品在使用过程中发出的声音清晰地记录下来，类似于近几年大火的ASMR，并剪辑成一条节奏感极强的视频，看过之后只能用四个字形容——引起舒适。

因为这一年的主题是“市场”，用这个方法既展示了自家的产品，又通过欢快的合奏烘托了圣诞的气氛，同时也将一种令人愉悦的生活方式传达给你。

这个项目是大黑大悟最受关注的设计之一，在这个案例中你能够感受到最典型的日式美学。

椿山庄建于明治时代，是日本著名的历史保护公园。园中的历史性建筑“三重塔”在2011至2012年迎来了百年一遇的修缮，并邀请了大黑大悟为开工典礼做视觉设计。

大黑大悟用高度凝练的三个红色图形概括出了三重塔的视觉特征，除此之外没有任何藻饰，干净利落，颇有禅意。版面中的空白是留给你的空间，你可以以任何方式去解读，就像是佛教中的一片叶子。

书中使用精细的线图和文字，用最简洁的方式让读者能够纯粹地欣赏宝塔的结构之美。

一年后的落成典礼，佛魂被请回三重塔，此时三重塔的符号由红色转为金色，象征着三重塔“金身重塑”，而所有宣传品的配色也由黑红转为黑金，使整个项目从开始到结束有着一脉相承的延续感。

此外，伴随三重塔的翻修完成，大黑大悟还制作了两本书籍《椿》和《历史》，详细介绍了椿山庄的历史、文化与自然。这套“椿山庄三重塔视觉形象设计”将简洁与雅致发挥到了极致，很好地展现了日式美学的追求，令人过目难忘。

武藏野美术大学是日本排名前三的艺术类高校，每一年都会发布海报等各类宣传品。从2011年起，大黑大悟开始担任这一项活动的艺术总监，发布了一系列广受好评的作品。还记得前文大黑表达过的观点么？“设计要传达文字所不能表达的意思”，这个案例就是一个很好的体现。

以上是2012-2014年的海报，这三组海报的主题分别是“扩散”、“凝聚”和“融合”。这三个词表述的是三个动态的过程，而非静止的状态，你能从画面中感受到这三个词所表达的感觉么？如果能的话，可能这几组作品的目的就达到了。

大黑大悟认为，设计可以不局限于让观者拥有某种“理解”，能够单纯地让观者拥有某种“感受”，那也是一种设计。

我还发现了一个神奇的视错觉，把这几张海报以渐隐渐现的方式循环播放，还真出现了动态的扩散效果。

2016年这组海报的主题是“个性”，你看不到这些人物的脸，也不用理解他们由不同图形组成的身体代表什么，你只需要直观地感受他们的个性就可以。

绿头发的文青，粉头发的朋克，蓝头发的搞科研，橙色头发爱打麻将，青色头发可能是高三班主任。当然这只是我的个人感受，每个人都可以有自己的感受。说不定你还能将海报与身边的人联系起来，当你在看某一张海报时觉得这张画的就那个谁，也说不清为什么，就是一个直觉。

Pristine是一个有机棉品牌，由于有机棉本身精细的质地和微妙的色调能够最好地传达棉花的品质，因此Pristine的品牌设计尽力去除过度的装饰，专注于展现材料本身的魅力。

产品包装仅使用小尺寸的卡片或纸带印制基本信息，以求最大限度地展示产品本身，让顾客直观感受产品的品质。当所有产品被集中排列起来时，你看到的将是一片巨大的有机棉田，而不是一堆包装。

其中棉线团的包装更是采用了纺织过程中产生的废布料，充分体现品牌的环保意识。

男装系列的包装区别于儿童与女性，采用了淡淡的灰蓝色调，手绘插画部分也改为纯黑白，以此来体现男性特质，同时又不会脱离品牌的整体风格。

在品牌宣传品上，这次的设计同样有非常多的小巧思，名片的包装采用了品牌生产的棉布，信封状的传单打开后，里面有不同产品的布料小样，这些都是为了让顾客直接感受有机棉的品质。而且宣传用的卡片还可以用作书签，而不必被丢弃。总之我在街上收到这样的传单我不会到处寻找垃圾桶，所以说创造美也是一种节约。

这个项目是受日本政府委托，推广国内23个半岛地区。根据定义，半岛几乎被水包围，因此拥有一个得天独厚的环境。海滩、村庄和山脉都聚集在同一个区域。同时，在历史上半岛一直充当着日本的门户，丰富的混合文化也体现了半岛的特色。这个项目是一个重新审视半岛的定义、价值和未来的契机。

大黑大悟将一段半岛的轮廓线与文字结合制作了这个标志，非常直白且表现形式也极度简洁。但简洁不代表简单，“推广半岛地区”这个主题其实非常广泛，涵盖了地理、历史、文化等方方面面。但是是什么造就了半岛与内陆的种种差异，归根结底还是半岛的地理特性。大黑大悟的标志中这一小段曲线，正是一切的源头。

化繁为简的过程不一定是舍弃，越是复杂的状况越要抓住事物的核心，我认为这个项目完全可以体现出大黑大悟作为一位顶级设计师的实力。

不同的轮廓线搭配不同的文字主题，让这个标志系统有了无限的延展性，使标志的潜力随着项目的发展而扩大。下面是2011-2014年间举办的三场不同的半岛主题的展览。

2011年的主题是“发现、学习和谈论半岛”。本次展览制作了关于日本半岛各地区的地理位置、概况和独特事件信息的笔记本，它的出版旨在展示日本半岛迷人的隐藏丰富性，唤起人们的求知欲，并使观众对半岛地区产生了更深层次的兴趣。

2013年的主题是“半岛与人”。展览采访并拍摄了从北端北海道到南端九州的全日本半岛居民。无论是脸上有着像历史一般深刻皱纹的渔民，还是与周围的自然环境和谐共存的孩子，半岛上每一个普通的居民都是这次展览的主角。

2014年的主题是“半岛与厨房”，这一次展览呈现了日本美食文化的多样性。到日本各地旅游，食物的主题总是最能引起人们讨论的话题。人类自然对食物充满强烈的好奇心，在半岛上，日本的饮食文化仍有最深厚的根基。其实不管在哪儿，只要你展览美食，就永远不会缺少观众。

畏严吾我想大家多少都有听说过，他是目前世界上在世的最伟大的建筑师之一。他最经典的设计语言就是将木方反复堆叠形成的类似百叶窗的建筑结构，又或者是更加夸张地堆成摇摇欲坠分分钟要塌的效果。

本次中国展的视觉由大黑大悟负责，他就是提取了这一经典设计语言的视觉特征来完成这次的设计。

这一设计的巧妙之处在于，它既是畏严吾风格在视觉层面的凝练，又符合展览的主题“隙间”，也可以说畏严吾式设计的灵魂就在这空隙之间。更妙的是，空隙的加入让这个设计伸缩自如，自然就能够适应各种大小不同的型材。

因此，这套视觉系统不仅在视觉上还原的了畏严吾的设计，同时这套系统的应用本身就是将畏严吾设计的功能性在平面世界中的完美展现。

△ 清里烧酒酿造所

北海道清里烧酒产自日本唯一一家由当地政府经营的烧酒厂，这家酒厂坐落在北海道的清里。1975年，这个小镇的居民创造了日本第一款土豆烧酒。2014年，为了让清里烧酒获得全世界的认可，以促进清里成为一个为人熟知的文化农业村，清里烧酒的概念和设计全面更新。

为了设计出被当地居民所认可的能够代表其文化的品牌形象，大黑大悟花了整整两年时间去深入当地人的生活，了解他们的文化。最终开发出了“世界、北海道、清里”的宣传口号，并形成了上面这款标志，它代表着“自然”、“农业”与“人”。

瓶身设计采用了一种自然的流线型，容量由日本烧酒常用的780ml改为国际通用的700ml。三款烧酒的颜色分别取自自然中的水（透明色），雪（纯白色）和木（金色）。其中雪白色的瓶身采用了一种雾面无光泽的处理，使它的观感和触感都很特别。虽然你摸不到它，但从图片里还是能够感受到它不逊于北海道雪景的美。

这个项目最特别的部分是，提案过程采用了罕见的开放提案的形式，公开召集了近150位当地居民来听取意见，因为大黑大悟认为，当地人才是最了解清里烧酒的人，大黑称这次设计的最终形成是当地所有人努力的结晶。可以说这次品牌更新不是一次简单的包装设计，而是在全面打造清里的地方文化及巩固当地居民的文化认同与自豪。

在东京边缘的八王子市，海拔599米的高尾山，据说是离一座城市最近的山之一。在它的脚下矗立着高尾599博物馆，大黑大悟是这座博物馆的创意和策划总监。

海拔599乍听起来好像有点不太厉害呢，我们国家能排得上号的名山海拔怎么也得一千起步。但是也别小看这599，由于地处暖温带和冷温带气候的交界处，高尾山独特的生态系统使得两种气候带的植物在此混杂生长。目前山中已确认的植物种类多达1600余种，相当于全英国的野生植物种类之和。同时还有超过5000种昆虫和150种野生鸟类。高尾山每年会迎来300万登山者，是世界上游客最多的山，观光量是日本最负盛名的富士山的15倍。

大黑大悟为了让世人认识到这座山的魅力，果断把599放在了标志中。而且高尾山的特点是虽然不高但是底盘很大，大黑将它简化成一个扁的三角形放在了599的上面。这一案例的标题中已经提到 “综合设计”，因此标志设计只是其中的一部分，599这个数字将会贯穿整个项目的每一处，成为高尾山最醒目的名片。

为了能让高尾山这个项目更广范围地传播，大黑的设计需要触及到展览、游客服务、网站甚至建筑等方方面面。博物馆整体分为三个部分“NATURE WALL”、“NATURE COLLECTION”和“599 Guide”。

NATURE WALL是一个20米宽的白墙，有山毛榉树的浮雕和高尾山的真实动物标本。但是关了灯投上影，这里就变成了一个剧院。描绘高尾山四季的动态图像被投射到墙上，美丽而幽默地展示了自然的感官和科学魅力。

NATURE COLLECTION是将高尾山的植物固封在丙烯酸树脂中制作的一个植物展。由于高尾山随着四季的变化会有各种不同的植物交替生长，游客来到高尾山没办法同时领略它们的美是很遗憾的，因此举办了这个展览，同时作为博物馆，你可以在这里认识高尾山的每一种植物。

599 Guide为游客导览的部分，将鼯鼠作为高尾山的吉祥物，通过动画的形式为游客展示，方便游客理解。同时网站作为游客了解高尾山的重要途径，也是属于本项目的设计内容。

为了避免枯燥，网站采用了大量的插画以及动态的交互方式，站内会有很多与鼠标互动的小细节，希望游客在点击的时候感受到这种乐趣。

为了配合这一切的有趣，高尾山博物馆使用的字体也经过了重新设计，其中大写Q和小写g的细节调整非常明显，当然其他字母也都经过了调整，仔细观察你会发现，许多细节部分生硬的直线被改成了曲线。

这样做可以减少人工的痕迹，与自然界普遍存在的有机曲线更相称。

同时，景区图标的设计也做到与文字风格相搭配，共同营造高尾山项目的气质。

在高尾山的众多礼品设计中有两个是格外需要介绍一下的，一个是“599 book”。

这可以说是一本百科全书，记录了高尾山的一切，这本书厚达300页，内容与设计都极其精美，完全可以作为关于高尾山的文献资料出版，而不只是一本纪念手册。

高尾紫罗兰和樱花，它们两个被选为当地的代表性花卉作为纪念品出售，也就是说你可把展览中的两种花带回家，不过看起来很贵的样子。

这是一个用当地木材制作的捐款箱，你可以献出自己的爱心为高尾山自然保护尽一份力，同时博物馆纪念品收入的10%也会用于这项工作。

有关于环保是如此大型的自然开发项目中必然会遇到的现实问题。高尾山的开发项目曾因当地居民的反对而陷入停滞，大黑接手之后，他将整个项目的开发过程和结果一点一点地画给当地人看，让他们了解到项目是如何珍视高尾山的生态，而不是以牺牲自然为代价。最终项目得以顺利开展，经过整整四年时间才最终落成，并获得纽约 ADC 2016 环境设计项目金奖。

Dear Mayuko是一个倡导生活方式的化妆品和美容品牌，以使用谷蛋白（一种在蚕茧中发现的天然保湿成分）而闻名。大黑大悟负责整个品牌在创立时的方向和设计，以及指导从商标、包装、店面、促销工具和广告等所有项目。

他将品牌的洗护用品所换起的蓬松的、起泡的、丝般的、有光泽的感觉描绘成各种各样的圆形，这些圆形就来自蚕茧的形状。

广告图片想要展现一种空气感和透明的感觉，以传达Dear Mayuko渴望拥有的“纯真的”放松的皮肤理念。

我觉得作为护肤品牌，产品外观设计成这样很难不戳中美少女们的心，种草和下单就是最好的选择。

再看一眼店面，如果不差钱的话，整个店都想盘下来。

店铺跟外包装设计都采用了浴室瓷砖的概念，125mm x 125mm的网格模式可以将各种不同的材质都统一在一个风格之下，让这个店铺里的一切都毫无违和感。

越乃寒梅是Ishimoto清酒酿造厂的招牌产品，日本最负盛名的清酒之一。

越乃寒梅的意思是指经得起寒冬的梅花，因此标志由象征雪花的六边形和象征梅花的圆形切割而成，这是一个典型的格式塔原理的应用。这里的六边形和圆形都不是生硬的几何图形，细节部分经过了手工感觉的处理，使这六条边的造型与中心的毛笔字和谐一致，极具文化感。所以刚开始我还以为这一圈是六个“一”。

“灑”是品牌时隔40年推出的第一款清酒新品，专为年轻客群创造的味道。外观使用了充满活力的蓝色酒瓶和日本传统的浅青色酒标来体现这种新鲜清淡的感觉。在设计上与同系列其他产品既有统一又有明显的差异性。

同系列还有“無垢”、“特撰”和“特釀酒”三款，其中“特釀酒”的配色采用了金色，酒标的设计也略有不同，更具高级感，可见它是更贵一些的，但它不是最贵的，最贵的在下面。

品牌110周年纪念酒，限量3900瓶。贵到尽头就是洗尽铅华的白，白到连名都看不见。大黑大悟为了体现这种安静的美丽，在酒标设计上采用了光泽压印的工艺，远看似有若无，凑近了才能看到每一处精致的细节。

这一款瓶身设计与中国古代文人对于梅花高洁不争的诠释有着异曲同工之妙，王安石的《梅》中有一句，“遥知不是雪，为有暗香来。”

指路一下大黑工作室的官网，里面有一些视频，有条件的同学可以看一下。

http://daikoku.ndc.co.jp/

原文地址：研习设（公众号）

勝井三雄の光的艺术

Mitsuo katsui

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视觉共振・胜井三雄展《色光的房间》

胜井三雄先生，1931年出生于日本东京，1955年毕业于东京教育大学。武藏野美术大学教授、日本平面设计协会（JAGDA）会长，国际平面协会会员、东京艺术指导理事、纽约艺术指导俱乐部会员。曾获得JAGDA龟仓雄策奖、东京ADC会员奖、纽约ADC金奖、布尔诺国际平面设计双年奖等多个国际奖项。近年还担任参与了2020年东京奥运会、残奥会标志评选委员。

胜井先生是日本现代最具代表性的设计师之一，一生致力于开拓平面设计的新领域。不断研究随科学进步计算机等新媒介与平面设计的新结合，其最主要的设计核心手法是使用“光”，陶醉于新技术与光之间的融合过渡。

（A fragment of Light poster）

胜井三雄通过计算机借数字化新技术来完成实现作品，善于将光的色彩作为设计语言。对光的色彩的驾驭可以说是无所不通 ，并且具有强烈的他的个人识别风格，哪怕是几十年后来看，也会觉得是当代之作～

1.别具一格的“光”的运用

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（AGI JAPAN系列海报设计）

学生时代的胜井先生就痴迷摄影，对相机成像里变幻莫测的色彩光线与黑白照片中的光影对比产生里浓厚的好奇。在不同颜色之间运用渐变构成手法，对色彩的微妙把控得十分到位，利用计算机技术创造出梦幻般的效果。往往会给人神秘且变化莫测的情境感受。

（森泽字体公司设计的系列海报）

在六十年代科技高度发达发展的社会里，设计的媒介应用也得以迅速成长，胜井先生为森泽字体设计的文化论坛上说道：“设计没有被当作是一种共通的工具来看待，而更像是从各种源流中派生出来的、创作手法和风格各异的艺术形式，我觉得海报也好，标识也好，跟平面设计有关的所有创作都不应该被当成单一件作品来孤立地看待，而是应该放在时代背景或者技术发展的大流中来看。”

从早年，计算机时代还没有问世之时，胜井先生就在考虑未来设计随着科学技术的高度发展而变迁，早在学生时代，胜井先生就在时时关注发展趋势随之和他的“光”的结合。当他的同学们还在靠笔来完成正常海报与标志之时，胜井先生就对他的同班同学说“将来的设计一定是不需要靠笔来完成，而可能是靠某种媒介应用与设计思维的碰撞就可以迅速完成的”

（Visionary∞Gene海报）

（印在丝网上的标记图案）

（Pattern by marker printed on silkscreen）

向井先生曾经评价胜井三雄说：“胜井三雄所有的设计作品，向我们展示了对设计构成系统的再构筑和传达方式的新的地平线。这种对于设计的态度，也就是卓越的现代设计的根本原理、方法意识之核心。”

2. 热爱使用几何学与心理学结合创作

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胜井先生本身毕业于东京教育大学 艺术学科里的构成专业，自然对构成有实打的烙印基础，除了他善于使用计算机技术和现代印刷术的结合制作出幻化的“光”以外，他还善于使用通过几何学原理与人的心理学进行结合创作。

(Poster for the 3th for Toinsho Student Design, 1967)

（Traditions and new techniques poster. Mitsuo）

（Poster for Inter Design Kyush）

(The 11th Tokyo International Print Biennale Poster, 1979)

(Poster for the First International Poster Triennial in Toyama, 1985)

胜井先生的几何学的错视和因色彩对比所造成的错觉，也就是看到某个图形时，常有感觉与其客观大小、长度、方向等不同的现象。它能带给人们不同寻常的视觉感受和体验，达到艺术或者类似魔术般的效果。使用错视原理与渐变构成将作品展现得淋漓尽致。

（勝井三雄展 色光の紋章 SEQUENT SIGHT）

（勝井三雄 VISIONARY ∞ GENE+m）

（「兆しのデザイン」展览及展览别册）

（NOH 能, 海报设计）

构成形式也非常独特，使人充满详想象空间，色彩应用巧夺天工，绚丽多彩，利用计算机技术所做的晕色渐变幻化美妙；还有充满禅宗意境的神秘，令人心旷神怡，略有瑕疵的意蕴和形式美让人体会到了浓厚的大和文化气质。

（YURAGI and YURAGI）

3.视觉共振・胜井三雄

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视觉共振・勝井三雄展海报

视觉共振・勝井三雄展是胜井三雄生前举办的最后一个展览，其展示了胜井先生1801-2019胜井三雄设计史优秀作品。在这个区域，将胜井三雄的思考轨迹以年表、对他有影响的书物等方式展示出来。

视觉共振・胜井三雄展《色光的房间》

没想到此次展览就为胜井先生人生当中最后的一次展览，展览在去年4月份开馆，而胜井先生于8月12号因胰脏癌在东京的家中不幸去世了，享年87岁。

作为日本探索数字设计表现的开拓者，从上世纪80年代起就致力于将计算机制图引入设计制作中，将数字化技术和色彩丰富的视觉表现结合，以其新颖独特的色彩运用。回首再看他从事的60余年设计作品，不管是上个世纪的还是如今的，光看作品其实都很难区分开是哪个时代设计的。其主要原因就是因为胜井先生对新技术与设计的结合嗅觉非常的敏感，电脑不仅仅是工具仅此，展示的媒介也是数字化的。他的设计与新科学技术的发展是一直与时俱进的。将日本传统文化和现代计算机技术相结合，向世界展示了日本设计，他勇于创新，无论在理念上还是新技术的运用上，都走在了日本平面设计界的最前沿。

直到去年，这位87岁的爷爷去世前，仍还以设计师的身份探索着继续创新。本是已到可以退休安享晚年的他，还这么依旧创作精力极其旺盛，是什么让他这样的年纪还忙活于设计呢？除了热爱，你觉得是什么呢？

其他海报作品

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文章来源：

高桥善丸（Takahashi Yoshiharu）1952年出生于日本富山县，1974年毕业于大阪艺术大学，1984年成立了广告丸（Koko Kumaru）工作室。关于高桥善丸的生平经历就这么多，接着我们直接进入正文部分。

汉字，在亚洲范围内广泛被使用，与英文或者韩文等表音文字不同，汉字是现在世界上唯一仍然被广泛使用的表意文字，所以阅读汉字可以更快地理解文字的意思。那么汉字这样一种具有先天优势的优美文字，是否还有设计的必要呢？我们来看看高桥善丸的看法。

为了解释这个说法。高桥善丸画了一个图注。好看的字体应该包含了三个维度，分别是创新性、情感属性和功能性，创新性和情感属性越强，文字的个性就越强，而功能性越强，可读性就越强。

当我们在看书的时候，我们阅读大量的文字也不会感觉到吃力，因为这些文字是满足功能性的字体，这样的字体毫无疑问是优美的，笔画与笔画之间的负空间均衡分布，并且文字之间非常的统一，整齐排列会让人阅读起来十分的舒适。

可是这种毫无变化的美感也会让人感到无聊甚至感到距离感。如果我们在书籍的封面上使用这样的文字，这本书很可能压根就不会吸引到我们的注意，更别说翻开这本书去阅读书内的优美文字了。例如高桥善丸的这本书，左边用的是可读性非常强的字体，而右边则是个性化的字体，你会选择哪一本？

所以高桥善丸认为，为了让文字更有个性和更吸引人的注意，有时候我们需要刻意地去打破文字的平衡结构，追求一些新鲜的表现方式。

但是，打破秩序这件事情也必须是在秩序存在的前提下才能够成立，如果为了追求个性把文字的秩序完全破坏，那么这个文字还能算是文字吗？也就是说我们在做字体设计的时候必须保证一定的可读性，不然文字再具有个性也是意义不大的。

那么我们具体应该怎么进行字体设计呢？我们来看看高桥善丸的六个设计方法（针对logo、标题字等几个字的文字组合，而非正文字体）。

在汉字形成的过程中，从隶书开始，汉字逐渐形成以横画和竖画为主体的文字，因此大多数的汉字都能很容易地在网格的基础上进行设计。在西文中，大写字母的结构也比较接近网格横竖的构成，而小写字母或者日文中的平假名就相对比较难受了，他们包含了许多的曲线和圆，更偏向于手写一些。如果要用网格来设计他们难度会比较大。不过难度大就避开吗？当然不，高桥善丸认为正是因为如此有难度，所以一旦克服了这个难关，设计出来的文字将会变得非常的具有创造性。

法善寺位于大阪道顿崛里的旧胡同街，是著名小说《夫妇善哉》的故事发生地点。2003年法善寺遭遇大火，大部分的地方都被大火毁去。许多人对此感到十分痛惜，并且呼吁对法善寺进行重建，而这张海报则是高桥善丸为呼吁重建而设计的运动海报。

海报中法善寺这三个字是通过网格搭建出来的，所有的笔画都被处理成横画和竖画。处理完之后，高桥善丸发现这三个字中横线特别的多，所以将法善寺这三个字进行横向的延伸，这样文字的视觉张力就强多了。

这个logo高桥善丸依旧是采用网格制作，然后他将字母“g”的下部用比较缓和的曲线代替。另外由于wings是翅膀的意思，所以高桥善丸在“w”的一侧加入象征羽毛的曲线色块，同样，“i”上方的点也是用这样的曲线色块代替，与“w”上的羽毛进行呼应。通过坚硬的网格骨架与柔和的曲线羽毛进行对比，能让朴素的机关杂志也能产生时尚的气息。

婚胜是一个为了保护传统产业的促销企划。由于现在的人普遍使用调味料，越来越少通过海带和鱼干来烹饪汤汁了，导致了海鲜与海带的销量大大降低。为了促进销售，启动了“婚胜”的企划。由于昆布鲣鱼汤是日本的一个灵魂料理，可以说是绝妙的搭配。所以聪明的鱼商将昆布和鲣鱼与情侣进行类比，将它们包装在一起，盒子设计为神社祈求良缘用的纸币。这样“婚胜”就成了一种祈祷美好婚姻的礼品了。

说了这么多，我们还是来分析一下“婚胜”的这个logo。最初通过网格设计的字体会显得十分僵硬，特别是“日”、“月”的部分，难以和美好的爱情联系在一起，所以高桥善丸将“月”字旁、“女”字旁都加入了柔和、流动的曲线，这样更符合细水长流的爱情的气质。并且将“婚”字中的“日”字用心形代替，这样更能呼应主题。

第二点指的是在网格的基础上，加入部分线条。而高桥善丸总结的第三点可以算作是第二点的升级版，完全使用有机的曲线来构成文字，连文字的骨架也都是用的曲线，这样能让读者强烈的感受到曲线带来的温度。但是，当文字完全使用曲线构成时，文字的造型会变得非常的不稳定且难以控制，所以在设计的时候，很有必要设置一些隐藏的规则去规范文字的造型。当我们设计多个文字时，这种规则的设置最好能够是连续且统一的，这样能让多个文字存在共性与秩序，从而产生稳定的感觉。是不是觉得有些难懂？看看下面的例子就明白啦！

这个彩虹手巾为了纪念在大阪·中崎町开店而特地设计的一款手巾，它采用了“注染”的传统技术。高桥善丸为了营造欢快轻松的氛围，特地设计了雨滴一般流畅的彩虹曲线。而字体上也与雨滴曲线进行了统一，采用了纵向自由延展的曲线骨骼。可是光采用曲线骨骼很容易造成文字的不稳定，所以高桥善丸将中、口和田字替换成了雨滴状，增加文字之间的统一感，并且也与雨滴曲线呼应上了。

mimesis是一本插画集，我们看封面，是一个小女孩撩起了半透明的蕾丝裙子。而高桥善丸设计这个字体就是为了模拟蕾丝的裙子，文字的下半部分变成了曲线，就像是蕾丝裙子的裙摆在随风摆动。

这是一个以水都大阪为主题的展览。

“水”字的笔画原本是往外伸展的，而这里高桥善丸将“水”的笔画往内收了，处理成水瓶的样子，呼应水都的主题。而“都”字中的“日”被处理成水的漩涡，也是为了点题。然后“水都”两个字整体都是圆形的造型，让两个字有统一感。

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新村则人先生出生于一个小渔村，继承了渔民身上特有的敦厚，这一点从他的面相上就看得出来。但你不知道的是，在这张朴实的面孔下隐藏着一个拥有巨大创造力的手工狂魔。

「真实感」是新村则人在设计中永恒不变的追求，为了在设计中表现出真实的质感，他会做出许多你无法想象的惊世之举。下面是他为日本杂志《野性时代》设计的一组海报，我们来感受一下这种疯狂。

在这张海报中，新村则人将几张印有文字的宣纸重叠在一起，再刷上一层水，使宣纸变得透明，下面的文字就会从不同层数的宣纸后面透出来，呈现出深浅不一的视觉观感。虽然这种层次感用软件可以轻易实现，但在细节与质感上与手工制作有着云泥之别。

这幅海报是他花了十个小时，用真实的算盘珠拼成的，个别珠子上微妙的小偏差可以透露出这不是一张电脑制作的图片。

你猜往墙上贴一万张便签纸需要多久？答案是15个小时。我在想如果是我贴完了这张海报，后退三步观察一下，发现配色不太理想，我应该会真实的死亡。除此之外，他还用了拧气球和刺绣等方法制作了一系列的海报，着实是一个多才多艺的手工小能手。

为了追求真实的效果，诸如此类的爆炸行径后面还有很多，而且会愈演愈烈，甚至达到了「以真乱假」的地步。比如下面这张。

△ 银座ggg展海报（2010）

当我看到船上有一棵树的时候，我的第一反应是照片合成，但这一棵是新村则人放上去的。若要颁发一个全日本「最实在设计师奖」，我推新村则人，你也很难找到第二个能与他抗衡的入围者。

新村则人认为，有些年轻的设计师会苦于没有灵感，其实只要平时注意从身边找到自己喜欢的东西就行了，只要你对其产生热爱，在设计中就会很容易找到契合点，并设计出只属于自己的东西。属于自己的好的创意，往往能填补技法水平不高的劣势。

我觉得他的意思是，设计讲究的更多是想法而不是技法。再通俗点就是，你也不会用PS么？那我们一起来做手工吧！

新村则人还说过，「我20岁那年还不知道设计是什么，做出来的东西很差劲。当然，我现在做出来的东西依然很差劲。」

这句话就很幽默了，他做很差劲那我们做的是什么垃圾，嗯？

获得奖项

JAGDA（日本平面设计师协会）新人奖；环境广告最高奖（第60/61届）；Mainichi设计奖（每日设计奖）；布鲁诺国际平面设计双年展金奖；华沙国际海报双年展银奖；登米国际海报三年展銅奖；纽约ADC银奖；东京TDC铜奖

其他各类奖项还有很多，这里不一一列举，同时新村则人也是东京TDC，纽约ADC，JAGDA等机构的会员，以及2000年富士ADC、2001年纽约ADC、2002年JAGDA等设计大赛评委。

设计师简介

新村则人，1960年5月5日出生在日本山口县大岛郡浮岛的一个渔民家庭，家中有兄弟姐妹共八个人，新村则人是最小的。作为家中的小儿子，同时又生活在海边，可想而知他的童年生活浪得有多开心。

日本的「县」大致相当于中国的「省」，山口县位于日本本州最西端，三面环海形如半岛。

新村则人的老家大岛郡位于山口县的最东边，是一个小岛，浮岛是上面更小的一块小岛，而他就是这座岛上的岛民。

为什么这么仔细介绍地理知识呢，因为新村则人出生的小渔村只有2000人，那里有最淳朴的民风，同时优越的地理位置造就了丰富的物产和优美的自然环境。新村则人常说他的灵感都是来源于生活，这跟家乡带给他的滋养密不可分。人与自然的关系是他设计中永恒不变的主题，这一点在他的许多作品中都有体现。

爱上设计与一位美术老师的启发有关，小学4年级时，新村则人受到伊藤哲老师的影响，迷上了海报艺术，並立志成为一名设计师。

他从自己的成长的环境中逐渐发现了如何寻找创意，如何让自己的创意简洁再简洁，直到小学生也看得懂。

下面是新村则人为自己家的新村水产拍摄制作的一系列海报。你能从中感受到这种简单直接的设计力量。

这一组海报是为新村水产的海鲜都打上了高级产品才会有的品牌标签，让它们看起来也像是高级螃蟹和高级鱼，以表达海鲜品质上乘的概念。

这一组的主题「网」，是新村则人在看到自己的父亲修补渔网时有感而发，生出的创作灵感。这里强调一下，本篇文章出现的所有疑似电脑合成的设计作品，都是实拍完成的。不过下面这一组海报的制作方式确实遭受过质疑。

「水滴」，新村则人曾公开解释过这组海报的制作过程，将水产上方叠放三层玻璃，每一层都用水滴滴出「新村水产」的字样，然后在拍摄时将焦面对在第二层玻璃上，就能拍摄出这样的效果。建议放大观看。所以收起你们的高斯模糊，不要对手工狂魔的实力存有质疑。

这鱼飞得这么飘逸也是实拍么？这一组的主题是「岛上的渔夫」，这些渔夫都是新村则人的亲戚。一开始我还以为他们是把鱼扬到天上，后来一想那画面太美，确实是不敢看。其实这些鱼是在游，镜头是透过一个清澈的鱼缸在拍摄，仔细看后面海面的畸变，就能发现其中的端倪。为了呈现最新鲜健康的鱼，他们带着鱼缸跟随渔船出海打鱼，在船上完成了实景拍摄。构图的话，应该是由鱼们自己把握的。

「大渔舞」，画面中心的环形水流是请了14艘渔船在海面上开出来的，放大后能看到渔船，实拍。

新村则人一直保持着一个习惯，就是将设计完成的作品第一时间拿给自己的父母过目，因为他们是纯粹的渔民，对设计一窍不通，「若他们都能理解我作品的含义，那么我相信不分职业，不同种族的人都可以理解。」 这也造就了新村则人的作品风格：简洁明了，贴近生活。

1980年，新村则人毕业于大阪设计师学院，毕业后一直在大阪工作，直至1984年加入了梦寐以求的东京松永真设计事务所。此后又先后就职于Taki公司和I&S/BBDO公司。

△ 新村デザイン事務所 Shinmura Design Office

1995年，新村则人创立了自己的设计工作室Shinmura设计公司。主要为SHISEIDO（资生堂）旗下两个品牌ELIXIR和INOUI ID从事设计，也为ZEN香水品牌担当广告设计，同时作为艺术总监担任Muji Campsite（无印良品露营地）的广告及其他工作。

作品解析

1. 百年后海考〈1997〉

这是新村则人为山口县渔连设计的一组海报，目的在于提醒人们保护森林、保护鱼类。

上面的海报是这一系列中最知名的一张。有一次新村则人从电视节目中了解到，森林采伐是海鱼减少的一个重要原因，于是他专门收集了一些树叶，把叶子放在一个空旷的背景上，末端伸出一个鱼的尾巴，乍看去两者便形成了一尾鱼的形状，形象地表现出森林与鱼类唇亡齿寒的关系。

「这是我至今为止最满意的作品，从这张作品开始，我认识到要利用身边的东西作出设计，因为熟悉，所以人们更加容易理解你要表达的理念，这样才能达到宣传的效果。」

上面是这系列中的其余几张，其实单看画面就不难理解他想表达的意思。如果还是不确定的话，再教你一招。以第一张为例，一根鱼线上面挂着几十个鱼钩，我把下面文字中仅认识的几个汉字提取出来是，「鱼的子孙」，「获」。翻译过来就是，按照这个钓法，鱼都让你们钓得断子绝孙了。是不是很好理解？后面几张你可以自己试试。

2. 全球气温上升〈2005〉

这张海报中的文字还是用上面的方法阅读，只挑你认识看就行，大概意思就是说全球气温上升的危害，它将导致海平面上升，多少陆地会消失，多少人们会流离失所。这段危害的文字还没来得及看完，就被不断上涨的水面吞没了。

这幅作品除了顶级的创意之外，也几乎是新村则人手作海报的巅峰。不用不相信自己的眼睛，这张海报是手工制作的。新村则人在工作室里特制了一个玻璃水缸，然后将文字部分一个一个剪下来放入水中等待其沉没，并伺机拍摄，就是这么硬核。

3. 山口县幼儿园〈2005〉

山口县幼儿园是建筑师窪田勝文的作品，在标志设计方面他找到了新村则人。

是不是觉得设计大师的钱好赚？但我觉得这个设计非常好，既像一个蛋，又有襁褓和保护的意思，给人一种天然的安全感，同时也符合新村则人一贯的设计风格，简单直接，返璞归真。

即便我强行解释，还是觉得画个椭圆就收钱有点坑？那你仔细观察一下，能看出它跟一般椭圆的区别么？

我在标志上面叠了一张品红色的椭圆，你会发现把圆压扁并不能与它完全重合，这个标志的曲率有经过特别的调整。

简单来说，椭圆更「尖」而它更「顿」。我觉得这会使它看起来更柔软，却又更坚固。窪田勝文在委托新村的时候还提出了另一个要求，希望孩子不要撞到门上的玻璃。于是，新村将标志延展成了一个防撞的设计。

两扇玻璃移门分开的时候是标志，重叠的时候就变成了小动物的脸。可爱么？

5. 2016奥运会「候选人档案」〈2008〉

当时国际奥委会确定的2016奥运会最终候选人有：里约热内卢，芝加哥，马德里和东京。日本的候选人档案由新村则人负责设计。

设计中采用了满满的日本特色，用绸缎将画册像礼物一样仔细包起来，更值得一提的是它使用了日本德岛的「阿波和纸」以及日本传统的装订方式。

这种装订方式最大特点我想你应该能猜到。

于是日本动员了全国的装订工人来陪他做手工。新村在为这个项目做提案的时候还紧张够呛。最终结果我们都知道了，巴西当选，日本重在参与，只能心疼两秒。

今年是2020，本是东京如愿举办奥运的大年，不料却恰逢全人类都在面对病毒的挑战，这里还是祝愿东京好运吧，希望每个人为这次体坛盛事做出的努力都不会付诸东流。

6. 森の薪能〈2008〉

在日本有一种传统的歌舞剧叫「能剧」，演员会带着面具拿着扇子，在舞台上发出一些神奇的声音，真的是非常高能。有机会你可以现场体验一下，因为我也是瞎说的，我没看过。

这一场能剧的主题是「森」，于是新村将叶子拼贴在能剧常用的道具扇子上，将森与能的概念合二为一。

7. 花束餐巾〈2009〉

一个有趣的小设计，不需要解释，看图就能秒懂。

再也用不着把餐巾费劲卷成天鹅什么的，用这个小圈一套就变成了一束野花，轻松装哔——下一个。

8. 无印良品露营地〈2010-2019〉

我们国人对于这个项目可能不太了解。在日本，无印良品除了销售生活小物之外，还拥有并经营着三个露营地，分别是新泻，岐阜和群马。专门面向家庭组织露营活动，给人们提供一个放下手机，重返大自然的机会。

作为无印良品的艺术总监，露营地项目几乎是新村则人每年一次的手工狂欢。

这组海报（2010）展示的是露营地的植物、昆虫和云。仔细观察你会发现图案的印刷上会呈现出一种自然的斑驳，同时还有明显的拼接痕迹。我知道PS的斑驳笔刷也能实现类似的效果，但新村肯定不会这么做。他采用了一种日本人用来印制传统贺卡的「丝网印」小机器。

就是这个机器，它每次就只能印图片中的那么一小片，因此一张海报需要由25片拼接而成，如果其中某一片表现得不太理想，整张海报就作废咯。所以仅仅是上面那几幅花朵的海报就尝试制作了100版。过来帮忙的大学生手指头都要折了。

由于这种印制效果新村非常喜欢，在之后的其他项目中还反复使用过。直到后来这个机器停产了，新村还为此失落了一番，幸好他还囤了不少机器和油墨。

这组海报（2012）挑战了另一种工艺叫做「蓝印」，工科转行做设计师的肯定了解，这是一种工程制图会用到的特殊印制方法，制作出来的图纸也就是我们所说的「蓝图」。当初新村看到国外有摄影师用这种方式制作图像，按捺不住的手工之魂驱使他一定要学会这种技法。这不回头就用上了么，美不美吧你就说。

这组海报（2014）的概念是用一个盒子装满露营地一年四季的时令产品，像一个大饭盒一样。你觉得这个项目的重点是什么？新村则人认为「盒子」是本次项目的重中之重，因为这个盒子它必须是什么呢？手——工——的。于是他找到了「箱作家」宇井孝先生来为他量身打造这个盒子。

盒子有了就可以等着四季轮换，装不同的东西就可以了。但是冬天装什么始终是个问题。有人提醒新村说，冬天的露营地除了雪啥也没有。

于是这个方案诞生了，就放一个空盒子在地上，等一场雪，让大自然自己做海报。

这组海报（2015）是想用木板的天然纹理来表现露营地的草原和湖泊。木板需要仔细挑选就不用多说了，染色更是颇费了一番功夫。依然有人建议新村用电脑给木板着色，但是他嫌效果太粗糙，决定自己动手染。尝试了几种方案均以失败告终，不是不够均匀就是不够透。灰心丧气之余他开始刷脸书，一不小心就勾搭上了「板染」技师清水将勇，当即决定杀去茨城县面基。最终，如愿以偿染出了满意的效果。建议放大观看。

这组海报（2016）是通过三幅插画来展示露营地的各种场景，你放大仔细看，里面有很多美好的小细节，看得我都想就地露营。这三组插画由庭野広祐创作完成之后本来就可以了，但新村觉得还是缺少一些质感。这里我知道缺少什么质感，就是缺「手工感」，他的套路我已经摸透了。新村打算将这组插画做成露营被，于是他通过出版社找到了一本叫做《摩登被子风格》的作者藤田久美子和中岛一惠，请求她们来为他制作。写到这我觉得，在日本你干啥干得好就能成个「师」，我估计我姥姥要是生在日本，现在也能是个什么匠人。最终他们花了一个月时间缝出了这三床被，你可以再看看细节，缝得确实好。

无印良品露营地在2017年迎来了20周年。新村则人就这样一年一年地关注着自然也注视着无印良品的成长。他决定用「年轮」的概念来表达这种自然的生长。图片中木材的截面是美国艺术家Bryan Nash Gill通过一种火烤的手法制作的，每一圈年轮都能呈现出丝丝分明的效果。

新村则人觉得：「乍一看无所事事的‘年轮’，不知为何传达出了自然的神秘和强大的力量。那个秘密，经过燃烧火烤，像版画一样呈现了出来。」

这组海报（2018）的主题是「山」「花」「云」「星」，我们又看到了一个新的手作质感，这个质感是新村在一本叫做《遅日の記》的诗集上看来的，他又很喜欢。正巧这本诗集是我们一个老熟人（他不认识我）做的——卖茶的葛西薰。于是新村疯狂@葛西薰，请他来一起做海报。设计大佬互相客串这种事情也是常有的。

这组海报（2019）的主题是「人在自然中再生」，新村则人回收了一些被扔掉的纸箱，利用它们制作了帐篷和山，以此来表达循环利用的概念。

以上的每一组海报都与露营地的人事物紧密相连，展现大自然魅力的同时又传达出人与自然和谐共生的主题。

9. 仙崎厨房主题车站〈2017〉

这是山口县长门市的仙崎车站，由于仙崎临近海湾，出产了许多长门市的特产，因此这个车站是以「食」为主题进行打造的。新村则人将它命名为「仙崎厨房」，但是它是个车站。

标志设计采用了一个火锅的形象，这个想法实在是意料之外，但又在情理之中。这个锅可以将长门市的所有特产例如河豚、秋葵等都装在里面，让游客最直观地了解长门市的美味，就是这么直截了当的一个思路。没有什么是一顿火锅解决不了的，如果有，那就再下一盘儿河豚。

这个车站不只是名字叫厨房，它里面就是一个名副其实的厨房，你试过一下车就直入菜市场么？

这里售卖的食材不仅新鲜而且价格不贵，除了食材外，厨具、调味品和各种伴手礼也是应有尽有，厨房里能找到的一切这里都有，就差一个你带着一张嘴。现在仙崎厨房已经成了长门市一个适合吃货们逛吃打卡的热门景点。

9. 布久亭〈2018〉

布久亭是一家吃河豚的店铺，它的位置面朝关门海峡，建在了足下便能感受大海的地方。可以说是名副其实的「面朝大海，春暖花开」。

新村则人这个标志的灵感来自于被海峡的和风吹起的布帘，一进玄关，大布的门帘就被徐徐吹起迎接你，还未入座就能感受到惬意。

柔和的海风本是看不见摸不着的东西，新村则人却假借被风吹拂的布让你看到海风的样子。

这个标志也只有在它真正被制作成实物的时候，你才能看到它的完全体。一片乐事。（开玩笑的，是一片海风。）

10. 濑户内设计大奖赛〈2019〉

濑户内设计大奖赛是针对山口县小学，初中和高中学生的海报设计比赛。它由新村则人发起于2016年，目的是让孩子们知道设计的乐趣。新村则人认为，设计感是可以从儿童时期获得的，因此教育很重要。注重培养学生对设计的兴趣和对构图的判断力，等到孩子们长大了，山口县的整体审美意识将会提高，这会使整个地区兴盛起来。（不知道为什么，感动得有点想哭）

2019年濑户内设计大奖赛的主题是「蛋」。「蛋」是生命诞生的原点，它为我们成长提供了很多能量。与此相对，「蛋」也是易碎、珍贵地培育的象征。另外，还有一层含义是这是一颗正在孵化设计师的蛋（糟糕的台词）。

△ 审查委员会评审现场

下面我将放出2019年的获奖作品，分为小学组、初中组和高中组，每一组内按照一个金奖、两个银奖和四个铜奖的顺序放出。最后还有一个山口县知事奖，算是全场最大奖。观看后可能会有自我怀疑等不适症状，请做好心理准备，或在亲人陪同下观看。

△ 小学组

就想问一下这是谁家的小学生，这小学生的构图能力是母胎带的么？

△ 初中组

△ 高中组

△ 山口县知事奖-小泉知由琉，周南市立富田中学校 1年级

看完我觉得这不是设计师的蛋，这是一群破蛋而出的设计师本人。

意犹未尽么？再放几张前三届的获奖作品看看。

写了这么多案例，最令我感动的其实就是最后这一个，多年前没人能想到在山口县的一个小渔村里会诞生一位设计大师。而且直到今天，这位设计大师依然在展现家乡给予他的财富，也始终不断地在用自己的设计回馈家乡。

看到现在，脑子里就记住一个手工狂魔。但是大家也别忘了，对于真实质感的极致追求，最终是为了更好地感染观者，为背后的主题服务。

到目前为止，几乎每一个案例都与自然有着或近或远的关系，好像新村则人被我写成了大自然的代言人，不过他也确实是。其实开头还有提过，新村则人也在同时服务资生堂，他的作品在广告领域的覆盖是非常广泛的，感兴趣的可以自己去网上搜索，下面放出几个算是彩蛋吧，展示一下我们「顶级乡野设计师」是怎么走在时尚尖端的。

△ 资生堂广告

△ 资生堂《花椿》封面

好了，那这一期就到这里吧~下期继续~

△ 追加彩蛋，新村则人在自己的展览上COSPLAY道具熊

原文：研习设

一说到日本设计，相信很多人的脑海中都会想到「极简主义」，的确，日本设计总是会给人一种清新简洁、极简易用的印象，融合传统的日系文化，造就出一种独特的风格，并且传播到世界各地，产生深远的影响。

但是如果你认为日本设计只是极简？那就大错特错了，日本设计才不止极简呢，例如今天要给大家介绍的这位近年来日本设计界炙手可热的新锐设计师——吉田ユニ/ Yuni Yoshida。

吉田ユニ的创作涉及广告、 唱片封面、影像、装帧等多元设计领域，她颠覆想象的作品总是给人带来一种鲜明的色彩对比和神秘的艺术氛围，尤其在海报设计方面，吉田ユニ利用大胆独特的色彩和超现实的表现形式，呈现出不一样的日本设计风格，而这种超现实的风格便成为了吉田ユニ的标签。

吉田ユニ是眼下日本设计界炙手可热的平面设计师和艺术指导，她以鲜活的色彩和具有强烈视觉冲击的作品而闻名，是日本最受瞩目的年轻女性设计师之一。就算你不知道她的名字，也一定看过她的作品：Perfume 的「Cosmic Explorer」专辑视觉设计；星野源单曲「恋」的封面； 日本话题女王渡边直美举办个人展时那组火爆微博的惊艳海报……都出自吉田ユニ之手。

吉田ユニ的主要代表作包括 Laforet 原宿、野田秀树演出的舞台剧 THE BEE 、半神的艺术指导，木村 KAELA、Perfume、星野源的 CD 视觉设计，以及渡边直美的艺术指导等。同时她也在时尚杂志「装苑」上进行专栏连载，还受到 KIRIN、LOWRYS FARM 等国内外企业和品牌的青睐，邀请吉田ユニ为他们制作广告。吉田ユニ于 2016 年获得东京 ADC 奖。

吉田ユニ，1980年出生于东京，从初中开始就读女子美术大学附属中学，学习绘画和素描，高中开始研习油画，进入大学后开始学习设计及广告，并对广告业产生了浓厚的兴趣。

第一次接触平面媒体是在大学三年级的广告课上。后来这个喜欢独自作业的少女也并不固步自封，因为想要尝试全新的事物，所以在就职时选择了与大学专业完全不同的平面设计，像是一脚踏进幻想国的冒险爱丽丝。

吉田ユニ是一位年轻的设计师，所以我们没有必要像研究老一辈设计师那样去深挖她的经历，与其如此还不如单刀直入，直接去了解她的作品。这里我们从吉田ユニ的作品中总结出几个关键词，下面就让我们一窥究竟吧！（后文中的吉田ユニ我们简称吉田）

在吉田的作品里，Perfume、木村 KAELA、渡边直美、Kyary Pamyu Pamyu、水原希子……每一个人在她的作品里都像被放进完全不同的维度里，展现出令人想象不到的一面。但是要说最有代表性的，还属渡边直美。

可能有的人不是很了解渡边直美，她的 Instagram 关注者位居日本首位，是日本当红的新生代搞笑女王。而吉田和超级可爱的直美是好友，也常一起合作，不论是直美的个人服装品牌「PUNYUS」或是演唱会，都能看到吉田替直美量身打造的设计作品。

每次在做艺人宣传企划之前，吉田都会先与他们交流并观察他们的个人特点，然后再思考如何最大化发挥他们的特质，最后将这些特质融入设计之中。

直美告诉吉田自己最喜欢的两样东西是「食物」和「时尚」，于是我们就看到了一个充满吉田风格的渡边直美。她将直美「重量级」的身材作为设计焦点，在表现出直美的谐星个性之外，华丽的装饰风格配上直美认真的表情，使整体呈出一种戏剧感，同时又不失幽默滑稽的表现力。

在先前时尚杂志「装苑」1月刊的拍摄中，渡边直美就戴上了澎澎头，穿上了皮草洋装，呈现出极致的时尚感。

除此之外，吉田也利用擅长的超写实技巧，将渡边的双脚化身为鲜艳的口红、成为可口的小笼包、化身大型冰淇淋等等。

△ PUNYUS 2017 春夏系列

吉田和直美的合作还不止于此，在这之后，吉田设计的 PUNYUS 2017 春夏系列，整体的立意点定位在夏天最受欢迎的 BBQ 上，将作为代言人的渡边直美设计成了 BBQ 烤串的形象，同时也展现了最新一季的服装，直接让夏季变得可视化，令人印象深刻。

这两张海报的设计也充满着吉田风格，在视觉上创造出高对比与超现实的视觉表现，也延续了渡边直美个展主视觉的调性。

△ 渡边直美全球演唱会巡演的主视觉

吉田十分执着于使用道具，通过实物拍摄来完成作品，虽然她的作品中充满了不符合现实尺寸、漂浮在空中、变形的东西，看起来像是 CG 特效，但却都是实物。或许正是因为坚持使用实物，使得吉田的作品虽然天马行空，却看上去十分自然，毫无违和感。

吉田担任了星野源多张单曲、专辑的封面设计。星野源是日剧「逃避虽可耻但有用」的男主，这部剧的主题曲「恋」也由他演唱。随着这部剧的爆红，很多人对「恋」这首歌也不会陌生。

△ 星野源热卖单曲「恋」的封面

「恋」封面运用了鲜艳的黄色，星野源的白衬衫上画着女性手臂，仿佛被妹子拉扯一般，这张封面在当时引起了很大的关注。

△ 星野源的专辑「Yellow Dancer」封面

星野源 2015 年发售的的第四张专辑「Yellow Dancer」封面同样由吉田设计，吉田利用各种物品建构出来的装置艺术，就像是穿和服插著髮髻的日本传统妇人，一眼看上去花魁的剪影，仔细观察就会发现只是书籍盘子等家居杂货重迭在一起。这一富有创意的设计在当时获得很大的反响，吉田也凭借此作品获得了2016年日本唱片封面设计大奖。

△ 「POP VIRUS」专辑封面

△ 「Family Song」专辑封面

△ 「DORAEMON」专辑封面

△ 吉田为星野源 MV 集设计的主视觉

「装苑」是一本日本月刊女性时尚杂志，该杂志成立于 1936 年，是日本第一本时尚杂志，也是仍在出版中的最古老的日本时尚杂志。

从 2016 年起，吉田每月都会在「装苑」的「PLAY A SENSATION」板块连载。连载中她与许多人气艺人合作，以其独特的世界观给读者带来了诸多惊喜。除了连载之外，吉田也担任过「装苑」的封面和一些特别企画板块的视觉设计。

「装苑」是一本「モード系」的时尚杂志，中文翻译过来是「摩登」的意思。「摩登」这一词汇在国内已不常用，或许我们可以将其解释为「超前的潮流感」，这正与吉田的世界观相契合。

△  吉田为「装苑」75 周年的纪念所做的视觉设计

为纪念「装苑」75 周年而制作的这一作品，共计使用了1300期「装苑」。吉田分别为每册图书制作书皮，最终用书背将放置于书架上的1300期「装苑」拼合成模特的肖像，然后进行印刷和拼接。吉田凭借这一巨型作品获得了 2016 年东京 ADC 奖。

吉田的作品中常利用肢体表现，利用错位或是加入迥然不同的元素，经过精密计算和反复试验，创造出令人为之震撼的视觉效果。她对于实物有着异乎寻常的执着，也对实物有着独特的运用方式和视角。

为个人展专门制作的作品，用女孩的身体来表现 26 个字母，尽管是平面的创作却像是一场舞台剧，有动态、肢体语言和丰富的视觉，甚至还有标点符号，很有日系的可爱风。

「用人体表现字母其实我不是第一个这么做的人，开始是觉得这样很可爱，于是就去做了这组设计，后来再完成的过程中，我发现肢体动作的表现比我想象中还要具有戏剧感，每一个字母或符号，单独去看它，它都可以成为一种独立的表现。也是完成这一组设计之后，它让我在之后的人体造型上有了更多的想法。」

△  Perfume 专辑「Cosmic Explorer」

吉田因为鲜艳独特的作风备受时尚业界的青睐，她多次为日本的时尚百货 LAFORET 进行视觉设计，除此之外也为其他日本海内外的百货公司制作广告。

△ 川上未映子书籍封面设计

为日本小说家、歌手川上未映子设计的书籍书封，将人体上下部位错置后造成的奇幻效果，令人不得不多看两眼。

以女性的肢体造型摆出一个衣架，挂上各式各样的配件饰品。很难想像看似温柔婉约的吉田会有如此疯狂的构想，但却在画面呈现上却依旧能维持舒适和谐。

吉田为「WWD」杂志所做的创意企划，让人气模特中条彩未用衣着来表现 26 个字母

△ 购物中心 Laforet 2012 年圣诞活动海报

吉田非常善于运用人体的肢体动作来创造具有创意的作品，各种搞怪的姿势和场景，带给我们既具有现实元素同时又大开脑洞的视觉画面。

在吉田的设计中，甚至连头发也可以成为几何元素，强烈的形式主义将画面统整、归纳，由此也可以看出日式追求规律与工整的表现风格。

将头发变成几何元素，并利用颜色产生对称或对比，就像是把人像丢到电脑里进行编排对齐，整体使用温和的粉色系，展现女性甜美的一面。

吉田很在乎拍摄的主题及被摄物的结合，2013 年她为东京时尚周设计的奔驰广告，巧妙结合了 3Ｄ 技巧，这是第一次运用车子在她的作品里，除此之外，她也将汽车以水平角度呈现，虽然很少有人这样表现车子，但她觉得一台行驶在墙上的车是非常有力量，而且符合时尚女人的形象。

在吉田的创作中，还有一大主题就是表现女性，也许是因为吉田本身身为女性的原因，她总是从自己的视角和对女性理解出发，为我们呈现出不一样的女性之美与超现实的力量。

△ 小松菜奈为 Zoff 代言的广告海报

在吉田眼中，好的作品应该「一气呵成」，只有这样才会带来意料之外的结果，并让她在创作中可以进行更深入的思考。「我擅长影像合成，但是‘一气呵成’能让团队中的每个成员都更加积极地关注工作中的每个细节，而且我认为这样拍摄出来的作品意义更深刻」。

△ Hikarie 百货的杂志封面设计

△ 吉田为 Lumine 百货设计的活动海报

吉田为女演员臼田麻美以「圆眼镜里飞出的泡泡」为概念进行的拍摄，展现出麻美的不同表情。

吉田为模特玉城 tina 以「被装饰在玻璃杯里的帕妃圣代」为主题进行的拍摄，来发掘 tina 最甜美并且最令女孩子们向往的一面。

吉田拍摄的实力女演员安藤樱，角色多变、造型也千姿百态的安藤樱，裸身戴上首饰，「穿」上了一件仅以首饰构成的衬衫，展现出最本质的一面。

之前我们提到过的吉田在「装苑」上连载的专栏「PLAY A SENSATION」，每月请一位演员或者模特，演绎一组充满玩心的照片，总会让人发现这些明星们与平时形象完全不同的美。

担任歌手木村 KAELA 的杂志视觉设计，人体彩绘的错视也是吉田常用的手法之一。

△ 台湾省百货公司「新光三越」初夏购物节主视觉

台湾省的新光三越也邀请过吉田为百货公司购物季的宣传文宣设计封面，这次合作真的让眼睛为之一亮，通常我们拿到周年庆之类的广告单看完资讯就会丢掉，而这充满设计感的文宣根本意图是让人收藏。

肢体表现已经无法满足吉田的创作欲望了，于是食物在她手里也创造出了惊人的视觉效果。她让水果蔬菜、蛋糕甜品本身丰富的色彩发挥作用，这些「不会说话的」家伙似乎一瞬间也被赋予了极强的「生命感」。

与西武百货的合作，由礼盒、盘子、假发等元素组成星际大战里的角色。

△ 餐具和食物组成的女子

△ 华歌尔时尚内衣品牌 Ful Fru

吉田为内衣品牌 Ful Fru 所创作的系列广告，同样简约的元素却富有层次，加上强烈的色彩组合，一次表现「可口」与「美观」的两种感官。将水果融入时尚内衣品牌的设计，新鲜有趣又让人看了口水直流。

在这些维度多变色彩丰富的作品背后，始终有着吉田自身的坚韧品格作为支撑。从小到大都没什么改变的性格和行事方式，让她在面对工作的时候也从未考虑过妥协，也不被他人的观点所左右。一旦着手开始工作，就绝不会放手，一心不乱地朝目标前进。

然而她却绝不冥顽固执到底，反而手腕柔软，只要立场和想法能传达出来，那么最终展示的成果与最开始设想的不一样也没有关系。

在潮水一般淹没人类五感的广告宣传里，要留一份地抓住行路人的眼球实在是件难上加难的事，而吉田的平面作品却总能跳出芸芸众生，牢牢抓住人们的视线，而这一切都源于她独特的世界观如奇诡梦境所创造出的明艳缤纷的超现实世界。

吉田善于表现女性特质和超现实的艺术手法从来都不是割裂开来的，而是将二者巧妙的结合，于是我们就看到了大量充满奇幻、不可思议的女性主题作品。

吉田的强烈风格和执着心到底来自哪里？她说，大概来自于她的「从一而终」。2014年举办个展的时候，她的小学同学来看她，跟她说「吉田和小时候一样，一点也没有变啊」，这应该就是最好的解释。最后我们来看一下吉田的展览：

吉田ユニ，一个把平面变成「戏剧舞台」的设计师，她的设计虽然最终落于平面，却又把不同领域的艺术融合在一起，形成了独具特色的艺术风格。她在艺术与商业中找到完美的平衡，用属于她自己的方式展现了日本文化的独特性。

最后我想说的是，无论是设计领域还是其他任何行业，本无男女性别之分，只有业务能力高低之别，希望通过这篇文章对吉田ユニ这位设计师的了解，能够对所有广大女性设计师起到一定的激励作用，只要你拥有高水平的设计能力，那么在未来的职业道路上相信你一定能够大放异彩。看似我在讨论性别，其本质就是抛开性别，性别之外，是设计的辉光，愿我们一起加油努力，奥利给！

原文：研习设

——日本現代設計之父  龜倉雄策

战后日本经济的迅速崛起，为其在世界上重塑国家形象奠定了基础。1964年日本作为亚洲第一个举办奥运会的国家，首次用卫星向世界转播了奥运会的盛况，其单纯、简约的会徽，以统一、规范、系统的形象设计瞬间展现在世界面前，不仅一扫战争的阴霾，重塑了崭新的国家形象，而且在奥运会形象景观发展的历史上首开视觉形象系统设计的先河，成为以后数届奥运会举办国效仿的典范。

(龟仓雄策1964年东京奥运会的海报设计，融合太阳初升的形态之美)

当年那些参与奥运会设计的设计师们——龟仓雄策、原弘、永井一正、田中一光、杉浦康平、胜井三雄……无不成为日本平面设计的殿堂级人物，他们的经典作品在今天看来也依然散发着令人赞叹的光芒。常读小察的文章的伙伴都知道，永井一正、田中一光、杉浦康平、胜井三雄…小察无不都一一介绍过了，而今天介绍的是谁呢，相信你也看到标题了。

龟仓雄策

龟仓雄策（Yusaku Kamekura），相信大家略多略少肯定听说过，应该看得最多的就是“日本平面设计师协会（JAGDA）龟仓雄策奖”类似标题或作品，但是真正详细介绍龟仓先生与他的设计理念的文章可能市面上偏少。没错，日本JAGDA是由龟仓雄策先生为首创立的日本平面设计师协会，是目前日本平面设计的最高协会，也是日本唯一的一个平面设计师的全国性组织协会～

从龟仓雄策创立的这个奖项脱颖而出让你熟知的现代日本设计大师有哪些呢，佐藤卓、原研哉、佐藤可士和、水野学、菊地敦己、色部义昭、大黑大悟、平野笃史……

龟仓雄策先生出生于1915年，九岁时，举家从半年都沉浸在雪白与冷冽的新潟县搬到东京。住家对面有整片红树林，放眼望去，尽是朱红。这是龟仓初见希望新天地――东京的景色，也是他设计的原点，更是他一生对家国及设计奉献的热情所在。

龟仓从小生活在艺术世界里，父兄与舅舅都喜爱绘画，也四处收购画作。初二时，龟仓没能通过中学考试，被父亲要求退学，幸运地与邻居三浦逸雄(第一书房综合杂志《Le Serpent》的总编辑)成为忘年之交，三浦带领他进入文学、电影、音乐等世界，与精通法国文学的小松清、俄国文学的中山省太郎、画家海老原喜之助、艺评家柳亮等人认识，为龟仓的艺术涵养打下基底。年纪轻轻就为《Le Serpent》杂志画插画、写影评，还考进日本第一家制作公司「共同广告事务所」，第一次设计的装帧书籍就是圣修伯里的《夜间飞行》。

当龟仓看到小津安二郎《大小姐》的电影海报时，非常崇拜河野鹰思，而且立志成为「图案师」。

十九岁时，在一家旧书店看到一本包豪斯图录，十分着迷，被由直线与曲线构成的世界深深吸引。二十岁时，毅然前往由日本知名建筑师川喜田炼七郎，师法德国威玛包浩斯学校所创办的新建筑工艺学院。

二战期间，摄影家名取洋之助成立日本工房，找来山名文夫和河野鹰思两大招牌，创办当时向国际宣扬日本的海外杂志《NIPPON》。龟仓经由摄影家好友土门拳的引介和该杂志展开合作，大胆运用影像、蒙太奇等艺术手法，将它变身为与国际接轨的高水准刊物。

同期间，龟仓也学到名取以「纪实照片拼贴」手法，呈现编辑风格的独特绝活。原本要展现在《NIPPON》东京奥运特辑上，但因政府决定交回第十二届东奥主办权而停摆，让他丧失与河野制作的柏林特辑较劲的机会。

为了向世人传达为每日生活引进美好事物非常重要、发掘年轻新锐设计师，以及提升日本广告设计水准，龟仓雄策和原弘等人在1951年成立日本宣传美术会(简称日宣美)。六十年代，尼康相机的市占率很低，日本光学公司找来龟仓代言改造，不但扭转颓势，他设计的Nikon SP相机海报，还被德国设计家Will Burtin看中，开启龟仓与国际的连结。日本战败后急于从衰败中奋起，重新踏上国际舞台，在行销策略联盟抵抗外资的号召下，龟仓在1960年组建日本设计中心，结集全国优秀广告人才，开启设计师的专业地位；两年后设立龟仓设计研究所，成为自由设计家。

成长于二战的龟仓，是日本第一代平面设计师奠基人，受西方现代主义影响，作品中透露极强的现代性，但又不失日本传统美学的象征性与简洁性。1964年，日本终于争取到抓住世人注目的强国机会――东京奥运，龟仓领军的团队，设计日本国旗从金色奥运五环托起的奥运系列海报造成轰动，不仅使日本在世界平面设计舞台上崭露头角，也捲动日本经济快速发展。国宝级艺术大师横尾忠赞誉「这充满张力的海报是成就战后现代主义的巅峰杰作」。

此系列作品获得当年国际米兰海报设计大奖，从海报文宣、工作手册、指示牌到证书纪念品，龟仓设计的整套识别系统，成为奥运史上的典范。那面朱红记忆的旗帜，在活动落幕后，仍持续屹立在每个人心中。

龟仓将日本特有家徽做为一种视觉语言，贯穿在海报中，展现大和民族特有的文化，从1970年他为大坂世界博览会设计的海报中可见端倪。无论精神内涵还是形式表现，龟仓都走在日本平面设计的前端，深深地影响日本乃至世界的设计风格。1978年，龟仓担任日本平面设计师协会(JAGDA)会长，推动日本成为设计大国。除设计海报、标志、摄影、杂志、书籍装帧之外，也涉及雕塑、公共艺术等其他设计领域，晚年亦担任《CREATION》设计杂志主编，堪称现代日本设计的创始者。

（JAGDA官方）

在龟仓先生的海报中，我们常常能寻找到日本传统文化的影子，他深刻地认识到传统的图形、色彩在海报中的运用能增强整个民族的认同感，结合西方的构成方法能达到了民族与国际的统一。 　　

在图形方面，日本特有的家徽符号在海报中的大量运用成为龟仓雄策的重要特征，家徽能反映日本民族特有的文化心理和处事方式，且具有较强的简洁性与象征性，他把家徽作为一种视觉语言贯穿于海报之中，无疑是要把大和民族的文化特色展现出来。 　

在色彩方面，龟仓雄策继承日本的传统色彩，并受到浮世绘的影响。在他的海报中多以红色、黑色、白色和金色为主要颜色，以平和的心态崇尚自然色彩，他注重自然与生命之间的关系，从他作品的色彩中能感受到他对大自然的热爱，从而体现生活与自然的融合。

「現在，我們正在龜倉雄策設計的道路上做設計」       一一佐藤可士和

他一生获奖无数：曾多次荣获华沙国际海报双年展的金奖、银奖、艺术奖、特别奖；布尔诺国际平面艺术双年展银奖、铜奖；芬兰拉赫蒂国际海报双年展大奖；1982年紫绶褒章；1988年勳三等瑞宝章；1991年个人文化勳章；1994年获得《CREATION》杂志授予的每日设计大奖特别赏与东京ADC会员赏，同年华沙美术学院授予荣誉博士。龟仓辞世后，JAGDA为向他致敬，在1999年特别设立日本设计最高奖——龟仓雄策奖，田中一光、永井一正、胜井三雄、浅叶克己、原研哉、佐藤可士和、佐藤卓、葛西薰、三木健等人都曾荣获。佐藤可士便曾说「现在，我们正在龟仓雄策设计的道路上做设计」。

日本历史上的大事，幕后总能见到龟仓的身影。他认为「国家治理与企业经营都必须和设计一体化」。国家和企业都有其根本的理念，以及奠基于该理念之上的策略。而为了体现这些理念与策略所付诸的行为，就是国家治理，就是企业经营。设计也是同样道理。面对每个重大事件，他的思想、表现和行动，究竟是如何形成的 ?这里推荐一本书。

（朱紅的記憶－龜倉雄策傳）

龟仓雄策的开拓创新精神用自身的行动打破对于设计的既成概念，建立起设计行业的根基，在30年代对于设计师的职能和可能性的定义，也沿用至今。

龟仓雄策后续其他作品

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龟仓雄策的设计作品，简洁而不失丰富，细致而不失大气，他的设计理念及创新精神，对日本平面设计的后起设计师，有着不可忽视的影响力，他为日本的现代设计搭筑了一条向世界级高峰攀登的阶梯，在他之后，日本一批批著名的、具有国际影响力的设计大师纷至沓来，终于使日本平面设计成为一支世界现代设计领域中具有强大影响力的重要生力军。

参考文献：

《朱の記憶》 亀倉雄策伝 

《战后日本设计史》（戦後日本デザイン史）

《日宣美：他们如何用设计，开启日本的复兴》（知日）

部分图片来源于网络，不做任何商业利益行为，

只为读者学习整理，侵删！

来源：察觉

一说到日本设计师，相信很多朋友都能随口说出几个大师的名字，但是今天要介绍的这位设计师，知道或者熟悉他的人应该不多，包括网络上关于他的资料和信息也是少之又少，这个人就是被誉为日本设计界的「色彩魔法师」——佐藤晃一。

佐藤晃一是个人比较喜欢的一位设计师，喜欢他的原因有很多，比如他的设计表达简洁洗练，没有多余的元素，造型偏抽象几何形，善于运用补色以及渐变晕化效果，与禅宗的虚无意境十分接近，结合留白的表现手法，彷如禅宗的阴翳之美。下面就带大家去认识一下佐藤晃一吧！

佐藤晃一的宇宙虚空

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1944 年，佐藤晃一出生在日本群马县高崎市，父亲曾是日本广播协会 NHK 的一名电气工程师，母亲是一名小学老师。17 岁时佐藤晃一决心要成为一名平面设计师，于是他开始自学，那时候他比较多地临摹马克思·比尔的作品，对于他后来的设计道路有着重要影响。可见任何伟大的设计师起初都有模仿的对象。

马克思·比尔：20 年代末新平面设计的核心人物，康定斯基具体绘画的继承者和推动者，构成主义的领导者，瑞士最为著名的建筑师和产品设计师。

1965 年，21 岁的佐藤晃一考入东京艺术大学工艺美术系视觉艺术设计专业，开始接受正规的设计学习。期间曾在田中一光事务所实习，成为田中一光的助手，因此田中一光的设计理念对他有很大影响，尤其是对于事物的认知以及设计的表现形式。但佐藤晃一并没有模仿田中一光的设计手法，而是从新的角度，结合了日本传统美学进行创作。

1969 年，25 岁的佐藤晃一大学毕业，毕业后进入日本著名化妆品企业资生堂广告宣传部，两年后结婚同时辞去了资生堂的工作，成为一名独立设计师。在广告设计公司的两年设计经验，为佐藤晃一的设计打下了坚实基础。

1974 年，30 岁的佐藤晃一被东京 YMCA 设计研究所聘为讲师，此后在 1982 年至 1987 年期间在东京艺术大学视觉设计专业任教，1995 年至 2015 年于多摩美術大学任教。

Koichi Sato. Agamemnon. 1972

1989年佐藤晃一赴美国斯坦福特大学、马歇尔大学和奥哈大学做演讲，1997年当选德国哈德巴万国博览会的日本代表，1999年任静冈县「世界茶叶节」的企业形象策划总设计。日本平面设计家理事、东京ADC会员。

获得奖项

东京 ADC 最高奖·布尔诺图形设计奖·华沙招贴海报奖·捷克海报设计奖·莫斯科招贴设计奖等等

下面一起来鉴赏下佐藤先生的作品～

Koichi Sato. New Music Media, New Magic Media. 1974

1974 年，得益于日本印刷技术的发展，佐藤晃一迎来了自己的成名作《新音乐媒体》。这幅作品采用摄影技术与喷笔绘制手段创作，将图片的边缘羽化处理，黑色器皿中的蓝色水面与鱼的呼应，给人一种魔幻的视觉感受，而这正恰恰与这幅招贴的主题「新音乐媒体，新魔法媒体」紧密的联系在一起。

Koichi Sato. Sakurahime Azuma Bunsho. 1976

Koichi Sato. Shino-Dan- Kono Yoh Ni Watachi Wa Kiita. 1976

Koichi Sato. Super School. 1981

Koichi Sato. Conversation With Landscape. 1982

Koichi Sato. Gakuya. 1983

Koichi Sato. Kinkaku Enjo. 1983

佐藤先生对日本的禅宗哲学情有独钟，他的作品也具有强烈的日本禅宗思想，强调清静无为、朴实无华，自我修养，是智慧、纯净、简约、空寂、空幽等多种美词的代表。他的招贴与其说是商业海报，倒不如说是日本文化和日本禅宗精神的视觉载体。

Koichi Sato. Morisawa and Company, Ltd. 1983

Koichi Sato. Promotional Poster for a Group of Flower Arrangers. 1985

Koichi Sato. Dress of Japan "Seisei-an". 1987

Koichi Sato. The Modern Poster, The Museum of Modern Art, New York. 1988

Koichi Sato. Soap Bubbles Floated, They Floated Into Outer Space. 1989

Koichi Sato. World Design Expo. 1989

Koichi Sato. Urban Design Seminar, Twenty-first Century Urban Design. 1992

Koichi Sato. Zen. 1992

从对空空如也的盒子的探索开始，佐藤晃一找到了自己的设计节奏，在那虚空的盒子里仿佛有着一种不可知的东西，这种渐变的宇宙虚空，给人以无限遐想与可能。

Koichi Sato. Poster Celebrating 10th Anniversary of Tategumi Yokogumi Magazine. 1993

Koichi Sato. Plakate aus Japan, Museum fur Gestaltung Zurich. 1993

Koichi Sato. Illustration Yokohama Competition. 2000

Koichi Sato. Tama Art University Doctoral Program Graduation Exhibition.2006

佐藤晃一的招贴作品并没有强烈的技术痕迹和冷漠，但却具有很强的现代感，同时又将日本传统绘画的禅意风格融合在图形设计中。

Sato Koichi. Poster Exhibition. 2011

Sato, Koichi. Tama Art University Doctoral Program Graduation Exhibition. 2014

佐藤晃一是双脚踏在日本传统文化的延长线上，继田中一光等老一代平面设计师之后走上设计舞台的新一代平面设计师。在色彩、形体与光三者的关系中寻求平衡，既不完全归入西方古典的光线照射法，也不归入东方传统的几乎抛尽光源，只求色彩与体积的表现法，而是把装饰色彩、变形形体和折中了古典派和印象派的光表现在色渐变手法中融为一体。

https://mp.weixin.qq.com/s/9xjTlchSry8P4Z3-ZsMWPw原文：察觉

永井一正，日本平面设计代表性人物，从战后日宣美的成立，到日本平面设计渐渐被大众接受并在日本经济腾飞中扮演了重要角色，他见证了日本平面设计的发展与变迁。今年91岁的他依然活跃在设计现场，从早期的抽象到近年的具象，他的作品实现了大胆的转换。他在东京银座平面设计画廊举办了Life系列作品展，也在富山县立近代美术馆举办有大规模个展“永井一正 POSTER LIFE”。

他是日本平面设计协会（JAGDA）、日本设计中心（NDC）的最高顾问，也是札幌冬奥会会徽、东京电力、日清食品、JR、世界设计博览会、《河北新报》的标志的设计者，他还是日宣美最初的一批会员。1960年与龟仓雄策等日本设计界前辈一起参与了日本设计中心的创立。

去年， JAGDA 公布了年度奖以及年度新人奖。其中永井一正老师的「LIFE」海报，已经连续2届获得JAGDA年度海报设计奖。

「LIFE」海报

「LIFE」海报极具标志性的海报表现手法，充满活力的形象，给人以深刻的印象，已经成了一种标识，几乎不用看作者名字就知是出自永井老师的作品。

关注过2018 JAGDA的设计师们，应该对上面这个红色毛茸茸生物形象有印象，这海报获得2018 JAGDA 年度海报设计奖项。

这种像是孩子用蜡笔涂鸦的画风，像极动物们充满活力的样子，让人想到宫崎骏笔下的煤球精灵，看着海报就能感受到生命的力量。

©东京国立现代美术馆

「LIFE」系列是他从1992年开始创作的，与之后创作的「SAVE NATUREL」系列（1995）、「SAVE」系列（1998）一样，以动物为主题，表达了他的宇宙观。看他的作品时，我们可以换一个角度，即站在动物的立场，我们就会发现动物也和人一样拥有自己的宇宙，地球上生物都有共通的东西，就像下水道连接着地下水一样，那就是生命。

永井一正在多次的采访或演讲中都表达过希望“代替无声的动物与植物向人类控诉”，在人类文明高度发达的今天，他希望通过平面设计唤醒人类的本能，认识到所有生物都是一个共同体。

设计力量让人觉醒

1929年出生的永井老师，今年已91岁，作为日本设计中心（Nippon Design Center）的最高顾问，至今已经参与制作了超过1000张海报。他的海报风格并不是一成不变的， 他的每一次风格的演变，都是紧跟时代发展的。

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20世纪60年代-70年代

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（1960的尼康相机海报）

（1961年“Good Design”展览海报）©苏黎世设计博物馆

（1966年为TIME LIFE公司所创作的《生命科学图书馆》的系列海报）

（1968年Ichibankan画廊举行的永井展海报）©纽约现代艺术博物馆

（1969年在今井画廊举行的永井一正展览海报）©纽约现代艺术博物馆

（1974年东京Lilycolor有限公司的海报）©DNP文化促进基金会

（1975年东京Kazumasa Nagai展览海报）©DNP文化促进基金会

你会发现永井一正老师的作品通常是手工制作，用丝网印刷。这样的作品更接近艺术，而不是通常理解的纯粹的设计。因为受到龟仓雄策抽象构成思维影响，海报多呈几何抽象风格。

02

80年代中-90年代末

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（1989年富山现代艺术博物馆海报）©DNP文化促进基金会

（1987-1989年 2017艺术家权利协会（ARS））©Sottsass Associati

（1994年东京上野动物园的海报）©DNP文化促进基金会

80年代中至90年代逐渐转向具有东方传统美学与现代设计相结合的意象手绘风格，常常用有吉祥寓意的动物、植物图形作为画面主体进行创作。

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本世纪初

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（2007年东京CS设计奖海报）©DNP文化促进基金会

（1993年“LIFE”系列海报）©DNP文化促进基金会

2014年，三宅一生为永井一正的Pleats Please品牌创作了一系列服装和配饰，其灵感来自1993年绘制的“LIFE”系列海报中的五种风格化动物的主题。

这一时期，永井一正老师将更多情感注入在「LIFE」系列海报，诠释关于生命、生活、生物等话题。

由于现代文明的发展，造成自然生态环境的破坏，受到日本自古以来便留传的“人与动、植物皆生而平等”共生、共荣思想，1987年左右永井先生开始兴起将自然界的动物，从具象形态转化为抽象重大转变；从60年代初冷涩的抽象构成，极为个人化的呈现理性意念，突然转换成具象且精致的点描手绘，这样的巨变即连一路相偕走过“日宣美展”的横尾忠则也极为诧异。

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下面是这时期永井一正「LIFE」系列海报其他作品

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「LIFE」系列海报

初期追求抽象性的设计，之后由于体认到日本的平面设计有一天势必要通过设计这个管道向世界发声，对传统解体的再认识，也必须思索现代视觉新构成的必要性。透过这样的自觉，我们可以看出在表现技法中大部分仍保有日本江户时期“浮世绘”版画的平涂效果，并不追求立体阴影层次；藉由散步时天马行空思考所浮现的创意造形，历经酝酿、发想、草图、组合，以致于定案成型，从其使用于海报的动物象征化发想实验过程，可以看出对于一个出身于传统广告行业的设计者，即使仅仅是部份细微的毛、线手绘描写，也时时讲究绢印之后可能呈现的效果，关心是否完整表达了所要彰显的意图。

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后续其他海报作品

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©永井老师海报集

从永井先生的作品中可以察觉：微视的图像表现背后隐喻的巨视意涵，即便是深埋在作品中的细点、细线与装饰符号，处处都流泻出作者内心汹涌澎湃的情感，无须使用繁复的色彩，而以沉默、单纯的点、线交织更让人沉思的重要意念——这些作品中，非仅单纯停留在动物的描绘而已，其中还加入了自然界的日月星辰、植物、昆虫、蔬果……等，藉由极为单纯的手绘线条与细密交织的点描，每一次伴随着画者的呼吸，隐然与大自然的广大生命共舞，贴近自然界单纯且更为真实的脉动。

据了解，目前日本八十岁以上还奋斗在设计一线的著名设计师最少还有100位以上。包括近年新出炉的日本2020年东京奥运会竞技图标设计，设计师广村正彰也已是66岁。本是已到可以退休安享晚年的他们，还这么依旧创作精力极其旺盛，是什么让他们这样的年纪还忙活于设计呢？除了热爱，大家觉得是什么呢？

原文：察觉

设计没必要这么僵硬

如果不熟悉服部一成，不妨先来浏览一下他的部分作品，也能有一个初步的感受。

这些作品似乎都有着一些共同的特点：简单却洗脑的造型、不追寻规则的排版、奔放的字体设计等等。种种迹象都表明，服部并不想把「设计」做得太僵硬，简而言之他更加崇尚自由。这也是许多人喜欢服部一成的原因。然而，除开这些设计风格的表象，并没有多少人能实际说说服部一成他想要挑战的究竟是什么。

如果你需要一个答案，那么服部一成表示完全可以跟你讲一讲他的心路历程：「当字型设计和排版有了一定的基础后，我开始觉得应该可以在画面中更加自由。我认为所谓设计不一定要有那么僵硬的想法、不一定要那么一丝不苟，有时候往完全不同的方向走不也挺有趣？」

怎么样，悟到了吗？如果你已经豁然开朗，就可以退出这个界面，用新的视角开始工作了，倘若还有些疑惑，那么就让我们从正式介绍开始吧。

服部一成生于东京，毕业于东京艺术大学设计系，随后即加入「Light Publicity」设计公司，2001年成立个人设计工作室，主力从事平面设计及艺术指导等工作。

他为日本Kewpie株式会社、东日本旅客铁路株式会社担任广告艺术指导，以及为《真夜中》、《流行通信》、《here and there》等杂志任艺术指导并因此扬名于业界。他的设计范畴多样化，包括商标、书籍、符号标志、展览海报等。在企业形象设计方面亦非常具知名度，曾担任多个项目企划，代表是三菱一号馆美术馆。

有没有感觉服部的整个职业生涯发展就非常的理想化？科班出身、名牌大学毕业让自己有了良好的基础和起点；毕业后入职顶尖的广告公司，在正确的道路上打怪升级；最后积累到位了就自己出来创业，扬名业界。（前排出售柠檬）

的确，也许并不是所有的故事都充满了鸡汤的潜质，但是我们依旧能从中找到闪光点。对于服部一成来说，也许「兴趣」就是引领他走入设计界的导师了。

在服部的高中时代，恰逢日本的西武文化盛行。这让他接触到了许多西武的设计文化。不仅如此，服部本来就喜欢看海报、杂志等一些平面设计载体。比如《花椿》（日本资生堂的企业刊物），服部一成从高中起每个月都回到百货公司的化妆品卖场去拿了阅读。这些刊物，也被他保存至今。实际上，与其说服部一成有怀抱着成为设计师的雄心壮志，不如说他始终莫名地对这方面抱有兴趣。

《花椿》杂志

当然，对服部开启设计生涯产生了较大影响的还有他相差四岁的姐姐。当时念武藏美术大学的服部姐姐，总会拿一些杂志和相关书籍给服部一成阅读。其中，就包括后来服部自己操刀的《流行通信》，不过当时负责设计的是著名的横尾忠则先生。虽然彼时的服部并不太懂这些，但却总会让他产生眼前一亮的感觉，也许这些都在为日后的设计道路做好了铺垫。

横尾忠则时期的《流行通信》

另外有趣的是，当时「设计师」这个职业在日本还算不上什么正经职业。在服部一成高中毕业之际，正大当家都认为服部一成会选择一个好大学，选择一个好职业时，服部本人却对此有着说不出的反抗。他觉得不管选什么都行，但一定要找一份奇怪的工作，就是想跳脱出常规，当一把“坏学生”。最后，在不知不觉中，便有了当设计师的念头。现在看来，这种叛逆精神，似乎也与他的设计风格相呼应了。

不过，千万别认为服部一成的成功只是依靠了天赋和兴趣。为了完成自己的“叛逆梦想”，服部一成开始上考美术大学的补习班。他还经常泡在书店里，一次就是三、四个小时，把书店全部逛一遍。对于文艺书和文库的装帧设计，他也都全部看过。所以说，我们所做的一切坚持和积累，实际上是培养了在外人眼里的天赋。你永远不知道，一个看起来在某方面有天赋的人，他在背地里为之付出的努力。

大学毕业后，服部进入广告代理公司「Light Publicity」，在很长一段时间内，服部都没有做过独立的设计，但这一时期的他却乐此不疲地痴迷于照相排版与字形的实验中，比如模仿、研究细谷严、井上嗣也、仲条正义等设计师的字体设计，打磨着对字体的感觉。

无独有偶，这也是一段名为「刻意练习」的故事，不是吗？毕竟机会总是留给有准备的人。而也许大多数人总是难以吃下学习与练习的苦，却还总想着一鸣惊人；总是不愿意经历探索的过程，却还想着靠《三招搞定XXX》、《一月学会XXX》一步到位。

当然，服部并不是一个会被自己的“努力”所陶醉的人。尽管每每在自己的作品诞生时都会感到相当喜欢，在心里还要默念“不愧是我，真牛逼”，但是经过一段时间再回头看当初的作品，就会发现真的不行。如果你在前行的路上得不到专业的反馈，那么就不妨让“过了一段时间后的你”来给自己反馈吧。如果一个月后的你还对之前的作品表示啧啧赞叹，那就有些危险了呢。

在Light Publicity工作10年后，服部开始接到JR、Kewpie的广告设计工作，接着从平面设计师转向艺术指导（设计总监）。不过人无完人，或者说这就是服部自己的工作风格吧，作为艺术指导的他并没有很好的融入这个职位，在做设计时仍然是亲力亲为，并不太擅长去制定概念或是指导手下的人，最多也只是对摄影有一定的要求。他更加擅长的是边做边思考，简而言之，就是反复审视。

对于平面设计师和艺术指导的差异性，服部一直都没太摸透。他打心眼底地认为：不管任何平面设计的工作，都一定会包含艺术指导的目光。这句看似平淡的话，实际上却包含了很多信息，值得细品。在我看来，一个会成功的人，大概格局在开始的时候就已经和常人拉开层次了吧。

ADC奖

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ADC会员奖

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东京TDC会员奖

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原弘奖

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日本宣传奖1次

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第6届龟仓雄策奖

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每日设计奖

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服部一成也是一个设计多面手，作品涵盖的类型广泛。之前在讲“字神”浅叶克己的时候，我分为了广告部分和字体部分两方面来讲。这一次，面对这个设计风格独特的服部，不妨就从风格的总结来入手吧！

# 特点其一 倾斜与线条 #

喜欢用线构成的设计师不在少数，也有的设计师玩腻了横平竖直的排版探索着倾斜的角度。当这两种要素加在一起时，那就可以说是“很服部一成”了。

同样的，随意例举了一些服部一成的作品。可以看到，从字体到图形、从局部装饰到整体构成，到处都是线，准确点说是一定包含了斜线。不得不说，线构成的应用是范围广又容易出效果，真的香。言归正传，这样的形式无疑是服部一成作品中的基本构成，倾斜与线条大胆又直接地渗入到服部作品的各个角落。

为什么喜欢倾斜呢？从我们的角度来看，也许很简单。我们都知道，「斜」与「正」相对的，横平竖直的排版与构图对于平面设计来说是司空见惯了，可以说是代表了「正确、正式」；而倾斜的角度当然看上去是非正常、非正式的。服部正是带着怀疑的态度去挑战这个设计常识、这个约定成俗的「正」。

我们不能单纯地把这些不常规的做法理解为忽视规则，为了变而变。服部一成这么做，是因为他已经在彻底了解了这些设计形态和规则的前提下，刻意从反方向来表达这些规则的。这与肆意妄为是不一样的自由。更加通俗点来讲的话，服部一成的设计敢于不一样，或者刻意不一样，是因为积累了一定基础功夫的经验，才能够对自己有自信，来去尝试不同的东西。

这就好比一个建筑师，连四四方方的基础大楼还没有学会如何稳固地造出的话，他是无法做出奇形怪状的异形建筑的。即便他做出来了，也是一触即散的状态。因为他连基础的结构都没有做好，这对于平面设计来说也是一个道理。

而服部一成他正是在长期的积累后，才渐渐知道了，不一定非得遵循设计师的规则走，毕竟最终的成品不是给那些整天叨叨规则的设计师看的。就算在设计师眼里看来这是“出自设计拙劣的人之手”，有时候在世人眼中也不一定是这样的。

# 特点其二 手写与偶然感#

大家可以试想一下，服部所追随的“自由和叛逆”，如果把这样的感觉放到平面设计之中，又会是什么样的体现呢？从他的作品来看，我想自然就是用手写体和无网格排版来呈现出一种偶然感了。

前面我们提到过，作为艺术指导的服部一成来说，并不擅长制定概念或事无巨细地安排工作，更喜欢亲自去完成设计。我想这与他的追随自由感是有联系的。

就拿丘比Half的广告项目来说好了，（上方作品中的前三张）这是一个以年轻独居女性为目标群体的系列产品。按照套路来走，常规设计公司会先设定好这样的目标客群，接着由此为切入点展开关于客群的想象，然后确定照片用这种感觉、再安排谁谁谁去完成哪方面的工作…

But，服部并不是这么做的。他不会说太多，这样容易把可能性给定死了，他会更加期待看到出乎意料之外的结果，如果得到的成品不行就老实说不行就可以了。服部一成会自己先开始做起来再说。

照片、文案，多做不同的尝试，很多时候，一点点小差异就会带来很大的不同，一直试到「这个方向说不定可行」为止。毕竟通过开会讨论，把自己想做的东西对人下指令、要求别人确实做到等等，对于服部来说真的不擅长，很不“自由”不是吗？

说回丘比Half项目本身，这个广告是从都市独居女性的内心独白戏的角度来进行演绎的。所以服部在规划阶段就想做一个完全不像是设计师制作的设计，以此来贴合主题。具体来说，就是用手写的文字、不太精致的快照（用拍立得摄影），把整体做成了就像是“偶然间做的”一样。画面的布局并不规整，元素也是看似随意的排列着，故意让人分不清这是不是已经完成了的设计。而之所以不让专业摄影师帮忙拍非常扎实的照片，是因为拍得马马虎虎的照片反而会有瞬间的真实感。

服部一成对手写和即兴布局感兴趣的最大理由也很简单，手写的文字是唯一的产物，不可能再写一次完全相同的文字，比较随意的排版，再一次排成同样的也是相当困难。他想把这种偶然的、只发生过一次的事情固定在画面上。

也正因为如此，服部也不太愿意去对自己的设计做太多的说明。当然，这并不意味着他说不好、说不准，是因为他觉得这样做总觉会有些假。因为他的手法更讲究的是直觉，纵然在这直觉中有一些理性的推理，但要把这些都说清楚是很吃力的事情。

我们都知道，手绘的东西、手工制作的东西确实更能表现出柔软、亲和的感觉。但是如果只因为这样，一看到这种表现手法，就把这类设计草率地定义为温暖、柔软的设计一定是让人难以接受的。这也是服部所抗拒的，他不喜欢定性的东西，也不喜欢别人对他来定性。

# 特点其三 去™的细节#

有没有发现，服部的设计风格很大程度上与他的性格是相接轨的。这大概就是设计版的「字如其人」了吧。我想他遵循的信条之一就有：意思到了就行，不用想太多。

服部一成在Light Publicity供职了十三年后，独立出来开设了自己的设计公司。对此他表示，我根本也没想「创业」，就是想独立靠自己工作而已。事务所的名字就叫做「服部一成有限公司」，如果你认为他是用自己的名头方便业务发展那就错了。想要注册公司必须得取个名字，服部表示被逼无奈也懒得想，就用自己的名字吧，对于他来说反正公司有没有名字都无所谓。

有没有感觉到服部的心很大？那么说到这里，就有必要跟大家分享一下关于服部一成freesyle般的工作方式了。当然了，这是个例。

服部一成创立事务所后，还另外找了三位设计师组成了团队来合作。当接到《流行通信》的委托后，他只是给了一些基本的方针，就让设计师们进行设计了，然后开了第一次会议。当时时间已经非常紧迫，然而那天服部完全给不出任何指示，不知道怎么办才好……设计师们也只能自行试着排版给服部看，但是他都觉得不是他想要的，却不知道怎么办才好，只能说「嗯，不太对耶。」可以说，开头的时候进展的非常困难。

最后，服部一成甚至没有达成甲方「先做一个样本的来看看」的要求，第一次交稿就已经是正式上场了。为什么会这么“难产”呢？是因为服部一成对《流行通信》始终都有着一份特殊的情感。前面我们讲到了，服部姐姐曾拿过许多杂志给服部阅读，可以说给了他许多设计上的启蒙。其中就包括当时由横尾忠则负责的《流行通信》。

所以，当接到这个案子时，他无论如何也不想这么有魅力的杂志砸在自己手里，变成一个平凡货色。而要达成心里所想的高度，死命抠细节是一定做不到的，尤其时间还这么紧张。

服部觉得，当杂志设计进入到了电脑时代后，排版就已经变得十分考究了，条条框框都做的精巧细致。过往认为这样的杂志一定出自知名设计师之手，但是现在不管由谁来做，都可以排的挺好看。所以他更加没有想要追求这个方向。

所以回到项目本身，在制作《流行通信》时，服部一成就立下了规则，不追求细节的花哨。因为杂志的照片素材已经是彩色，所以文字基本上都只用黑色。虽然不往琐碎小处追求别致，但是物件在页面中的位置或者尺寸关系都会牢牢把控。这样一来，就跟以确定网格为先，然后把文字图片丢进去的工作方式就大为不同了。服部想要的，是每一个跨页都是一种不同的几何结构。

有时，他也会先做好一个样本给设计师看，请他们制作好后再给自己看，有时设计师们反而会做出比自己更有趣的东西。

对于服部来说，重要的并不是能够精巧地排出漂亮的文字，而在于更根本的地方。假如，我们让毕加索这位艺术家来制作海报，他就必须用手绘文字并通过剪贴制版入稿，也许并不能将细节编排得很精致，但是整体一定还是会很出色的。所以，只要是好作品，就一定不会失去光彩。就算其中位置偏了一公分、有些文字歪了，作品本身仍然具备不可撼动的坚韧和精彩。而剩下的就都是小事了。

这其实和画素描有一定的相似之处。我们知道，一个常规的素描绘画过程，一定是先起型，再上调子（黑白灰的明暗关系），最后才去刻画细节。如果你的型体就不准确，大的明暗关系也不对，那么某个细节画的再好也无济于事。

掌握住真正的精髓，再去充实细节也没有什么不好。可是，在没有掌握任何本质的状况下，光在细节上下功夫，伪装成上等的东西，那就很无趣了。当然，细节也是非常重要的，可是这些重要的细节指涉的是那些地方？这才是问题关键所在。

# 彩蛋 艺术之于设计 #

我们都知道，艺术与设计之间有着莫大的不同，他们有着本质的区别。然而，艺术与设计有没有关系呢？答案自然是肯定的。而实际上，就拿服部一成来说，他的这种“自由式”设计风格，就是受了艺术的影响。

确切点来说，比如毕加索、马蒂斯、保罗·克利、塞尚等艺术家都对服部产生了不小的影响。这也是当他的平面设计基本功达到一定阶段后，开始产生变化的一大原因了。比如说， 像毕加索那样，将四角画面掌握透彻，用充满美丽的自由构图来创作。所以在《流行通信》这个案子中，服部就刻意没有使用网格来进行创作。

另外，对艺术设计史有一定了解的同学，也会发现：服部一成的作品中总是有着达达主义的影子。而这也的确是他的最爱。服部非常喜欢其中的大量活字，虽然不明白意思但就是觉得很帅。达达主义是运用充斥市面的制成品来创造出新鲜的产物（拼贴手法），这种方式深受服部青睐。通过艺术的影响，在设计中不断地尝试，有时候凭借着造型的力量，可以让一个场景变得更加丰富。

而对于我们来说，欣赏这些大师的或是优秀的作品，无论是看到其中令人惊讶的形式、或是某个别出心裁的细致编排，往往都会感到有一种东西击中了自己的心灵，而这，大概就是服部以前所说的「设计的瞬间」了。当我们感受到这个瞬间时，如果能稍加思考并且尝试吸收和应用，这就是真的学习到了。尽管在后来，调皮的服部自己在采访中又表示后悔说出了这个概念，但是，至少我们确确实实在优秀的作品里感受到这些，并且学到了。

原文作者：研习设