设计能开拓新市场

企业的运营和管理者越来越意识到，设计师们可以利用他们的才华去创造机会、解决问题，甚至是开发新的市场。所以在我们这里，他们是可以游走在公司规则之外的一群人。

——Robert Brunner， Ammunition Group 创始人

设计的界限一定会消失

在未来的五年，传统的平面设计师、UI 设计师和技术人员之间的界限会逐渐模糊、以至于消失。Jony Ive 就接管了苹果的产品设计，今后这一类跨界一定会变得越来越多。这也意味着，对设计师来说跨平台设计的能力变得越来越重要。寻找结合点变得很关键。

——Mike Treff，Code and Theory 的产品设计组成员

产品设计会影响到使用者的空间感

一提到智能设备，人们想起的就是生产运动记录器的 Fitbit 或是智能温控器制造商 Nest 。我们都知道，单单把电路板接到网络里是无法创造出“聪明”的产品的。你的产品如何设计，将直接影响到用户的体验，甚至影响到用户的空间感。

—— James R. Wisniewski，Michael Graves Architecture & Design 建筑师

自学成才的设计师会逐渐增多

自学成才的设计师人数将超过各大院校设计专业的学生。审美和技术是在不断进步的，大学里的教学课程已经跟不上它的步伐。记住，要时刻的保持自我更新。

经常去 starter league 和 codecademy 上去学点新东西吧。Keep with the pace of learning.

——John Maeda， Kleiner Perkins Caufield & Byers 设计师

HELLO, CEO

有越来越多设计出身的人开始担任企业的 CEO 了，这几乎成为了一个趋势，但并不是每位设计师都能成功。设计专业让他们对产品有良好的判断，但同时还需要对生意有着精准、全面的理解。

——Robert Brunner， Ammunition Group 创始人

服务于残障人士的建筑会不断涌现

给健全的人设计房子并不是什么新鲜事，但残疾人和老人同样需要舒适、便捷的生活空间。未来的五年，会有更多的设计师关注这个领域。

—— Patrick Burke，Principal – Michael Graves Architecture & Design 的建筑师

智能的会变得更智能

如果恒温器都会说话，为什么我们所坐的椅子和会议室不能？无所不在的传感技术、机械自动化和新型的材料会帮助我们实现这一点。很快，枕头就能自动调节到我们想要的软硬度，会议室也会告诉你这次的会议开的是否成功，并为你即时调整室内光线和温度。

——Ben Watson ， Herman Miller 的创意总监

浏览器会变得更聪明

Google 已经在不断地迭代它的产品了。在将来，浏览器的功能会更强大。大部分的 APP 会储存在云端，但使用起来的时候，会像是储存在硬盘中一样方便。

——Mike Treff， Code and Theory 产品设计师

对每一家公司来说，设计都会变得至关重要

大型的科技公司越来越注重设计，他们有了不少新动作。Chrome OS Beta 上的 Files app 在更新后，会成为第一个换上 Material Design 风格的 Chrome app，这个设计小组是由 Matias Duarte 领导的，John Donahoe 则领导了 eBay 的设计小组，IBM 也开始发力了，他们新建了由 Phil Gilbert 领导的设计小组，想拾回他们在设计领域的荣耀。

——John Maeda， Kleiner Perkins Caufield & Byers 的设计师

产品变得比任何时候都更重要

产品的功能变得比以往复杂，良好的设计才会吸引人去使用它。产品的样态、交互的细节……这些都是你吸引用户去反复使用它的关键。

——Robert Brunner， Ammunition Group 创始人

办公室要变成教堂或录音室才行

现在的工作越来越不受空间的限制，网络那么发达，你能在任何地方办公，那为什么还要要求雇员来办公室？这一点在提醒老板们：要让办公室变得像是一个教堂或者录音室。教堂的空间和混响不仅能调整一个人的声音，还能够将多个人的声音混合起来，激发更大的效能。录音棚则是专门用于创建高质量的音轨的，既然你要求员工们要到办公室，就要让他们在这里获得其他地方没有的工作体验。

——Ben Watson，Herman Miller 的执行创意总监

设计更需要同理心

要真正的、深层次的去感受用户的需求。比如你要开发一款智能手环，用以检测和提醒老年人的身体状况，虽然他们需要这款产品，但是未必真会花钱去买它——没人希望在自己身上时时刻刻挂着一个标志上面写着 “我老了”。所以，设身处地地去了解用户真的十分必要。

——Donald Strum， Michael Graves Architecture & Design 的产品设计师

广告和市场营销将成为设计的一部分

以前是把产品生产出来之后再去考虑营销，现在则不同了，要将营销视为设计的一部分才行。一款成功的产品，一切都需要超级一致。

——Mike Treff，Code and Theory 市场运营

设计将更多地基于“人”运行系统本身

人类基因组计划和其他的一些研究结果让科学家们对“人”的运作方式有了更深的理解。这些革新性的认识也将被用于设计上——不管是规划一座城市还是设计一把椅子，设计师们都可以借助这些理论来思考：什么设计能激发人的创造性？如何创造更强的归属感？如何真正的消除干扰、引发更深层放松？

——Ben Watson，Herman Miller的执行创意总监

会有更多的工程师变成设计师

有越来越多的工程师在设计领域初露端倪，这在十年前几乎不能想象。比如 Inkling 的Peter Cho，Opower 的 Deena Rosen ， Flipboard 的 Marcos Weskamp。

——John Maeda，Kleiner Perkins Caufield & Byers设计师

“高设计感”会抬高公司的估值

理解和运用设计语言将成为衡量一家公司的关键因素。“设计感”会被抬升到一个和运营能力一样高的位置。

——Robert Brunner，Ammunition Group 创始人

用原子化的方式去讲故事

传统的线性讲故事的方法已经不行了，现在人们都是在用原子化的方式获取信息，已经没有人愿意完完整整地看完你家品牌故事的视频了。所以你也要学会用原子化的方式去讲故事。市场营销活动要像地铁路线图一样，变得更加精细和复杂。

——Steve Bear， Brand Design Group at Code and Theory

设计者将不得不成为心理学家

产品越来越多，到处是创业、APP、交互……消费者被一大堆新东西包围着。如果你恰巧又是一个设计者，你不得不从心理历史学、民族学、社会科学等多个角度去思考你的产品。

—— Vijay Chakravarthy， Michael Graves Architecture & Design 高级产品设计师

定制设计 VS 为大众服务的设计？

设计一个产品，是为了满足个别用户的需求，这是定制设计，有许多设计师在从事这方面的工作。比如一些人会利用 3D 技术去实现自己的设计。而那些想要满足大众需求的设计师则站在社会科学和大数据的交汇处。

——John Maeda， Kleiner Perkins Caufield & Byers 的设计师

注重可持续性和再生

以我们自己公司为例，未来的 10 年，Herman Miller 要致力于实现零浪费。我们将减少 50% 的水消耗，并将能源消耗降低 50%。我们还会优化设计流程来保护使用者的健康。

—— Ben Watson， Herman Miller 的执行创意总监

不仅满足功能需求，还满足情感需求

未来的产品会在功能性和情感之间寻求一个平衡。设计带来的是舒适、熟悉，以及使用者的自我认同。

——Robert Van Varick， Michael Graves Architecture & Design 的产品设计师

设计工具会不断更新，不仅仅是 4D

我们今天的设计工具大部分都根植于传统，是二维的、静态的，未来的设计工具会更多样化，比如 Koen Bok 的 Framerjs ， Ben Fry 和 Casey Reas 的 Processing ， velyn Eastmond 的 DesignBlocks 等。

——John Maeda， Kleiner Perkins Caufield & Byers 设计师

设计师要学会玩数据

设计和经验有关，也和数据分析有关系。设计师要学会玩数据，用数据来打造日常物品的新定义，使产品变得更聪明、更有效。

——Robert Brunner， Ammunition Group 创始人

公司要更靠谱，眼光更长远

公司需要开发一些新系统，来应对长期的变化。在这个系统上，他们可以更改、优化和重塑他们的产品，而不必每一次都从零开始进行系统设计。

——Steve Bear， Brand Design Group at Code and Theory

设计永不止息

Everything becomes available everywhere.在现代的世界，你可以随时随地的获取任何东西，实物也好，概念也罢，人们将越来越少地关心你能从盒子里拿出什么，他们更关心的是：随着时间的推移，你的设计能持续地提供什么？

——Ben Watson， Herman Miller 的执行创意总监

“一家企业的logo是它自身的简写，是一个讲述了品牌文化、行为和价值观故事的视觉线索。” 著名品牌战略及设计公司 Lippincott（利平科特）资深合伙人 Su Mathews Hale（苏·马修斯·黑尔） 说。但因为人们从logo中获取信息只是几秒钟的事情，所以打造一款logo “有些时候可以说是品牌战术中最难的一件事，”她说。

马修斯会在接下来的文章中为我们解读一些她曾参与过的设计案例以及一些她个人所欣赏的企业logo。

沃尔玛
2005年，沃尔玛选择Lippincott公司来对他们的logo进行重新设计。沃尔玛公司希望摆脱以往大型廉价商品供货商的形象，而是成为一个人们可以明智省钱但能购买优质商品的地方。沃尔玛的新logo在2008年初次登台。

马修斯及她的团队认为沃尔玛旧版的全大写、由深蓝色字母组成的logo似乎一直在大声嚷嚷着“公司”的概念，并且该logo已经与批评者中一个非常流行的观点紧密结合在一起，该观点将沃尔玛视做一个在全美范围内碾压小型企业的恶毒巨人。而将星星符号作为连字符的设计在马修斯的团队看来是非常普通且很容易被人遗忘的。他们同样也认为用连字符链接“mart”(集市)一词很容易使人在脑海中浮现街角商店和廉价杂货铺的形象。

设计团队决定继续留用蓝色，因为马修斯说蓝色是在世界范围内都很受欢迎的颜色，但是他们选择的是较浅的蓝色，因为设计人员相信这种蓝色能够给人一种现代且值得信任的感觉。原本带有棱角的字体被“一种更具人文主义的字体”所取代。logo的最后是一个像星号的符号，因为设计人员想让它看上去像是“一盏照在你头顶的明灯”，同时也隐喻沃尔玛的顾客能够明智地选择价廉物美的商品。星号的颜色是那种看起来充满希望但又不会过于明亮的黄色色调，因为“在零售行业中，明亮的黄色通常与低成本的商品联系在一起”，马修斯说。在焦点小组座谈中，参与者将这星号解读为像是一朵向日葵的闪光，这让马修斯感到非常开心，因为二者都是非常积极的关联。

eBay
2012年，易趣有着与沃尔玛完全相反的问题：公司想要真正的成熟起来，而那时充满趣味的logo却妨碍了企业的壮志雄心。马修斯说当看到有些互联网公司那种令人震惊、乱七八糟的logo时，他们脑海中往往浮现的是那些在.com泡沫破灭时倒闭的公司。所以，在易趣公司logo的设计上，她和她的团队保留了原logo的设计风格，但是进行了更为精致的排版，对logo颜色进行柔和，并将字母置于同一条基线上。最终的logo “更接地气”，能够很好的与一家重视业务的公司相契合。

星巴克
在过去的数年间，星巴克已经成长为一个全球的强势集团，旗下的非咖啡产品也得到了大力推广，例如点心、三明治和茶。2011年，星巴克决定更换一个更为简洁但又不局限于“咖啡”一词的logo。尽管马修斯没有参与到这个项目中去，但是她在Lippincott的同事参与了。

重新设计开始于一项基本前提。当焦点讨论小组被问到星巴克的logo是什么颜色时，马修斯解释道，参与者几乎异口同声的回答说是“绿色”。但是问题是，旧版的logo只有外侧环绕的一圈是绿色，而中间的女妖塞壬是用黑色勾出轮廓的。马修斯说设计者将塞壬从禁锢中解放出来，用已经被客户广泛认可的颜色对她进行填充。星巴克要求设计者们不能使用“咖啡”一词，所以他们将公司名从圆圈中去掉，因为塞壬的形象就足以撑起整个logo。

“这是一个有关logo进化的极佳例子，”马修斯说。

FedEx(联邦快递)
联邦快递公司的logo是马修斯非常喜欢的logo。正如她所设计的凯悦酒店的logo那样，她喜欢内含惊喜的图案，在FedEx的logo中由字母E和x构成的箭头是最著名的隐藏设计之一。她同样也很欣赏这个logo的永恒性。“它可能是在1970年设计出来的，但也可能是昨天才刚刚出炉的”她说。

联邦快递的logo实际上是在1994年由Lindon Leader公司设计的，至今已经赢得了超过40项的设计奖项，很多奖项是因为马修斯所提到的原因而获得的。

Apple
logo所展示的内容需要与公司经营方向的转变相契合，马修斯认为苹果公司的logo就是一个不错的例子。苹果公司联合创始人之一的罗纳德·韦恩是苹果公司第一代logo的设计者，那时的logo是一个古怪的、细节丰满的艾萨克·牛顿的蚀刻版画，希望能够代表苹果公司是一个野心勃勃的局外人的身份。在同一年，史蒂夫·乔布斯雇佣了罗伯·让诺夫对logo进行重新设计，并加入了一些现代性的元素。让诺夫便设计出了现在苹果公司所使用的那个被咬掉一口的苹果的图案，为了展现苹果公司在计算机领域的独特性，乔布斯选择彩虹色对logo进行填充。

苹果公司为了迎合公司所追求的简洁、单纯设计，在1998年将logo变成了单色。

logo设计的趋势
当接手一个logo设计项目时，马修斯将“真实”和“新颖”进行区别对待。她说一个logo需要是“真实的”，在这个意义上，它不应该仅仅追求趋势“新颖”。具有时尚性应该被视作是品牌的附属元素，就像是消费者的购买体验和公司的网站界面。这也就是说，logo在合理的基础上，又能够与它被展示的方式相契合。

“在过去，logo的尺寸有很大限制，因为它们通常被印刷在名片上。而如今，它们变得更小，因为要适合手机屏幕的尺寸，”马修斯说。这也是为什么如此多的logo变得“更平”的原因，由此而言，logo的尺寸已经限制了增加深度或是运动维度的阴影技术的使用。

以下就是谷歌logo在去年进行平面化的例子：

l“我个人更喜欢简洁的设计，”马修斯说。“倾斜的效果是我最糟糕的梦靥。”

Lippincott
Lippincott Mercer (音“利平科特·默克”) 是被公认的CI行业（Corporate Identity）创始公司之一。在上个世纪50年代到60年代中期，当华特尔·兰德尔（Walter Landor）的公司（朗涛Landor）的业务还专注于包装设计和产品品牌的时候，华特尔·马古利斯（Walter Margulies）已经成为公认的第一位在现代企业识别咨询业务领域的卓越专家，他和对识别业务抱有一些兴趣的产品设计师戈登·利平科特（Gordon Lippincott）一起创建了L&M设计事务所（Lippincott & Margulies）。1986年，默克咨询集团从Clive Chajet手中买下了Lippincott。2003年1月，默克将它更名为Lippincott Mercer，让它以“品牌科学”的定位来统领默克咨询集团的所有品牌咨询业务。Lippincott的客户包括Sprint、三星、麦当劳，及2010年重新发布品牌战略的星巴克即由Lippincott操作。

服部一成，平面设计师、艺术指导。1964年出生，1988年从东京艺术大学设计系毕业后进入Light Publicity。2001年独立。主要作品有“Kewpie Half”、JR东日本平面广告，杂志《流行通信》编辑设计、林央子个人杂志《hereand there》编辑设计、平凡社PR杂志《月刊百科》平面设计，印刷、纸品公司竹尾的《TAKEO DESK DIARY 2006》等。曾获ADC奖、ADC会员奖、东京TDC会员奖、原弘奖、第6届龟仓雄策奖、每日设计奖等。

好的平面设计师总能突破规则的限制，在意想不到的地方让人感到平面以外的深度与广度，服部一成就是这样一位平面设计师，他的设计有对图像、文字的自由处理，他对字体的独特感觉也让人过目不忘，2011年，他在获得每日设计奖时被评价为“开拓了新的表现方式”。

中学时代的服部是一个“热爱美术的棒球少年”，长他4岁的姐姐是美术大学的学生，在姐姐的影响下，他很早就接触到了平面设计。在西武文化繁荣的80年代，每天经过池袋上学的服部，更是受到了街头文化的洗礼，他甚至每月跑到卖场里，取阅资生堂的刊物《花椿》。“非常地向往，对于平面的东西。”

在东京艺术大学学设计时，周围的人都拼命地用亚克力颜料画画，服部却对照片、文字的自由组合更感兴趣，他觉得亚克力颜料这种直接让人感觉到创作者体温的方式“太难为情了”，而通过照片、印刷，以及通过机械过程制作的作品才能让他愉快而顺畅地表达自己。他常常流连于银座的画廊，但这一时期的他还处于“非常想做而不能做”的状态。

大学毕业后，服部进入广告代理公司Light Publicity，在七八年的时间内，服部都没有做过独立的设计，但这一时期的他却乐此不疲地痴迷于照相排版与字形的实验中，比如模仿、研究细谷严、井上嗣也、仲条正义等设计师的字体设计，打磨着对字体的感觉。充满野心的服部在Light Publicity拼命地做过很多设计，有时候有好的创意，但出来的效果却总是让他觉得不满意，他说“好像设计的回路还没有被打通”。

在Light Publicity工作10年后，服部开始接到JR、Kewpie的广告设计工作，接着从平面设计师转向艺术指导，当时习惯边做边想的服部很不习惯将明确的理念传达给其他平面设计师和摄影师，使得艺术指导的工作“结果全变成自己在做”。

服部一成特别喜欢毕加索和达达主义的艺术，那种将活字进行夸张的变形、使用既有的物体创造出的新鲜风格让他着迷。2002年，服部一成成为《流行通信》的艺术指导，他有意识地以没有网格的方式进行设计，使版面呈现出丰富的变化。《流行通信》被认为是服部一成最重要的作品之一，他也借此获得了第6届龟仓雄策奖。

在中学时代，服部的姐姐就将横尾忠则设计的《流行通信》介绍给了他，对他来说，《流行通信》是富有魅力的存在，为了不让它变得“普通”，在制作之前服部一度难以在风格上做出决断。在制作《流行通信》的过程中，他制定了“禁止在细节上赶时髦”的规定，对他来说，没有什么所谓的“细节决定设计的好坏”，决定设计好坏的并不是纤细美丽的文字或是版面的构成，而是某种更根本的东西。只要抓住了这个根本的东西，即便细节是生硬的或粗鲁的，好的设计也会诞生。

观看服部一成的设计就会发现，他善于抓住瞬间感觉，他在谈龟仓雄策、早川良雄和原弘等设计前辈的作品时，曾用“电影的瞬间”比喻过设计，他说：“在电影评论中有’电影的瞬间’的说法，说的不是故事也不是映像，而是只有在电影中才存在的瞬间。设计中也有’设计的瞬间’，我时常能感觉到。”

Micah，你好，感谢接受采访！能否简单介绍一下Asana的功用，以及你在Asana 团队中的角色？

当然可以。本质上，Asana是一组为团队协作而生的智能任务分享和管理平台。在Asana上，每个团队成员都可以清晰的了解其他人在做什么，这比起用一大堆邮件来分配任务来的更加高效透明。我们的公司致力于通过设计和产品对世界产生积极的影响，我们认为，要做到这一点最好的办法就是让人们能够通过我们提供的工具轻松地进行协作。

目前，我所在的内部团队由7人组成，正在完善一系列的新功能和特性，并正在对web版的APP进行重新设计。

加入Asana之前，你相当一部分时间都投入到政治事业上。在你看来，对于一个致力于改变世界的设计师而言，这样的工作经验和背景有多重要？

其实，从广泛意义上来说，设计就是寻找这个世界上破碎和损毁的地方，然后思考如何修复它。我们的工作是帮助大家找到产生摩擦、无法接驳的地方，缓解它们。在来Asana之前，我专注于发现那些引起社会矛盾和摩擦的政策和规范，它们让许多特定的人群生活陷入困境。在我看来，和很多其他的设计一样，设计和改变是始于同感和共鸣——从感受痛楚开始。之前的工作经验让我深刻地认识到这一点，也让我学到了如何在一个系统中找到漏洞和不协调的地方然后修复它。设计是一个广泛的领域，作为一门学科，它并不局限于屏幕之上的像素和笔触之下的色彩。

不论如何，最后我离开了政治圈子，搬到了旧金山，开始新的生活。当我来到这里之后，才发现许多企业家和活动家和我一样，有着相似的心态和经历。比起在传统的生活道路上前进，他们更愿意将大量的时间和经历投入到更有意义的事业中去：修补这个千疮百孔的世界。企业家和活动家是一体两面的，前者创造资源和财富，后者将这一切用来改变一些事情，改变世界。

你认为设计能否真正改变这个世界？

毫无疑问，设计能改变世界，也正在改变世界，但是我们依然需要考量这种改变是否更好。一个设计方案可能会解决一个问题，但是同时它也可能带来更多未曾预见到的风险。当我们研发Asana的时候，碰到过类似的情形。举个例子，我们试图利用Asana来替代Email，以解决Email过载的问题，可是如何保证Asana的任务列表不会过载呢？改变是一件美妙的事情，但是作为改变者，我们需要弄清楚这些改变是否会适得其反。

当你为Asana增加新功能的时候，整个过程是怎样的？

每一个项目都始于一系列的目标和假设。为了解决用户所面临的问题，我会根据我的设计直觉提出解决方案，借助统计和研发团队所提供的硬数据，我在来验证方案的可行性。而这种方法的可靠程度还得看目标所牵涉的领域有多大。作为成长团队，我们的目标是提高产品的使用率，并且这些新功能在最初阶段还是极具实验性的。通常，我们会假设“如果我们的采用X方案让Y功能更易用，用户会更多地使用我们的产品”，然后我们会采用一系列的实验来验证假设，并搜集数据。在最终完成某个新功能之前，这个过程会循环往复。

“我印象中最成功的人，能将艰难困苦转化为经验教训，并以此为基础创造未来。”

对于一些明显很重要的功能，我们倾向于认为用户需要这样的功能，并且相应的测试通常用来验证这一功能的细节，而非功能本身。为此，在设计和迭代之前，我们会进行大量的用户调研并获取反馈。在工程师用代码实现设计之后，我们会进行抽样测试，确保功能的可靠性，然后投放给测试用户，并收取进一步的反馈。当这一功能完全调校好了之后，就正式发布了！

那么InVision是如何融入你们的设计过程的呢？

对于InVision，最令我着迷的地方在于它可以制作动态可交互的视觉稿（Mockup）。最近，我在设计注册界面的时候常常会使用InVision来优化优化用户体验。当用户在注册Asana的时候，其实是有一个决策树的，用户因选择不同的工作区而引导到不同的结果，这一个流程的动态视觉稿就是用InVision做的，非常方便。

你如何定义成功？你觉得自己有没有寻找到成功之路？

生命本身就是奇迹，就是最成功的存在——生命的智慧让我们懂得如何改造世界，如何消弭危险，如何茁壮成长。一部分生命的死亡为另一部分生命的成长孕育了契机，优胜劣汰和平衡共存同时存在于地球的生物体系中。同时，生命的强大程度也是有限的，当外在影响足够大的时候，生命也会大规模死亡，但是地球的生命系统已经学会如何应对这种规模的影响。死亡，也成为了一种促进生命进化的力量。

这令我获得启发。成功的人通常都明白如何将痛苦转化成力量。我印象中最成功的人，能将艰难困苦转化为经验教训，并以此为基础创造未来。

你觉得技术和设计的未来在哪里？

技术和设计的未来就潜藏在今天的科技行业中。通常，我们可以将科技从业者们分成两种不同的范式，“自我范式”和“群体范式”。那些“自我范式”者渴望尽可能获得更多的金钱和权利，你看硅谷的创业者们，其中很多就是通过创造企业来套现，他们讨论的许多东西并不真实，那是实实在在的科技泡沫啊。但是“群体范式”则不一样。在这群人的眼中，金钱是火箭燃料——是达成目的的手段，而他们的目标通常是开创某个领域，提升某个行业，或者创造某种不同凡响的产品，我认为这才是科技和设计的未来。

在科技驱动的未来世界中，越来越多的地方会自动化，并且让人们失去工作。但是科技并不是这么用的，它应该将人们从工作中解放出来而非驱除，让追求他们真正喜欢的事情。作为创新者，我们并不能为了创新而创新，而应该为了这个世界更美好作为创新的出发点。不过，在今天的经济结构中，这种理想的状况无法存在，每个人都需要工作来支撑生活。

在寻求未来的道路上，你觉得设计师应该具备什么样的技能和素质？

我觉得设计师应该认识到一个问题：设计的疆域远不止于显示器屏幕。你可以用设计来探索世界，影响世界。越来越多的系统和产品正在被重新设计，在适应和改变这个世界。作为设计师，我们需要自省，需要常常审视自己的设计是否真的让这个世界更好。我们是否在创造一个自己喜欢的世界？

此刻，设计正在改变世界。人们开始意识到体验就是一切，如果你想为用户带来良好的用户体验，那么你需要了解什么样的体验能够修复这个世界上的鸿沟，怎样用体验搭建起桥梁。不要浪费这样的机会！

“在我看来，和很多其他的设计一样，设计和改变是始于同感和共鸣——从感受痛楚开始。”

“设计是一个广泛的领域，作为一门学科，它并不局限于屏幕之上的像素和笔触之下的色彩。”

“比起在传统的生活道路上前进，他们更愿意将大量的时间和经历投入到更有意义的事业中去：修补这个千疮百孔的世界。”

“一个设计方案可能会解决一个问题，但是同时它也可能带来更多未曾预见到的风险。”

“每一个项目都始于一系列的目标和假设。”

“作为设计师，我们需要自省，需要常常审视自己的设计是否真的让这个世界更好。我们是否在创造一个自己喜欢的世界？”
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所有图片由 耐克 提供

在今年的国际足联世界杯上，耐克和两个知名字体设计师合作,为参加比赛的球队设计了几款新字体。这两位字体设计师是荷兰的wim crouwel和英国的neville brody。

DESIGNBOOM和耐克足球创意总监stu mcarthur谈话，知道了更多过程…

DESIGNBOOM：你们是怎么为每个球队设计字体的呢？
Stu Mcarthur: 我们为最好的耐克设计团队设计独特字体，提高他们的“自豪”感，以便他们能将这种感觉体现在他们的球衣设计中。字体的创造既要考虑到其文化性，又要考虑到 字体在整个球衣设计中占着举足轻重的作用。从功能上来说，我们也希望对于看台上的观众以及家里的观众来说，字体具有更强的可识性。

wesley sneijder穿着印有字体“case crouwe”的荷兰主场球衣。该字体由耐克设计师floor wesseling 和wim crouwel合作完成。该字体的特色是选用了荷兰’ij’元音。

DESIGNBOOM：从什么时候开始引进外面的字体设计师进行帮忙的？
Stu Mcarthur: 我们并不经常这么做，就是从今年夏天的联赛开始。我们想去传播设计里的一种民族自豪感，感觉这是一个伟大的事值得去做。能和Neville brody合作为英国队设计字体是一种莫大的荣幸。Neville brody是英国优秀字体设计师，他也是一个足球迷。就荷兰球衣字体的设计而言，因为wim crouwel是耐克的朋友，而且在一些项目上有过合作，所有很自然的邀请了他加入。

DESIGNBOOM：你是怎么判定开发一个新定制字体的成本和时间的呢？
Stu Mcarthur: 对于每个国家来说，这都是他们的球员、球迷以及所有人民的巅峰时刻。我们把这个字体设计元素当作是球队讲述他们自己故事的重要部分。

klaas jan huntelaar穿着印有case crouwel的荷兰主场球衣

DESIGNBOOM：在原创性和可识别性之间保持平衡的标准是什么？
Stu Mcarthur: 这就是一名设计师工资的来源处。首先，这个字体必须是原创的并且相关的，还要考虑到这个字体能否在这个国家或是球队上引起共鸣？这个字体是否符合耐克的整 体发展方向？我们想创造一种漂亮且独特的字体，能够在球员和粉丝间引起共鸣。就荷兰的字体而言，我们运用了wim的现代主义字体规则，调整了字母形状间 距，使其简单易辨，且展现出现代感。在过去六十年里，这种风格在荷兰图形设计里已经成为了一种现代主义的表达方式。

DESIGNBOOM：国际足联对字体的使用有什么特殊规定吗？
Stu Mcarthur: 就字体笔画宽度，颜色，可识性等等而言，我们必须要符合国家足联的一些要求。规则手册里面有全面解释，但是都是很容易做到的。

DESIGNBOOM：你最喜欢的耐克字体是什么？
Stu Mcarthur: 我们对英国和荷兰字体感到自豪。但是我最喜欢的字体是我们为法国创造的ITC avante garde版本风格的字体。这种字体比往常用的字体要宽一些。我们第一次在新条纹衫（客场）球衣上使用了这种字体。我们必须增加字体的宽度以确保每个球队 成员的名字都能直线地排列在肩上并且垂直地排列在球衣条纹之间。

荷兰主场球衣上的case crouwel

荷兰—耐克足球和wim crouwel设计的case crouwel
数字以gridnik字体为基础，其里面的线条让人们想起了20世纪70年代用在足球上的有名的数字。为了进一步标明版权，每一个数字的底部都使用了一个小的皇家荷兰足球协会的图标。

floor wesseling是耐克足球的字体设计师。他和wim在新字体上进行了合作。他告诉了我们更多关于合作的事情：

“当我开始为荷兰国家队设计字体时，我看见了wim crouwel的‘neu alphabet‘ 图像，并产生了灵感。我当时已经认识他，就问他是否有兴趣一起合作制作荷兰球衣的字体。他很愉快的答应了。”

floor wesseling和wim crouwel在crouwel的家里研究case crouwel

“wim采用的qridnik字体是另一个参考—这是非常棒的而且很清晰的字体，被认为是典型地荷兰字。我们决定制作一个名称压缩版本，并随后在背部放上数字，作为标致20世纪70年代—荷兰足球队的一个重要时期—的数字的再次流行。”

crouwel 和 wesseling对荷兰球队字体进行改动

“wim总是很聪明，机智和快乐的。他会把意见反馈给我们。他会用铅笔在图纸上做些改动，先调整一下比例，然后改变字体的间距以及球衣上的数字—为了找到名字，数字和背景之间的完美平衡。在这个过程中，我们把像名字sneijder中的荷兰元音‘ij’作为了字体一部分。

Case crouwel的设计发展

“我们对最后的结果很满意—我们创造出了一个歌颂荷兰足球协会发展史的经典球衣，同时我们也为国家重要设计师展现作品搭建了舞台。我们以‘case crouwel”命名新字体，不仅是为最后作品取个名字，更是庆祝设计师们合作的成果。

印有crouwel字体的荷兰主场和客场球衣

‘Floor受我们的字体启发使用新字母和gridnik。在整个过程中，我都是他的陪练。‘—wim crouwel

耐克2014年荷兰客场球衣

印有case crouwel的荷兰客场球衣

2014年，耐克设计的印有巴西fundição字体的数字的巴西球衣。图为david luiz, neymar jr. 和thiago silva穿衣展示图。

巴西—耐克足球设计的巴西fundição字体
设计巴西球衣上的名字和数字款式的灵感来自于巴西广为运用的手工制作街头海报。每件球衣上的数字和名字都是精心设计的。球衣上的细孔设计具有很好速干和除热功能，荧光轮廓具有明显地辨识性。

巴西主场球衣上字体fundição颜色

巴西客场球衣上字体fundição颜色

2014年耐克设计的法国主场球衣

法国—耐克足球设计的avante garde
法国使用ITC avante garde的版本，在每个球员数字的底部都绣有法国图标

法国主场球衣上avante garde颜色

2014年法国客场条纹衫球衣

法国客场球衣上avante garde颜色

2014年耐克设计设计的美国主场球衣

美国—耐克足球设计的字体the rex force
受美国运动球队影响，美国球衣的名字和数字字体设计是现代风格且菱角分明的。球衣背部的每个数字下端也印有美国足球图标

美国主场球衣上字体the rex force颜色

2014年美国客场球衣

美国客场球衣上字体the rex force颜色

2014年耐克设计的葡萄牙主场球衣

葡萄牙—耐克足球设计的stampa
主场球衣背部的数字和名字都是通过精心设计的，其设计灵感来自于葡萄牙传统标识的老版字体。这个定制字体采用的是现代艺术装饰风格字体。

葡萄牙主场球衣上字体stampa颜色

2014年耐克设计的葡萄牙客场球衣

葡萄牙客场球衣上字体stampa颜色

2014年耐克设计的英国主场球衣

英国—由 neville brody 和 耐克足球设计的字体case brody
‘我很荣幸能够为英国国家队设计字体。我的主要灵感来自于天赋和努力工作，强调创新，发明和惊喜感，创建更多的几何结构。模板的设计是基于细条纹图案，并结合了装饰性的风格。‘—neville brody

印有case brody字体的rooney名字和数字的英国主场球衣

英国主场球衣上字体case brody颜色
 

2014年英国客场球衣

由盛大游戏和leewiART国际数字图形艺术推广机构联手举办的“□□和Ta的朋友们” ――2010盛大游戏卡通创意大赛正在如火如荼的进行中。leewiART给大家呈上新一期的创作指导，来自角色设计师 Florian Satzinger。

大赛官网：http://www.leewiart.com/sgccc

答疑QQ群：49892689  ；QQ号：1507623344

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Florian Satzinger

Florian Satzinger是一位来自奥地利的角色设计师和作家。他是在业界享有盛名的Ken Southworth的学生 ，并深受其影响（Ken Southworth是迪士尼、米高梅、Hanna-Barbera等公司的漫画家和动画指导，曾参与过《爱丽丝漫游仙境》、《啄木鸟伍迪》、《猫和老鼠》、《摩登原始人》、《花生漫画》、《蓝精灵》等动画的设计工作）。目前Florian Satzinger担任 S&H FEATURES公司的产品设计、角色设计和编剧。他正在创作个人的第一本绘本StarDucks，同时在为法国的出版社创作Toby Skybuckle 系列图书和为加拿大的出版商创作Childwood系列漫画。此前他作为概念艺术家和角色设计师参与过红牛、Warner BrosWorldwide Publishing等客户的众多项目。除了设计和制作，他还在萨尔茨堡应用科技大学教授角色设计、模拟动画和动画发展史。

Florian Satzinger的官方网站：http://www.satzingerhardenberg.com

很荣幸能成为此次盛大游戏卡通创意大赛的评委，同时我也感到非常的高兴。相信这将是一次令人振奋的比赛，我期待着看到参赛者们提交精彩的设计方案和艺术作品。这无疑会是一次艺术的盛会。

                                                                                                                                                                    ―Florian Satzinger

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问：Florian Satzinger先生您好，感谢您接受我们的采访。首先请给我们介绍一下您的艺术经历吧，您是怎样开始角色设计创作的？  

答：我最初从未想过也觉得自己不可能成为一个角色设计师。但它就这样发生了。我想这大概是因为我喜欢创造东西，故事、角色或镜头设计。
对于角色设计，我在实践中秉持“先想后画”的原则。例如在实际设计之前，先列出一张单调无聊的清单。我会尽量详细的写下我所知道的关于这个角色的一切（外表，脾气，生平经历），然后从这张清单里挑出几条我认为是最典型的特点。这些被挑出来的特点就是我应该注入角色设计里的东西。

问：根据您多年的创作经验，您觉得一个什么样的卡通形象才是一个成功的卡通形象设计？

答：恩，这个问题很好。你必须努力设计出人们觉得感兴趣的角色。当大家觉得这个角色有大脑、有思想、会说话，活生生的存在，你就差不多了。我想另一个重要的原则是应该避免老套和陈词滥调（像性别和道德等）。牢记你是在设计一个唯一的个体，他具有别的角色所没有的典型特征。

问：在角色设计开始阶段，应该怎样去收集素材？设计者应该注意哪些方面的问题？

答：仔细研究一下动物的骨骼结构，分析它们下颌和头骨的不同构造。你总能找到一些有趣的东西来成为你设计灵感的火花。

问：您在创作过程中兼顾了脚本写作、角色设计、产品设计等不同环节，您最享受的是哪个阶段的创作？从观念到形成一个完整的艺术作品，转换过程中最重要的是什么？

答：除了艺术方面的创作之外，写作和设计是我最喜欢的部分。对我来说，把一个创意变成设计的过程中最重要的事，是在实际绘制之前停下来想象完成的画面。

问：能不能谈一下您最近正在进行的项目？可否以此为例给我们讲一下怎样才能使自己设计的角色独特、个性鲜明？或者选用您的其他角色为例来说明。

答：除了《星鸭客》（StarDucks）和《童木》（Childwood）等项目之外，我还在为法国出版商Ankama创作一个插画故事系列《Toby Skybuckle》。拿这本书里的主角Toby Skybuckle来举例，这是一个11岁男孩，他的性格和经历的设定都是以我的童年生活为基础。可以说，这个角色在冒险故事中所经历的事情有的是我真实遇到过的，只是进行了虚构和夸张――当然是极大地夸张。在设计这个角色的外貌时我用了弟弟瓦伦汀（Valentin）的样子来做的参考，对不起啦小瓦！
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Florian Satzinger作品欣赏 

2010盛大游戏卡通创意大赛由盛大游戏联手leewiART国际数字图形艺术推广机构举办，本次比赛题目为“□□和它的朋友们”， 是针对盛大游戏旗下所有FLASH、网页、休闲类等产品设计统一的国际性卡通形象的创意比赛。最终优胜方案将有机会成为盛大旗下休闲社区及游戏的主推形象标识。比赛邀请多位国际艺术大师担任评委，将在全球范围内吸引优秀的艺术家和创意作品，引领的一次创意风暴。比赛报名和作品提交采用线上的方式。

详情请登陆大赛官方网站: http://www.leewiart.com/sgccc。

答疑QQ群：49892689  ；QQ号：1507623344

作为主办方之一的leewiART国际数字图形艺术机构有幸对此次大赛评委之一的Tom Bancroft进行了独家专访。

Tom Bancroft  从事动漫产业20年有余，其中在迪士尼担任角色设计长达11年。期间参与制作了10部动画长片，5部动画短片，还有众多特殊项目和商业委托，其中包括经经典影片《美女与野兽》、《狮子王》、《阿拉丁》、《花木兰》、《星际宝贝》和《熊的传说》。他曾获得Annie和 Rueben奖的题名，并受邀在肯尼迪中心发表演说。

6年前，Tom Bancroft与伙伴Rob Corley共同创立了Funnypages Productions。该公司为迪士尼、DC comics、Big Idea Productions、Warner Brothers、CBN、Scholastic、NavPress、Thomas Nelson和 Zondervan等客户提供动画指导、插图、动画角色设计及动画艺术发展指南。Funnypages还自主拍摄了不少电影和电视剧，并为50多本儿童读物提供插图。Funnypages Productions的官方网站：www.funnypagesprod.com。

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Tom Bancroft先生您好，感谢您接受我们的专访，首先可否请给我们介绍一下您的艺术经历，以及您是怎样开始角色设计创作的？

TOM：我有一个一起长大的双胞胎弟弟叫Tony，他也喜欢画画，在美术方面我们的竞争很激烈。我们都喜欢看连环画，比如《花生漫画》，都喜欢看漫画书和动画片。后来我们了解到一个叫做加州艺术学院的学校开设了角色动画的课程，就一同到加州艺术学院学习了一年半。1989年，我们一同入选迪斯尼实习生的项目，而后顺利的加入了迪斯尼动画公司，并在那里工作了11年。在加州艺术学院学习的时候，我最喜欢的课程就是角色设计，它让我懂得如何用好的设计理念把角色设计得更好，这也为后来，我在迪斯尼为电影《花木兰》设计“木须龙”这个角色奠定了基础。

我们了解到您有很长时间的迪斯尼工作经验，可否就您的这段经历，谈谈迪斯尼对您的创作最大的影响是什么吗？

TOM：在佛罗里达的迪斯尼动画公司工作的经历是很棒的！我认为世界上最顶尖的艺术家就是迪斯尼的动画师。迪斯尼的动画师必须擅长画任何东西，尤其是人物和动物。同一座大厦里就有上百个天才动画师可以供你学习！迪斯尼公司对我作为艺术家的最大的影响就是――你必须每天学习新的东西。艺术家必须不断进步。

根据您多年的创作经验，能否请您简单地描述或者定义一下，您眼中成功的卡通或者其他角色形象设计？

TOM：因为不同的设计任务的需求不同，项目如是，所以“成功”很难单一定义。但，概括的讲，如果一个角色风格强烈，有某种“感染力”，那么它就是成功的。在迪斯尼，我们用“感染力”这个词来描述一个你想要的角色。角色可以迷人、可爱，抑或凶恶、可怕，总之就是要能够吸引眼球。这个概念很难以一个词来概括，但如果你的角色可以塑造到这种程度，自然会了解。

单就您的经验，在角色设计开始阶段，应该怎样去收集素材？参赛者应该注意哪些方面的问题？

TOM：在角色设计之前的研究工作是相当重要的环节。无论是设计动物、人物、场景还是怪物，都应该去尽量查找了解与之相关的所有资料，包括利用互联网、图书馆、相关资料、甚至看电影。看看将要塑造的形象在真实生活中长什么样，抑或是其他艺术家是如何表现类似的，这些会对你有很大帮助，但绝对不能抄袭。参考任何相关资料的目的是产生新的创意，让你的设计独一无二。

能否请您简单的谈一下您现在正从事的项目？并以您所创作的角色为例，给我们讲述一下怎样才能使创作出的角色生动、独特。

TOM: 我们自己的公司Funnypages Productions目前正在做的项目是为一家大公司制作一部用电脑动画进行创作的剧集，因为他们想要日式动画的风格，所以我们研究了大量不同的日式动画风格，并且设计出了美国版的日式动画角色。这有点像是把日式风格和迪斯尼风格结合起来。这种风格很成功，做起来也非常有趣。

Tom Bancroft 作品欣赏

    如何超越东西方客观存在的审美差异，发掘出人类普遍认可的美的元素。我们试图在他为东风悦达起亚设计的新车Forte(福瑞迪)上，找到答案。

    记者：在您的汽车设计当中您最关注的重点是什么？您是以舒适实用性为主还是以艺术性为主？

    彼得?希瑞尔：设计一款车不仅仅是设计一款汽车的外形，它还包含了许多其他方面，包括汽车的材质、成份、内饰和外观，作为一款汽车的总设计师，我在关注产品外观是否美观的同时也非常关注乘用者的乘用感受，根据每款车的定位将这两者有机结合起来，这是一个非常深的课题，而不仅仅局限于设计外观的艺术性。

    记者：三年前北京车展的时候，我们曾经有过一次小范围的交流，如果没有记错的话，当时问的是现代品牌和起亚品牌，它们的设计风格如果让您形容的话，应该怎么形容？您当时说的是现代品牌像水，起亚品牌像雪花。意思就是起亚品牌有更多的灵动性。三年过去了，我们已经看到了您在起亚设计的许多新车，您现在怎么来理解两个品牌的设计语言的区别？谢谢。

    彼得?希瑞尔：两个品牌还是会有很多的不同，最近的三年里，从产品的角度来看，我们将可以看到这两个品牌陆续上市的新车都有着不同的风格。两年前我就曾形容过，现代的风格就像一滴水滴，起亚的风格更像一朵雪花，正如你所说的起亚品牌更有灵动性，从这两个品牌的各款车型就可以看得出来。

    记者：您在起亚三年，也设计了不少的产品，这里面最满意的是哪一款？为什么？谢谢。

    彼得?希瑞尔：这个问题很难回答。设计下一款新的产品总是让人觉得充满挑战性的，就像艺术家对待他的作品，艺术家对他的下一款作品总是充满了激情。目前来讲，我对我的设计都是非常满意的，我现在正处于一个设计师设计生涯的巅峰，所关注的并不是哪款车最满意，我总希望下一款产品会做得更好，大家已经看到的这款我们即将面市的新车Forte，我对其就非常满意，包括其他的我为起亚设计的产品我都非常喜欢，所以很难回答哪一个产品最满意。

    记者：中国人还是非常认同东方的设计，您作为一个欧洲设计师，在您认为，起亚这个韩系的车在设计上要加上哪一些元素，会让中国人更加亲睐一些？第二个问题，Forte带有比较明显Honda的设计元素，包括带有Accord的特点，你是不是比较认同Honda外形上的设计？谢谢。

    彼得?希瑞尔：现代社会各式各样的文化交流非常频繁，多种文化相互交融已经成为了一种趋势，我们可以看到，我们的车型都拥有更具有自己品牌特点的设计，这是我们的理念，要打造更具有自身品牌特色的起亚，就像BMW有自己的品牌特色，希望大家能够通过这些设计认识到起亚这个品牌的独特之处，认识到起亚这个品牌的品牌价值，就像大家认识BMW那样。中国市场对车的审美观念是与众不同的，我们也清楚地认识到这一点。我们在上海可以经常看到起亚的车，这说明我们的产品非常畅销，从这点看我们相信我们还是非常了解中国市场的，并且我们对中国市场也做了一些研究，在这些车型投入中国市场时我们也充分考虑到中国消费者的需求进行了一些修改，让中国消费者更容易接受这些产品。

    另外一个问题，针对Forte的设计，我们的设计是非常具有我们的特色的，也许你觉得会有相似，但是不同的车型、不同的设计都有它不同的理念，在各个国家都是这样的。不同国家的人像印度人，美国人，澳大利亚人，中国人，韩国人，这些人我们看起来都是不同的，但是都是有相似之处的，如果你要说相似的话，我们把BMW和许多其他品牌联合起来我们也觉得有相似之处，我们在设计车的时候，不会因为考虑到其他车型和这款新车中的一些地方类似，我们就放弃这个想法，而是从消费者的角度来考虑。我们希望可以设计出更具有品牌特色的车型，消费者更喜欢的车型。我们不会参考其他品牌其他车型的设计风格，也不会因为和它有些许的相似，从而改变我们的设计，谢谢。

    记者：您设计的这些作品都非常的个性和畅销，您认为汽车设计对于一款车型的销量有着怎样的重要意义呢？

    彼得?希瑞尔：一款车型的外观设计和它的销量成绩之间存在着很密切的关系，产品的外型设计是消费者最先体验到的，也是产品与消费群体达成共鸣的第一要素。据我所知，在日本一款车的设计在所有影响消费者购买决定的各种因素中排名第一，在中国我并不知道具体情况是怎样，但我相信外观设计在中国消费者决定是否购买汽车时所占的比重将会越来越大，就像我们在购买手表、衣服的时候，我们首先选择的是自己喜欢的样式，当然这款产品的功能和技术也是非常重要的，但关键在于你喜不喜欢这款车的样式。汽车市场也是这样的，只有大家都喜欢的产品才有市场。

    记者：Forte被定位为一款起亚全球战略性车型，请问它的重要性体现在哪一些方面？另外一个请您谈一谈这款车的设计理念和设计灵感，谢谢。

    彼得?希瑞尔：Forte对我们来说是非常重要的车型，这一点不但对于韩国市场，还是在美国或中国都具有重大的战略意义。Forte是一款具有非常动感的车型，驾驭感非常出色，你乘坐在里面时就可以感觉到它有极强的冲劲，还有它的侧面设计，车顶设计，以及整体的感觉都是给人一种强烈的运动感。这款车的整体设计充满了激情，让人兴奋，这也是我们一直致力于为起亚打造的品牌形象，是起亚产品风格逐渐形成的重要标志。

    记者：您曾经担任奥迪、大众的首席设计师，在您的设计生涯中有很多精彩的作品，您在大众最满意的作品是什么？Forte出来以后，对您以往的职业生涯是不是一种超越？第二个问题，你为什么会选择加盟起亚，它对您最大的吸引力在哪里？谢谢。

    彼得?希瑞尔：Forte是一款全新的车型，所以它必然是超越前面所有的车型，它的整体设计风格中融入了新的设计理念，代表着起亚在汽车设计上的全新进步。5、6年前，我曾经为大众设计了一系列车型，包括一款只针对中国市场设计的车型，到现在我们还可以在大街上经常看到。但是这些车型都是过去的作品，就如同奥迪TT也只是我过去的设计作品，但这款Forte肯定要超越之前的设计车型。

  记者：通用和大众在中国本土化的需求正在得到比较明显的提升。上海大众对于朗逸的设计，体现出对本土化需求的满足。我想问?希瑞尔先生，作为首席设计师，是不是准备提升本土团队，就是中国和韩国的同事在研发适合本土车型方面做出一些尝试呢？第二个问题，中国的需求也刺激了很多设计师的想法，中国元素这方面，先生是不是考虑了呢？你的车型包括你的全球车型，以及亚洲的车型是不是会把中国的元素，比方在外观方面，内饰方面考虑到设计的理念里面去。如果有的话，比如Forte的话，哪一些细节是来自中国？谢谢。

    彼得?希瑞尔：我们在中国也是有属于自己的工厂，也有自己的设计团队，在这款车国产化时东风悦达起亚的员工也会根据中国消费者的需求来对产品进行调整。Forte是在美国工作室设计，并结合了韩国起亚设计师的理念，经过认真反复修改最终推出的车型。在中国推出的时候，你们可以在其中发现一些中国元素，渗透入了浓厚的中国文化。我一直都非常关注中国的市场的现状和发展，我们起亚在未来一段时间里的目标之一就是要努力开发中国市场，我们已经充分认识到了中国市场和中国消费者的重要性，在以后的设计工作中我们也会融入更多中国的元素，来迎合中国市场的需求。

    记者：我想问一下新车出来之后的销量和市场反映，这款车能不能像你设计的奥迪A6一样在中国市场深得人心，你怎么看这款车在中国市场的反映？

    彼得?希瑞尔：我当然希望Forte能取得出色的市场表现，同时我对Forte在中国市场的前景非常有信心。因为之前Forte在美国、在韩国上市都取得了非常不错的市场反响。就在前段时间Forte也曾过纽约的车展，并得到了来自记者和来宾的一致好评，这些都让我对Forte这款外形亮丽的车在中国市场的表现非常有信心。谢谢。

    记者：希瑞尔先生到起亚已经两年多的时间，你现在设计的一系列的产品，刚才提到Forte这款车，你在设计上对你原来韩系车的技术路线以及它的设计风格要体现的元素，继承和创新方面有哪一些，原来保留了它哪一些元素，或者说你重点在哪一些方面做了一些修改？抛开你现在供职的起亚，?希瑞尔先生如果为中国消费市场设计一款车，你首先想到的是哪一些要素？

    彼得?希瑞尔：Forte是起亚产品设计理念发展的一个新的开始，就像一幅拼图一样，它是起亚品牌全新设计理念的一部分，从这款产品开始大家将会逐渐看到一个全新品牌设计风格的全景。我认为，Forte完全符合目前汽车市场的设计潮流，通过一系列我们已经上市和即将上市的车型，大家可以看到，我们起亚品牌的设计风格正在逐步转变，Forte是第一步，也是非常重要的一步。

    记者：先生回答得很艺术，Forte这款车代表了设计已经走在了正确的方向上。我刚才问的是，对以前韩系车继承和创新，原来的设计不太正确？

    彼得?希瑞尔：这个问题不容易回答，也许是这样的，汽车市场的外型设计是在不断进步的，现在的设计风格与以前已经不可同日而语。之前韩系车在设计上并不像欧美市场那样拥有悠久的传统，欧美汽车已经发展了很长时间，拥有很深厚的历史积淀，这是可以理解的。近几年韩国和中国市场发展非常快，已经尽可能快的在赶超欧美，在产品设计上也有一些新的进步。现在起亚的设计风格变化也符合着整个市场的发展趋势，我们不仅在设计质量上有所提高，也在汽车本身的质量上有所提高。有的车型是不会随着时代变迁而落伍的，这些设计的产品就会一直保存下来，然后一直受到大家的欢迎。但这是一件非常困难的事情，因为这个是取决于很多因素，包括车型是大车还是小车，目标消费人群是高收入人群还是中等收入人群。这点上，中国消费者和其他国家消费者其实是很相似的，因为我们都是普通人，我们在购买车的时候，都希望选择一款自己可信赖的车型，希望能以这款车为傲。中国的奥林匹克会馆、水立方这些出色设计都是得到全世界公认的，不仅中国人喜欢，全世界人也都喜欢，像这样优秀设计的文化和理念，全世界都是相通的。汽车市场也是如此。

    记者：在去年北京车展上，起亚展示了一款双门概念车，这款车与现在的Forte有着千丝万缕的联系，Forte在的外观上作了一些变化，主要体现在尾部细节上，这样的变化是出于一个什么样的原因，还有当年那款Koup概念车时一款coupe的车型，那是否意味着今后Forte也会推出一款偏向于运动车型的车？谢谢。

    彼得?希瑞尔：你喜欢这款Koup概念车吗？

    提问：喜欢

    彼得?希瑞尔：这款车是一款概念车，Forte的设计和这款概念车在基因上面有相当大程度的相似，尾部设计的基本想法也是一致的，起亚未来将有一款叫Forte Coupe的车投放市场，这其实就像我们在看模特展示的时候，高挑的模特穿着夸张的衣服出现，但这些衣服并不能穿在路上，这就是为什么载投放市场时要做适当的调整，要迎合大众消费者的口味，这就是为什么我们在设计上面有什么不同，但Forte与其还是十分相似的。

    主持人：由于时间的关系，今天的媒体见面会到这里，让我们以热烈的掌声欢迎先生参加我们的上海车展，媒体见面会。

    彼得?希瑞尔：我非常高兴来到这里和大家见面，参加这种类似于访谈式的采访我感到非常骄傲，能够和大家探讨设计理念，我非常开心，谢谢大家。

　　Enrico，意大利人，现在在意大利和上海都有办公室，主要是以意大利为主的一些设计。 

　　目前设计有一定新的趋势和潮流，今天我（Enrico）想把我的一些作品跟大家做这方面的分享。虽然我是一个建筑设计师，但是以我的任务来讲，室内设计比建筑的难度更大，因为室内设计需要更注重细节，这些细节才能让你在生活中过的比较舒服和愉快。当然以目前的室内设计来讲的话，从世界角度看有各种不同的潮流，各种不同的方式，最重要是如何表现属于你自己的能够让客户接受的一些室内设计方案。 

　　我今天将用很短的时间跟大家介绍八个不同风格的设计作品，这八个不同的设计都是我自己参与的一些方案。 

　　通常我在接方案的时候会遇到一个问题，客户要求你做的设计是非常时尚的，但是各位不要忘记，设计所谓时尚的时候不要忘记表达你自己的设计，要做你自己，这个时候才可以把你的产品做出个性化来。 

　　1、独特性的东方元素设计：我曾经在罗马做过几年，（英文）大家知道是鼎鼎有名的大师，这个作品是我的室内设计，Amani在香港的第一个作品。当初在设计这个的时候，跟我们提要求的是Amani本人，Amani是时尚王国的国王，当初他要求的是有独特性的设计，所以我考虑的时候就是以独特的感觉去设计这个旗舰店。因为是在香港，所以Amani来的时候希望用东方元素设计，所以加一个彩带，用彩带的概念把所有的空间完全叠合在里面，包括餐厅，有里面所有的店面，所有的店面用彩带完整的表现整个设计。各位知道，要用一个彩带在整个室内设计中表达所有的空间，把你所用的材料全部连贯起来，里面其实是蛮复杂的。 

　　2、前卫概念设计：刚刚那是七年前的作品，那么我们看看最新的，同样一个Amani的店，在纽约的第五大道，纽约的第五大道是全世界名牌之所在，这个是3月份才开的店，各位看跟七年前是不是有异曲同工之妙。整个设计风格从七年前所谓的独特风格，到七年后用更前卫方法来表达，都是用带状的方式表达楼梯，用楼梯的形状把所有的空间串起来。在这个新的作品里面，各位可以感觉到，同样一个概念：用楼梯贯穿整个空间，用的是黑色的地板，表现的是整个空间的感觉，让它感觉更加充实。那么，这个楼梯间，楼梯不再是一个楼梯，楼梯本身所扮演的角色本身就是彩带，楼梯本身就是一个雕刻体，是螺旋式的雕刻。各位做设计的时候，要有一个简单的概念，并用这个简单的概念去把整个空间有机的跟设计结合起来。 

　　3、当代设计与古典设计结合：这个是05年在纽约所设计的，一个叫TB的店，TB在纽约是非常出名的时尚店，这里面很多东西都是手绘的。各位知道这家时尚店里的衣服主要的布料，都是所谓染色的布。在设计的时候，把油漆涂料放在天花板上面，用涂料去体现出这个旗舰店的特殊性。我给他们做设计，是先从整体做设计，然后再辨别整个大小，像做一个雕刻品一样，从上往下升华整个设计。那么我把这种设计定义叫当代设计，当代设计的东西要跟古典设计结合，天花板上面的涂料和染色的布本身是一个同样的概念，配上木材，让整个味道进行调和。所以我的感觉是，做设计就像厨师煮菜一样，只有能把不同的配料有机的结合的厨师，才是好的厨师。 

　　4、低调奢华主义的设计：各位知道，在澳门的W酒店，它是一个精品酒店。它需要有它很重要的颜色的一个概念，特别是它在澳门，澳门有那么多赌场，怎样让它在众多酒店中凸现出来它的个性？就是在设计的时候，把颜色调和的概念在这个酒店中充分的运用。那么在W酒店里面设计是源于什么，酒店大堂不叫大堂，它把酒店大堂叫做客厅，所以你要按客厅的概念设计酒店的大堂，在设计的时候要注意到每一个颜色的调和，所以在里面又可以看到不同的隐私。那么各位可以看得到，这个房间按整个颜色调和，紫色跟银色结合，事实上为什么不用金色，中国人喜欢用金色呀，他说不是，在赌场里面银色是代表钱会进来，所以用金色没有用，而且紫色跟银色结合比较漂亮。那么这样子的设计，我把它定义为奢华主义的设计，因为到赌场的人肯定是很有钱的人，赌完之后要奢华一下，所以这个时候我把它定义为奢华酒店。那么当然我在设计的时候用了很多数码的概念在里面，包括选色跟材料的搭配。所以大家可以看到整个颜色非常和谐，颜色不多，就紫色和银色而已，部分还有一些灰色，这些颜色的调和不见得就是色调就比较低调，这应该是属于低调奢华的概念。 

　　5、现代和古典彼此调和：另外这个设计是在罗马，风格大家可以看得出来，如果在旧的房子里面创造新的设计条件，这是一个值得大家参考的例子。这个房子是300年前的房子，我做这个案子是因为这个房子要重新装修，这里离这次的罗马震区很近，但是这房子并没有被震垮。这是我所设计从外观旧的东西用现代化的东西比较，古典化的方式，但是又呈现现代化的感觉，如果把现代和古典做结合，这就是一个非常好的范例。这是一栋古老的建筑，里面所有细节都很注意，包括墙的涂料，涂料不是一般的功能，在意大利有议价，议价就是本身介于工价和艺术家之间，这样才能把所有的细节搭配的非常好。那么我所做的这栋三百多年前的建筑，要跟现代感结合，是很有难度的，所以我要把中间的冲突感降低，让它们彼此调和。 

　　6、文艺复兴的风格：刚刚从三百年前的房子走出来，现在到了另外一个地方托斯凯尼（音），这儿临近阿尔卑斯山和地中海，是意大利最漂亮的地方。整个的设计区域是休闲俱乐部。刚刚在罗马那是旧房子做新东西，这个刚好相反，是新的里面要做旧的，新的房子盖的完全是托斯凯尼（音）新的建筑。各位可以看到这个细节，包括原始托斯凯尼（音），还有上面的梁，都是新的做旧的，所有的细节都是仿造以前托斯凯尼（音）的风格，也就是文艺复兴的风格。 

　　7、新巴洛克风格：那么接下来我讲的是新巴洛克风格，从图片可以看出来，这是一个样板房，那么什么叫做新巴洛克风格呢？或许各位知道，但是我还是想先解释一下新巴洛克。所谓新巴洛克，就是在旧的巴洛克里面找到新的方案，如何用现代的风格诠释巴洛克的类型。举个例子讲，我在做样板房的时候，天花板是从罗马的图案取出来的，但是把尺寸调整了，颜色也没有使用原来的颜色，也改变了，所以这个东西我把它定义叫做新巴洛克。再举个例子讲，各位看看墙上的两盏灯，那不是灯，是用涂料涂上去的，把这两种灯的样子涂在墙上，使它看起来像两盏壁灯在墙上。那么真正比较忠于原样的，可以看到巴洛克那堵墙，那是原汁原味的巴洛克，只是墙的图案做了修整。各位可以看到墙上白色和红色相间，它和墙上的感觉是完全联系的，所以从墙上可以看出来它本身就是一个整体的概念。这个作品是我的工业设计作品，是意大利家居厂商请我设计的，在上海做展示。大家可以看到靠墙的那两个沙发，那么有两个沙发是木头雕刻的，雕刻出我很喜欢的这种感觉，这个跟人体的舒适度有很大的关系，那么木制的家居也是一样。 

　　8、数码设计：最后一个要谈的是数码设计的概念，这个所谓数码概念的东西，我等一下会解释，有几个层面的概念。这个案例叫做设计师之家，各位知道，当艺术家设计他的住宅和办公室结合在一起的设计时，是很难的，因为艺术家本身有他不同的风格，所以要如何了解到艺术最深层的部分，能够把这个东西显示出来，这个非常重要。那么各位看到这里面有四层楼，大家可以看得出来，住的地方在四楼，画廊是在一楼，为什么？因为艺术家本身是自我感觉比较高的，所以你住的高的话有居于天下的感觉，那么把艺术放在底下的话，可以把艺术慢慢的提升上去，这样可以传达艺术本身的生命力。我指的这样的造型，是用的有机的造型把刚刚讲的这几个空间窜起来。作为一个艺术家，要跟外面所谓自然的光和影结合，所以这边看到天花板，是让它能够跟外面的光和影结合。 

　　以上这是我对于设计的感觉，我认为做设计一定要内外结合，但是各位做设计的时候会遇到一个问题，就是当你的建筑做的不好的时候，做设计怎么办？那还是把设计抓住。谢谢各位，这就是我要跟大家共享的一些我的作品。

问：当“金刚”们开始变形时，成千上万的部件一起启动。完成这样一个角色的完整变形过程要多久呢?

答：一个完整的变形过程要从零开始做的话，可能需要6个月的时间。尽然我们是在制作“变形金刚”，我们事先就清楚展现令人信服的变形过程不会很容易。要制作一个变形的镜头，我们首先要做出角色变形前后的静态模型，而且要尽可能的栩栩如生。每一个汽车人都有上千个零部件，其中部分是一眼就可以辨识出来的，就像你打开自家汽车的引擎盖会发现的那样。接下来，我们要做出骨架来方便做动画，让那些枪炮、喷射器和其他零件真正动起来。下一步我们通过动画程序让汽车上的大部件变形成机器人的模样。之后，我们要绞尽脑汁地计划如何将那些细小零件从汽车状态转换为机器人状态。动画过程完成后，灯光和纹理渲染会继续以使得它们与背景更为融洽。最后，要加进烟火、灰尘、火花等外部效果，将便形成机器人的“金刚”们更好地与现实环境谐调，让它们看起来更真实。 

问：最难制作的是哪一个变形金刚?

答：每一个变形金刚都是一个挑战(哈哈~~~)，就像拉扯14个小屁孩一样(啊哦，这就是说电影中将出现14个变形金刚!)。我们刚弄好这一个，又得赶场去修理另一个爆炸中的机器人。每个机器人都有成千上万个部件，这种复杂程度的制作是我们以前从来没有经历过的。在所有金刚中，擎天柱(Optimus Prime)、威震天(Megatron)和铁皮(Ironhide)是难度最大的。擎天柱是因为它是主角英雄(所以要求更细致);威震天是因为它那异常复杂的铰链式结构(汗，看起来老让俺想起《魔戒》里的树胡……)。至于铁皮，光它那两杆大烟枪就比某些变形金刚本身还更复杂…… 

问：最难表现的是哪一个场景?

答：很难挑选一个呀，因为每一个场景都有独特的挑战性。对于我们来说，最富于挑战性的场景之一，是一个所有五个汽车人同时变形的长镜头。镜头将以擎天柱为中心，环绕展现救护车(Rachet)、铁皮(Ironhide)、大黄蜂(Bumblebee)和爵士(Jazz)一起变形的场景。每一段都令人头痛。我们设计的动作是让它们在变形的同时展现各自的性格。每一个机器人都有数千个部件需要以令人信服的方式分解、移动、组合。此外，这是一个夜景镜头，发生在一个潮湿而稍有雾气的地带，进一步加重了布光与合成的困难。 

问：总共花了多少时间完成所有的特效?

答：单单我们ILM就花了差不多一年吧。但概念设计与动画早在我们正式动工前已经开始了。

问：电影中真实场景与数码特效各占多少比例?

答：跟迈克尔贝导演工作的一大好处，是他总是尽可能地用现场拍摄来展现特效。电影中看到的绝大部分破坏与爆炸场景都是真实发生的，我们只不过在后期加入机器人，然后再加入其他辅助的画面层。为了看起来更真实，我们要努力使金刚们与环境融合。有很少的一部分镜头用到了机械模型，不过绝大部分机器人镜头都是数码特效制作的。除此以外，许多背景、建筑物和其他场景也都进行了数码加工。 

问：怎么让机器人们具有表情呢?

答：开始的时候，我们制作人员自己表演一下，体会动作，作为参考。我们把机器人们的“表演”，绝大部分都集中在肢体语言和头部运动上。接着我们开始做脸部的动画。例如擎天柱同学的脸部就没有两个传递表情的最重要器官――眼睑与眉毛，所以我们得创造性地利用它脸部上那些铁条与钢板来模拟复杂的眼神。一旦搞定眼神，嘴唇的模拟就会把所有表情综合起来，从而使得变形金刚们具有了拟人化的生命力。 

问：如果让你变成变形金刚，你会选择谁?为什么?

答：我会选择“大黄蜂”(Bumblebee)，因为那样我将会有一个人类的朋友;而且，我将会成为第一个碰到山姆(Sam Witwicky，片中Shia LaBeouf扮演的角色，他的家族保守着“能量宝”藏身地的秘密)的汽车人。